Locus amoenus. El Arte por el arte

ROAD MOVIE II

2009-07-15T01:47:00.006+02:00

Ya estamos en Galicia. Concretamente en Vigo. Algún día le dedicaremos una entrada al Vigo burgués y cosmopolita de principios del siglo XX con sus magníficos edificios historicistas alrededor de la Puerta del Sol como el Banco Pastor, el edificio Bonin o el Hotel Universal; su gran Teatro García Barbón; la fuerza del modernismo de la zona de Montero Ríos con el edificio Mülder o el Moderno o los giños racionalistas de la Escuela de Artes y Oficios o del antiguo Banco de España. Os ofrezco un enlace para que podáis contemplarlos.

No, hoy no busco el Vigo histórico, sino el Vigo contemporáneo. Una ciudad abierta al mar. Ese parece ser el espíritu que trata de transmitir con las nuevas construcciones que se han realizado o que se proyectan.

De entre todas ellas hay una que me gusta especialemente y es el edificio de usos múltiples de la Xunta de Galicia. El conjunto está situado al lado de la zona portuaria, cercano al puerto deportivo del Club Naútico y abierto a la Ría. Del lado contrario se encuentra la calle Montero Ríos con magnificos edificios historicistas y modernistas y la calle Arenal.

Realizado por los arquitectos Esteve Bonell y Josep Maria Gil Guitart, se inició su construcción en 1995 y se inauguró hacia el año 2003. El edificio es una única pieza en dos volúmenes, configurados a distintas escalas, que repite un mismo tema formal. Las dos piezas prismáticas ofrecen hacia la banda ajardinada, trazada en paralelo con el borde del mar, sus frentes de cristal hundidos en ángulo cóncavo, enmarcados por los cerramientos laterales de piedra y las cubiertas planas, que completan las cajas envolventes. Las fachadas laterales se cierran con una doble piel constituida, en su capa exterior, por una celosía de piedra, intercalada con un orden monótono de aberturas, tras la que se dispone una piel continua de cristal. Esta solución tan mediterránea se transforma, mediante la expresividad del material, en una solución adecuada para el paisaje y el clima de Vigo (Guía de Arquitectura de Vigo, 1930-2000
Fernando Agrasar Quiroga. Isbn 84-85665-44-9).

La horizontalidad de su cuerpo más occidental y la verticalidad del cuerpo oriental, reproduciendo ambos el mismo ritmo y las mismas formas de vanos y pisos, remarca la racionalidad del edificio. Esta aparente frialdad y ausencia de decoración se contrasta con los jardines y la plaza que le rodea por un lado y el puerto y el azul del mar por otro. Me gusta especialmente el remate de las fachadas laterales, cóncavas triangulares, o los grandes voladizos que las cierran.

Creo que los arquitectos han sabido plasmar muy bien el carácter de un edificio administrativo y la separación que debe haber entre el vigo tradicional decimonónico y el nuevo Vigo industrial y terciario del siglo XXI.

Merece la pena venir a verlo y, por supuesto, disfrutar de las playas, la zona comercial y la gastronomía típicamente gallega.

ROAD MOVIE I

2009-07-15T00:58:00.004+02:00

¡Qué dificil es viajar y a la vez poder actualizar con un mínimo rigor en el mundo de las TICs!. Conexión la hay en muchos lugares, tiempo y sosiego para escribir, sin embargo, poco.

Venga, vamos allá con el primer capítulo de esta road movie que nos llevó desde Coria hasta Galicia durante el tiempo de los Sanjuanes.

Así, el primer encuantro con el arte nos lleva a la misma ciudad de Coria. Todos mostramos y destacamos la catedral, joya plateresca y tardogótica del siglo XVI; las murallas romanas bajoimperiales del siglo III y IV dc.; la torre del castillo construida por la Casa de Alba en el siglo XVI tras la conversión de la ciudad de señorío de realengo a señorío nobiliar o el palacio episcopal, hoy remozado como hotel pero joya menor del siglo XVII y XVIII.

