domingo, 23 de mayo de 2010

Selectividad y II: El cubismo

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Picasso___________________ Braque________________ Léger______________ Juan Gris


¿ Qué es el cubismo?

Es la primera gran vanguardia artística europea, por cuanto son los primeros que se plantean la destrucción absoluta del canón clásico heredado del Renacimiento y del Barroco. Son, además, los primeros que comprenden e interpretan las lecciones sobre la esencia y el valor de los objetos representados que ya desarrolló Cézanne en sus "Jugadores de cartas" o en sus diferentes representaciones de la "Montaña de Santa Victoria". Por encima de los demás, destacan Picasso, Braque y Léger.

__ Cézanne mostró el camino a los cubistas

Sin duda, la retrospectiva que se hizo en 1907 de la obra de este autor les impresionó vivamente.
Si hay que poner fecha de inicio al Cubismo, casi todo el mundo pone 1906-7 y a las Demoiselles d'Avignon de Picasso. Nada parecido se ha hecho hasta ahora:



Se ha destruido la forma tradicional de representar a los objetos. Fin pues al figurativismo y al color real; la perspectiva se ha quebrado, y ella y las formas se han descompuesto y fragmentado en volúmenes escondidos unos y marcados otros. Lo que Picasso inició con este retrato de grupo lo completa y define a partir de 1909 en sus paisajes de Horta de Ebro.
Braque, inmediatamente, sigue a Picasso. Léger hace lo mismo en 1910.



Así pues, la gran novedad del Cubismo no se centra como los Fauvistas en el color sino en el volumen y la estructura de los objetos y su representación en el espacio. Reaccionaron contra el impresionismo y contra el fauvismo... reaccionaban contra la espontaneidad cromática. De hecho, la monocromía suele presidir sus cuadros mientras que los objetos se rompen en múltiples planos, analizando todas sus posibles formas espaciales.

En la línea de las nuevas tendencias filosóficas fenomenologistas ( Husserl ) los cubistas fijaban en la tela todas las posibles facetas del objeto en su variada e ininterrumpida sucesión de apariencias y signos. Trataban de superar el conocimiento relativo del objeto que ya habían trabajado los impresionistas para llegar al conocimiento absoluto del mismo. Hay dos momentos en el cubismo:

Cubismo analítico, a finales de 1909. Planos simples y anchos que rompen el objeto, lo desmenuzan, lo analizan en todas sus posibilidades. Monocromía.


Picasso, Chica con mandolina, 1910________________Retrato de A. Vollard 1910

Cubismo sintético, a finales de 1912. El elemento fundamental de este estilo es la recomposición libre de la imagen del objeto analizado y descompuesto anteriormente. No sujeto a las reglas de la imitación, el autor modelo y nos muestra su verdadera fisonomía esencial. Si Cézanne viviera, ¡seguro hubiera besado y abrazado llorando a Picasso !. Juegan con los collages, con texturas y volúmenes que sobresalen el lienzo y le dan corporeidad.
"
El objeto ya no es despedazado/analizado en multitud de planos, sino que el objeto empieza a ser sintezado en sus formas esenciales y volverá a ser fácil de descifrar. La entrada en el cuadro de materiales extrapictóricos permite dar a cada superficie una estructura más simple y una textura mucho más variada. La utilización de peródicos recortados, con sus textos, imprime un nuevo efecto casual al cuadro, que será aprovechado pocos años después por el Dadaísmo y sus juegos con el azar. En cuanto al color volverá recuperarse progresivamente la variedad cromática." (Algargosblog)


Braque, Mujer con mandolina, 1912 ____________ Picasso, Guitarra, 1912

Y Picasso, cuando llega la I Guerra Mundial, ¿sigue siendo cubista?.

Quizás la etapa cubista, entre 1907 y 1914, sea la más apreciada el el mundo no profesional de la historia del arte; sin embargo, Picasso va mucho más allá... Es técnicamente un ecléctico y, artísticamente, está obsesionado con el Hombre y su destino...Pero esto será motivo para otro post.