Pero olvidamos nombrar una de las obras arquitectónicas mayores -para mi, por supuesto- de la ciudad: El puente de hierro.

Construido sobre dos grandes pilares de piedra y dos contrafuertes en las orillas desde los que arranca su plataforma de aproximadamente unos 150 metros de largo. Está sustentada por tres arcos de hierro, no tubulares sino planos, que se unen a ella por todo un conjunto de tirantes. A su vez, descansa sobre los pilares de piedra a través de unos cojinetes o pivotantes que amortiguan la tensión del peso de los vehículos.
La estructura sigue el modelo de la escuela de Eiffel puesto que las diferentes piezas se unen a través de remaches de cabaza semicircular y no hay apenas soldadura. La plataforma tiene la parte central o de circulación de vehículos y unos voladizos laterales anexos que sirven para el tránsito de personas.

Varios lugares datan el puente en 1909 y en 1912. Quizás sean el origen de las obras y la inaguración del mismo. En todo caso supuso un considerable avance para el pueblo y para la circulación de mercancías ya que se abandonaron definitivamente los vadeos del río en estiaje y, sobre todo, los transbordadores de cable que unían Coria con Portaje.

Cercano a él están el puente de Talavera de la Reina, de similar factura y edad -1902- pero de mayor longitud o luz, así como el puente del ferrocarril de Mérida.

Nuestro puente sufrió restauración en el año 2006, tratándosele contra la corrrosión, sustituyendo planchas deterioradas y sometiéndole a un repintado general que lo dejó en perfectas condiciones.

No hay en todo el norte de Extremadura un puente de la hechura y el porte del cauriense. Un ejemplo magnífico de la arquitectura del hierro y presumiblemente de los planes de mejora de la red viaria iniciados por los gobiernos de maura a principios del siglo XX.

ROAD MOVIE

2009-07-02T13:33:00.003+02:00

Cumplido el tramite, exitoso, de la Selectividad -todo los alumnos del Instituto aprobados y todos los de Arte en su linea de notas del curso- nos aprestamos a atacar el verano.

Como voy a viajar mucho y muy variado, os voy a ofrecer fotos y comentarios de los lugares que visitaré.

Como una Road Movie americana, trataré de transmitiros mis sensaciones a través de imágenes y comentarios. Contadme también vuestras experiencias aunque no podáis subir imágenes.

Si estáis aburridos... pues ya sabéis. Coged de la oreja a vuestros padres lleváoslos a Madrid y dadles una sesión de Arte a través de las magníficas exposiciones y museos, algunos de los cuales ya conoceis.

No hay clase,...¿Qué hago?

2009-06-21T21:30:00.006+02:00

Pues muchas cosas... descansar, dormir, leer un buen libro o incluso uno no tan bueno, dormir -¿no lo había dicho?-, ir a la piscina o a la playa, ver la tele, hablar con los amigos -esto es fundamental, acto principal-, tomar el sol, pasear, beberte una cerveza bien fresquita, hacer deporte, ayudar algo en casa, salir de jarana,... pero también puedes ver cine.
Pocas cosas hay tan entretenidas como ver una peli cuando el sol cae a plomo después de comer, a la fresca de la casa del pueblo o bajo influjo del aire acondicionado -invento glorioso- o bien por la noche, cuando se levanta la brisa fresca, bajo la estrellas, en el portatil o en el dvd de casa que hemos sacado a la terraza...

¿ Qué os recomiendo?. BUFFFFFF... hay tanto para ver y tan poco tiempo para ello... venga unas cuantas pelis donde el arte es protagonista principal. En un blog de arte no voy a recomendar películas de ciencia-ficción, no?. Pues, hombre... Si veis "Blade Runner"( 1982),de Ridley Scott, seguro que además de ver una soberbia interpretación de Harrison Ford y una historia de amor de las de verdad, veríais ejemplos más que llamativos de las obras del futurismo arquitectónico de los años 20 y de las últimas escuelas, desde el High-Tech hasta el postmodernismo.

NO... En realidad, yo venía a recomendaros películas donde el arte, la creación artística juega un papel protagosnista porque películas "artísticas" hay tantas... Ultimamente una buena amiga me ha recomendado "La vida secreta de las palabras" (2005) de Isabel Coixet. Una hermosura...a quien le gusten las historias de amor algo desgarradas.

A lo mio...películas de arte.

Voy a empezar con uno de mis autores favoritos, Jackson Pollock. El actor y director Ed Harris recrea la vida de este pintor, clave del expresionismo abstracto tras la Guerra Mundial. "Pollock: la vida de un creador" (2000) trata de ahondar en la explicación emotiva y psiccológica de su pintura pero lo que logra es recrear su estilo con una magnífica fidelidad. Muy, muy interesante. Un video donde podéis ver algunas imágenes de la película con una curiosa banda sonora de fondo.

No es la mejor de las películas pero para mi es especial. "El Tormento y el extasis"( 1965) recrea el periodo de creación y realización por Miguel Angl Buonarotti de la Capilla Sixtina. Un Miguel Angel encarnado con maestría por Charlton Heston-ya es raro en él, siempre exagerado- y un destacadísimo Rex Harrison, haciendo de Julio II, crean un ambiente ideal de interpretación para contemplar cómo pintaba al fresco el maestro Buonarotti o incluso el propio Rafael, las intrigas con el Bramante o las luchas de poder en el Papado. El director Carol Reed y el guionista Philip Dunne crean una escena que yo utilizo mucho el clase... cuando me preguntan por la corrección de los exámenes. Todos los días Julio II se acercaba a ver las obras y le preguntaba... "¡Buonarotti, ¿ Cuándo acabas?!" . A lo que el pintor le respondía con malas pulgas "¡¡Cuando termine!!". Lo mismo digo yo de la corrección.

Siempre me gusto Kirk Douglas: Espartaco, Senderos de Gloria,...papeles capaces de mezclar la fuerza de la interpretación con la critica política. Cuando vi "El loco del pelo rojo" (1956) comprendí mucho mejor la locura, el desarraigo, la desesperación de Vicent van Gogh. Vicent Minelli crea una obra única, un alegato de cordura dentro de la más absoluta locura. Su relación con Gauguin, su atormentada existencia, la fuerza exprersiva y liberadora de su pintura...todo está ahí, en una simple película.

Colin Firth y Scarlett Johansson recrean la novelesca relación entre Johannes Vermeer y su criada. Por increible que parezca "la joven de la perla" (2003) , de Peter Weber, consigue cautivar al que la ve no sólo por el ambiente sino, sobre todo, por la sugerente historia de amor, donde los sentimientos, la pasión y los toques sexuales se mezclan con oleos, aglutinantes, perspectivas y pinceles. Yo también quisiera hacer azul ultramar machacando lapislazuli con la Johasson entre mis brazos ( lo mismo dicen mis mujeres de Colin Firth, vaya cosa!). Digna de verse y muy superior a la novela de Tracy Chevalier.

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En todo caso no son las únicas, aquí os ofrezco una web con una selección de películas donde los protagonistas son grandes pintores de todos los tiempos. Artelista.com
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DE ESTA...NOS SALIMOS

2009-06-18T02:13:00.006+02:00

Sí, no me creíais pero ya os había dicho yo que estabais bien preparados, con ánimo y moral por las nubes. Este examen de Selectiviad de Historia del Arte tiene que haberos parecido mucho más sencillo que los exámenes que hemos hecho durante el curso.

"England expects that every man will do his duty" dijo Nelson por señales a las tripulaciones de sus barcos en la batalla de Trafalgar. Hoy yo os repito la misma frase:

El IES Alagón y vuestro profesor de Arte espera de cada uno que haya cumplido con su obligación. Si así lo habéis hecho, no tengo dudas de vuestro aprobado.