El cubismo se agota. O, al menos, el cubismo como fuerza expresiva principal. La I Guerra Mundial marca un cambio cultural y psicológico en el arte de tal calibre que ya nada volverá a ser igual. Este periodo estará marcado por el expresionismo y la abstracción.


Para completar y repasar....

Excelente entrada del blog Algargos, arte e Historia con un slide de repaso muy bueno y un texto adecuado.
http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2009/09/15/pablo-picasso-del-cubismo-anal-tico-al-cubismo-sint-tico-19

http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/cubismo.php

Una galería de cubismo para repasar
http://picasaweb.google.es/socialesweb/77Cubismo#

jueves, 20 de mayo de 2010

Repasamos para Selectividad...

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RECUPERAMOS ALGUNAS VIEJAS ENTRADAS QUE NOS AYUDARÁN A CONTEXTUALIZAR LAS OBRAS A COMENTAR DE LAS VANGUARDIAS EN SELECTIVIDAD

FAUVISMO


Vlaminck, Paisajes con árboles rojos, 1906____________________ Henri Matisse, Armonía en rojo, 1908


Paul Gaugin dijo a comienzos de 1888 a los miembros del grupo de Port-Aven: "¿Cómo veis este árbol?, mirando un rincón del bosque de Amour, " ¿Verde?. Entonces poned verde, el verde más bello de vuestra paleta. ¿Y esta sombra?, ¿más bien azul?. Entonces no tengáis reparo en pintarla con el azul más intenso posible...".

Les estaba descubriendo la esencia de su pensamiento: Cada obra que se hace no es real, es la transposición al lienzo de la sensación recibida. La idea de copiar la naturaleza quedaba apartada definitivamente del ideario del pintor. ¿ Por qué no traducir al lienzo esas mismas impresiones que tienen los poetas sobre las cosas, incluso exagerándolas hasta deformar colores y formas?. Estas ideas calan en dos grupos artísticos claramente diferenciados: los nabis, liderados por Bonnard y Denis, y los fauvistas, grupo organizado alrededor de Matisse.

Matisse, Braque, Vlaminck, Derain, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y Van Dongen
formaron el grupo llamado Fauvista tras el Salón de Otoño de 1905. No eran un grupo cohesionado, no tenían un "Manifiesto". Era, más bien, un sentimiento de compartir un ansia de ruptura dentro del arte. El movimiento es efímero y algunos de sus presupuestos son tomados por otras vanguardias, como el expresionismo.


Matisse ante la creciente presencia del cubismo entre los pintores de vanguardia, afirmó:
" Nosotros queremos alcanzar un equilibrio interior mediante la simplificación de las ideas y las formas figurativas".¿ Qué quería decir?


Para ellos los cuadros no debían ser decoración, orden y composición sino tan sólo EXPRESIÓN. La pintura se convierte así en la forma de desencadenar sobre el lienzo el torrente de emociones y sentimientos que tiene el artista. Es la liberación del instinto y el temperamento, que se sobrepone sobre la forma y el realismo.
Matisse pone las bases del movimiento en su cuadro
Lujo, calma, voluptuosidad, de 1904.


Lujo, calma y voluptuosidad, 1904_______________________________La alegría de vivir 1905

Vlaminck desprecia el cientifismo de momentos pasados ( perspectiva, proporción, teoría de los colores,...) y acude a las explicación de su pintura a través de palabras como audacia, provocación, libertad, barbarismo,etc. Técnicamente, se caracterizan por una gama de colores muy brillante y saturada, el empleo libre y subjetivo de los colores, decorativismo de la composición más que realismo y una pincelada más cercano al post-impresionismo que a otros movimientos. Es lo que se ha dado en llamar el Naturalismo subjetivo. No rompen con las formas tradicionales de pintar -no son cubistas- pero sí alteran los colores y la composición tradicional para alcanzar una expresión totalmente personal de lo representado.

Una de las obras clave fue
el retrato de la mujer de Matisse ( Madamme Matisse o La raya verde ): de vibrantes colores poco naturalistas y con pinceladas potentes, densas de materia y rápidas, casi delirantes, esta obra fue una provocación por cuanto la representación real se reconocía perfectamente. La sustitución de la nariz por una raya verde o la sombra del rostro velada al amarillo marcan el estilo del autor.