OPCIÓN A

Tema: Impresionismo y postimpresionismo
Láminas a comentar:

La Trinidad de Masaccio. Quattrocento florentino. siglo XV
Acueducto de Segovia. Arquitectuta inperial hispano-romana. siglo II dc.

OPCIÓN B

Tema: La arquitectura del siglo XVI en Italia
Láminas a comentar:

Pórtico de la Gloria del Maestro Mateo. Esculura románica o protogótica del camino de Santiago. Siglo XII. finales.
Rendición de Breda o Las lanzas. Diego de Silva y Velázquez. Pintura barroca española. Siglo XVII. Mediados.

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Selectividad 2009

2009-06-16T02:04:00.002+02:00

Buena
suerte
mañana

Rompemos con el canón clásico y IV: Expresionismo

2009-06-10T20:16:00.002+02:00

Agotados tanto el cubismo como el fauvismo, surge en Europa otra forma de enfrentarse al arte inspirada en los lienzos van Gogh o en la fuerza expresiva de autores fauve como Vlaminck.

Es el expresionismo. Quizás sea uno de los estilos más prolíficos tanto por la cantidad de autores que lo siguen y la vasta obra que hacen como por su extensión en el tiempo. Podemos extender el expresionismo hasta su versión abstracta tras la II guerra mundial en los años 50 y 60 en Estados Unidos.

Hagamos un repaso de la ingente producción y sus diferentes estilos:

Múltiples autores se acercarona esta tendencia sin generar un grupo organizado a su alrededor; caso de E. Munch, en Noruega; Oskar Kokoschka, en Austria; Solana, en España o James Ensor en Bélgica.

Solana______________Munch
Kokoschka_______________Ensor

Sin embargo en el entorno alemán y de los países bajos sí se crearon corrientes de autores, unidos por un Manifiesto y con unos presupuestos pictóricos comunes. Son

Die Brüke ( El Puente) con Kirchtner, Schmidt-Rotluff, Nolde, Henkel y Pchtein. El movimiento se creo entre 1906 y 1910.

"Con la fe puesta en el desarrollo y en una nueva generación de creadores y consumidores, hacemos un llamamiento a la juventud, y como juventud portadora del futuro, queremos procurarnos la libertad de vivir y actuar frente a las fuerzas tradicionales. Todo aquél que refleje en sus obras espontánea y verídicamente toda su fuerza creadora, es de los nuestros".
Manifiesto de fundación del movimiento artístico Die Brücke, 1905

Cinco mujeres en la calle de Kirchner, 1912_____________Autorretrato de Schmidt-Rotluff, 1906

Para ellos la pintura representa el plano fundamental de la experiencia sensible. El pintor transforma en obra de arte su propia experiencia personal ante la vida. La técnica pictórica queda, pues, supeditada a la expresión de los valores o inquietudes del artista. Se destruye todo canón que pudiera romper la manifestación de la inspiración inmediata.
Muestran, por tanto,

una pincelada gruesa, rápida, que diluye las formas por su trazo y rapidez de ejecución

unos colores inspirados en el fauvismo pero de una gama cromática más oscura

No es una pintura hedonista, hermosa o brillante, más bien estridente, grosera y, a veces, dura.

Der Blaue Ritter ( El caballo azul ) se crea como rechazo a los presupuestos pictóricos y vitales de Die Brüke. Desde 1912 Kandinsky, Marc, Kubin y Münter formaron este estilo. El instito y el temperamento va a ser sustituido por una visión más filosófica y espiritual de la concepción artística. Coincidían con Diie Brüke en criticar a la sociedad y rechazaban las concepciones artísitcas anteriores pero su intención hacia la obra artística es diferente.

El Sueño, de F.Marc_______________________ Composición nº IV, de W. Kandinsky

Tendían a una purificación de los instintos más que a desencadenarlos sobre el lienzo; no buscaban un contacto fisiológico con lo primordial, sino más bien un modo de captar la esencia espiritual de la realidad. Su formula es hacer vibrar la secreta esencia de la realidad en el alma, actuando sobre ella con la pura y misteriosa fuerza del color liberado de la figuración naturalista.
Así:

pintan con formas muy suaves y desvahidas, de pinceladas largas y muy sueltas

usan colores muy luminosos con transiciones suaves entre ellos

tienen una cierta tendencia a la abstracción de las formas que, luego, desarrollará totalmente Kandinsky.

Sus presupuestos teóricos aparecen en la obra de Kandinsky "De lo espiritual en el Arte".

Se evaden en sus temas de la critica social o de las representaciones tradicionales para acudir a temas cotidianos e intrascendentes que muestren toda la fuerza de sus colores y sus sentimientos

La Guerra Mundial cambiará todos estos presupuestos...su dureza, su irracionalidad, el sufrimiento que provocó durante y después de la misma, la crisis social y política que se desencadenó en Europa acabaron con este modelo de expresionismo.

Algunas webs a consultar...

http://ultimorender.com.ar/funkascript/expresionismo/solo_texto.htm
http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/expresionismo.php
Expresionismo, estilo a estilo

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Rompemos con el canón clásico y III: Dadá

2009-06-05T10:17:00.008+02:00

Marcel Duchamp
Man Ray, Kurt Scwitters y Francis Picabia

Cuando estudié arte contemporáneo en la carrera, nuestro profesor nos enseñó varias láminas para ver nuestra reacción ante iconos del arte actual. Dos me llamaron la atención poderosamente: una fue una isla cubierta por un enorme lienzo blanco de Christo y otra, La fuente de Marcel Duchamp.

Siempre me sorprendieron y no gratamente los dadaistas. Ponían en solfa la racionalidad y parecían reirse de los principios más elementales de nuestra sociedad. Me parecían exasperantes y poco serios. "Juegos de ricos" decía yo.

Sin embargo, con el tiempo su trasgresión me ha parecido muy moderna. Incluso las actuales rupturas culturales parecen a la vista de los dadaistas pobres y poco creibles. Cuanto más mayor e imperfecto me veo, más me gusta su ruptura con lo establecido, su búsqueda de lo aleatorio, la belleza del caos.

Dadá se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo entendiendo por humanismo la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria.

Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general.

Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección.

Picabía, "Hera" y Man Ray "El violín de Ingres"

Por tanto en su rigor negativo también está contra el modernismo, es decir, el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. Sin embargo, la realidad es que cuando nace Dadá ya estaban afirmadas todas las tendencias y fue contra ellas pero terminó utilizando en su acción los hallazgos e innovaciones del cubismo, del futurismo y de la abstracción.

Como movimiento artístico surge en Europa y EE.UU. Apareció en Zurich, Suiza entre 1916 y 1922 con Tristan Tzara como su fundador. La energía de Dadá le vino, sobre todo, de los intelectuales no artistas o de aquellos artistas que sabían escribir con intensidad y buen hacer, caso de Arp, Van Doesburg, Picabia o Kurt Schwitters.

La primera guerra mundial también llevó a Nueva York a grupos de artistas y refugiados. Entre ellos hay que destacar a Duchamp, Picabia y Jean Crotti como europeos refugiados, junto con los estadounidenses Man Ray y Morton Scamberg.

Duchamp llegó de París a Nueva York con un regalo de los franceses para los estadounidenses que consistía en una bola de cristal con aire de París. Era el comienzo de los ready-mades (una rueda de bicicleta montada sobre un taburete, un botellero, un orinal, etc.), objetos sacados de la realidad y puestos en la esfera del arte por la simple acción y voluntad del artista. El deleite estético estaba fuera de sus intenciones y la elección de los objetos.