Por otro lado, Derain pintó una serie de e
scenas del río Támesis, que rápidamente fueron puestas en comparación con las de Claude Monet. Mientras que los cuadros de Monet son estudios de luz y atmósfera, el fondo de la obra de Derain es la alegría del color. Se vuelve a la linea como refuerzo, con el color, de las formas pero se simplifican hasta hacerse casi sintéticas o esquemáticas.



http://www.liceus.com/cgi-bin/aco/ar/05/05028.asp

http://aprendersociales.blogspot.com/2007/05/la-pintura-fauvista.html

Sobre Matisse
http://brevehistoriadelarte.blogspot.com/2009/01/henri-matisse.html

Paseo virtual por el estilo http://www.nga.gov/feature/artnation/fauve/beasts_1.shtm
http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/fauvismo.php


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jueves, 13 de mayo de 2010

La imagen de la semana...

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"El dibujo y el color no son diferentes, a medida que se pinta se va dibujando; cuanto más armonioso es el color, más se precisa el dibujo. Cuando el color es más rico, la forma está en plenitud. Los contrastes y la relación de las formas constituyen el secreto del dibujo y del contorno. La línea y el modelado no existen. El dibujo es producido por el contraste o por la relación de los tonos. El dibujo sin colores es una abstracción. Dibujo y color no son diferentes. En la naturaleza todo tiene color".



Este artista frecuentó los ambientes de los Impresionistas pero nunca se sintió parte del grupo. Estudió con muchos de ellos en la Académie Suisse y, gracias a Pisarro, expuso con ellos cuando se organizó el Salón de los rechazados. Pero ni el ambiente bohemio, urbano y liberal de Paris le gustaba ni creó auténticos amigos entre estos pintores. Sólo habrá de ser la insistencia de Pisarro, su único verdadero amigo, la que le permita estar en la histórica exposición en la Galería Nadar en 1874 cuando se creó el Impresionismo.

Su tendencia a traducir el volumen y la forma a partir de la pincelada fragmentada despierta recelos entre los impresionistas más puros. Dura poco, muy criticado por Renoir o Monet. No vuelve a exponer con ellos.

Forma y color existen gracias a las variaciones de la luz y su inflexión sobre los objetos. Este es el Impresionismo. Pero nuestro autor está cada vez más obsesionado con los problemas alrededor de la forma, el espacio y la estructura del cuadro.

Obsesivo, recorre los alrededores de París en busca de lugares que le permitan mostrar en lienzos su ideas de recuperar la forma y el volumen a través del color. Todos los objetos tienen una estructura, una forma esencial perdurable por encima de los cambios de luz, color o punto de vista. Tenderá a geometrizar la naturaleza, incluso captará los objetos desde puntos de vista diferentes para romper con las leyes tradicionales de la perspectiva. Para realizar sus obras tardará mucho tiempo, en ocasiones cuatro o cinco años, e incluso algunos lienzos no los llegará a acabar.

El mediodía francés y Aix en Provence, su casa de siempre, le van a ofrecer esa naturaleza y esa luz con la que ganar la esencia de los objetos.

Fragua un estilo y comienza a triunfar. Se convierte en referente para los pintores jóvenes de París, incluso para sus anteriores enemigos como Monet o para el academicismo imperante que introduce tres de sus cuadros en una gran retrospectiva de arte francés del siglo XIX. Sin embargo, tiene problemas familiares; rompe con su amigo,el escritor Zola y la salud le va abandonando desde que desarrolla una diabetes adulta.

Cad vez más encerrado, sólo pintar le satisface. Sus paisajes y sus retratos de bañistas quedan como uno de los principales legados del siglo y propone a los pintores de inicios del siglo XX soluciones pictóricas que desembocarán en el cubismo.

¿De quién hablamos en esta pequeña biografía?

¿Cuál es el título del cuadro propuesto?

¿Puedes citar algún otro cuadro importante de este autor que no se haya citado en el texto?

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miércoles, 12 de mayo de 2010

Impresionismo al desnudo...

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Un año me complace mostraros uno de los mejores recursos multimedia y online que podemos encontrar sobre el fenómeno pictórico del Impresionismo.


Publicado por el Instituto de tecnologías Educativas y Premio Nacional de Materiales Educativos interactivos en el año 2006, Francisco José Calzado Fernández nos ofrece una web que auna profundidad de contenidos, excelentes galerías y un sin fin de recursos de autoevaluación y entretenimiento didáctico.




Me gustaría destacar el excepcional análisis que hace el autor de los principios de la técnicas impresionistas así como sus fundamentos en otros autores y movimientos. Sobre todo el análisis del tratamiento de la luz y los nuevos temas que son motivo de pintura. No es desdeñable la página donde nos ofrece un excelente resumen de la obra pictórica de los principales maestros impresionistas: Monet, Degas, Sisley, Pisarro o Renoir.





Las galerías son fantásticas. En muchas de ellas se pueden apreciar series de cuadros donde se trabaja la luz o el color o visiones de lo estudiado anteriormente en la técnica pictórica. Algunas láminas son complicadas de encontrar en la red lo que, desde el punto de vista docente, acrecenta el interés de esta web.




La bondad de sus actividades está en combinar la autoevaluación de contenidos, de forma rigurosa y profunda, con otras actividades más lúdicas que permiten retener la obra de este periodo artístico lejos de la simple memorización.


Me gustaría recordar que el neo-impresionismo y los maestros post-impresionistas también tienen un hueco en esta web.


Una maravilla al alcance de nuestro ordenador.

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jueves, 6 de mayo de 2010

El examen, en imágenes...

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martes, 4 de mayo de 2010

Los olvidados del temario...

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"El entierro en Ornans es, en realidad, el entierro del Romanticismo" (Gustave Courbet)

Una nueva entrega de nuestra categoría "Los olvidados del temario".

En Extremadura el temario incide en el siglo XIX en el Neoclasicismo y en el Romanticismo pictórico para luego plantear el primer gran estilo moderno, como es el Impresionismo.

Hablamos de que el Romanticismo se extingue hacia 1840-1850 mientras que las primeras manifestaciones del Impresionismo están alrededor de 1870.

¿ No hay más que Academicismo entre ambos momentos?

Por supuesto que no. Hay un conjunto de corrientes y movimientos que han sido sacrificados por las premuras del temario. Hablamos de la Escuela de Barbizon, el Realismo, los prerrafaelitas o la escuela norteamericana Hudson River School.


La Escuela de Barbizon de pintura (aprox. 1830–1870) fue el conjunto de pintores reunidos en torno al pueblo de Barbizon, cercano al bosque de Fontainebleau, donde los artistas de este círculo desarrollaron un nuevo modo de entender la pintura. Los integrantes fundadores de la escuela de Barbizon fueron Théodore Rousseau, Jean-Baptiste Camille Corot, Jean-François Millet y Charles-François Daubigny.

Muchos de ellos han sido posteriormente adscritos al realismo pictórico pero sus primeras experiencias artísticas fueron dentro de este grupo, comprometido con el arte y rechazando el estilo y las formas de hacer arte de neoclásicos y románticos.

Impresionados por una exposición retrospectiva de Constable en París, su temática se vinculó al mundo rural, buscando inspiración directa en la naturaleza. Siempre hemos hablado del "plein air" de los impresionistas pero estos autores fueron los primeros en plantear sus cuadros a la vista directa de los paisajes . Así, las escenas naturales fueron la temática más recurrente, como elemento protagonista de su pintura y no como mero telón de fondo de hechos dramáticos o escenas mitológicas. No hay en esta escuela presupuestos de critica social o denuncia como algunos de sus miembros realizarán años después, una vez que la habían abandonado.


Rousseau es el ejemplo más claro de la evolución en el gusto de la sociedad francesa pues desde un inicial desprecio a su obra frente al gusto romántico dominante, hacia 1853 su producción se reune en una exposición y es definitivamente alabado como uno de los grandes pintores del siglo.

El realismo pictórico es un movimiento que surge al amparo de una renovación literaria, cultural y del pensamiento en Europa a mediados del siglo XIX. Los procesos revolucionarios para la afirmación del liberalismo, el movimiento e ideologías obreras aun en formación pero cada vez más activas y concienciadas y las duras condiciones socioeconómicas creadas por la industrialización llevaron a los autores y artistas a expresiones de denuncia social en todos los campos del arte.

Los pintores de este movimiento comparten una estética basada en la representación directa de la realidad. La manera cómo se materializa este principio básico varia desde la crudeza objetiva de Courbet hasta la simplificación gráfica de Daumier, pasando por el filtro idealista de Millet.

En cualquier caso, todos comparten la radicalidad de los temas: ante la trascendencia que conceden al tema romanticismo y academicismo, el arte realista entiende que no hay temas banales y que, en consecuencia, cualquier cuestión puede ser objeto de interés pictórico. Esta banalización será clave en el desarrollo de los futuros planteamientos impresionistas. Sin embargo, el tema supera lo descriptivo para centrarse en la critica social. El artista como intelectual "movilizado", consciente de la miseria, denuncia la existencia miserable para que, a través del arte, llegue a todas las personas con sensibilidad.



Pero, más allá de la critica social, los realistas muestran muchos avances pictóricos que luego van a ser copiados y superados por Monet o Renoir. Frente a la fuerte presencia del dibujo en muchas de sus obras y una pincelada aun bastante larga y contínua, otras obras rompen con esta forma de pintar y muestran una total dependencia del color para crear formas, un manifiesto abcoetamiento de las figuras y una pincelada ondulante, matérica y, a veces, corta y nerviosa.




La fuerza expresiva de Courbet, su agudo realismo en los temas y capacidad pictórica para crear en diferentes estilos y con diferentes técnicas le llevó a tener el reconocimiento de la crítica que no del público. Ya hacia 1870 cuando otros estilos se consolidaban, Courbet fue considerado uno de los grandes del arte francés.

La Hudson River School fue un movimiento artístico creado en EE.UU fuertemente influido por el romanticismo y por la escuela de Barbizon.
Sus pinturas tenían como tema el valle del río Hudson y sus alrededores. Su idea es mostrar una visión pastoral, idílica, del paisaje donde el ser humano y la naturaleza coexisten pacíficamente, muy en la línea de lo pintoresco en el romanticismo. Pero esta idealización se ve modificada por su interés por reflejar de forma muy realista el entorno, aun semisalvaje, con una agricultura que convive con la más pura naturaleza.
Thomas Cole es reconocido de forma unánime como creador del movimiento. Este estilo permitió que se introdujeran en el mercado americano multiples reproducciones y obras de fondo realista y, posteriormente, impresionista que pusieron en relación el arte europeo con el del nuevo continente.



La Hermandad Prerrafaelita o Prerrafaelista
(Pre-Raphaelite Brotherhood) fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada en 1848 en Londres por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt. La Hermandad duró como grupo constituido apenas un lustro, pero su influencia se dejó sentir en la pintura inglesa hasta entrado el siglo XX.

Los prerrafaelistas rechazaban el arte académico predominante en la Inglaterra del siglo XIX, centrando sus críticas en Sir Joshua Reynolds, fundador de la Royal Academy of Arts. Desde su punto de vista, la pintura académica imperante no hacía sino perpetuar el manierismo de la pintura italiana posterior a Rafael y Miguel Ángel, con composiciones elegantes pero vacuas y carentes de sinceridad. Por esa razón, ellos propugnaban el regreso al detallismo minucioso y al luminoso colorido de los primitivos italianos y flamencos, anteriores a Rafael (de ahí el nombre del grupo), a los que consideraban más auténticos.

La realidad es que este estilo se acercaba a un profundo realismo pictórico, con una gran fuerza del dibujo y los colores planos, acentuado todo ello por un detallismo al estilo de la pintura flamenca tardomedieval y con unas temáticas que ahondan en leyendas medievales, paisajes fanásticos y mundos irreales.

Su huella ha sido enorme puesto que en pocos años el modernismo artístico acepta las formas de este estilo como principios de su estilo decorativo. Su carácter mágico e hiperrealista ha sido siempre del gusto popular.

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How do you say in English...?

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