Estos refugiados se integraron con las corrientes vanguardistas que desde comienzos del siglo se estaban gestando en Harlem o en Greenwich Village. El pensamiento dadá caló con fuerza en estos ambientes culturales. Será aquí cuando se desarrolen algunos de los iconos del dadaismo como el Desnudo descendiendo una escalera, de Duchamp, calificada como obra maestra por André Breton.

MARCEL DUCHAMP

Rueda de bicicleta con taburete, Desnudo bajando la escalera, La fuente

El fin de la guerra y el ambiente de libertad generado por la República de Weimar dió lugar a un nuevo grupo dadá en Alemania, a partir de 1919. El movimiento dadá berlinés pasará a la historia por la incorporación de las nuevas técnicas artísticas de difusión de ideas entre las masas, principalmente el fotomontaje. Los dadaístas utilizaron la técnica del fotomontaje y del collage para plasmar la realidad que les circundaba, utilizando material visual sacado de los medios de comunicación.

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Rompemos con el canón clásico II. El Fauvismo

2009-06-02T01:16:00.002+02:00

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Vlaminck, Paisajes con árboles rojos, 1906____________________ Henri Matisse, Armonía en rojo, 1908

Paul Gaugin dijo a comienzos de 1888 a los miembros del grupo de Port-Aven: "¿Cómo veis este árbol?, mirando un rincón del bosque de Amour, " ¿Verde?. Entonces poned verde, el verde más bello de vuestra paleta. ¿Y esta sombra?, ¿más bien azul?. Entonces no tengáis reparo en pintarla con el azul más intenso posible...".

Les estaba descubriendo la esencia de su pensamiento: Cada obra que se hace no es real, es la transposición al lienzo de la sensación recibida. La idea de copiar la naturaleza quedaba apartada definitivamente del ideario del pintor. ¿ Por qué no traducir al lienzo esas mismas impresiones que tienen los poetas sobre las cosas, incluso exagerándolas hasta deformar colores y formas?. Estas ideas calan en dos grupos artísticos claramente diferenciados: los nabis, liderados por Bonnard y Denis, y los fauvistas, grupo organizado alrededor de Matisse.

Matisse, Braque, Vlaminck, Derain, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y Van Dongen formaron el grupo llamado Fauvista tras el Salón de Otoño de 1905. No eran un grupo cohesionado, no tenían un "Manifiesto". Era, más bien, un sentimiento de compartir un ansia de ruptura dentro del arte. El movimiento es efímero y algunos de sus presupuestos son tomados por otras vanguardias, como el expresionismo.

Matisse ante la creciente presencia del cubismo entre los pintores de vanguardia, afirmó:
" Nosotros queremos alcanzar un equilibrio interior mediante la simplificación de las ideas y las formas figurativas".¿ Qué quería decir?

Para ellos los cuadros no debían ser decoración, orden y composición sino tan sólo EXPRESIÓN. La pintura se convierte así en la forma de desencadenar sobre el lienzo el torrente de emociones y sentimientos que tiene el artista. Es la liberación del instinto y el temperamento, que se sobrepone sobre la forma y el realismo.
Matisse pone las bases del movimiento en su cuadro Lujo, calma, voluptuosidad, de 1904.

Lujo, calma y voluptuosidad, 1904_______________________________La alegría de vivir 1905

Vlaminck desprecia el cientifismo de momentos pasados ( perspectiva, proporción, teoría de los colores,...) y acude a las explicación de su pintura a través de palabras como audacia, provocación, libertad, barbarismo,etc. Técnicamente, se caracterizan por una gama de colores muy brillante y saturada, el empleo libre y subjetivo de los colores, decorativismo de la composición más que realismo y una pincelada más cercano al post-impresionismo que a otros movimientos. Es lo que se ha dado en llamar el Naturalismo subjetivo. No rompen con las formas tradicionales de pintar -no son cubistas- pero sí alteran los colores y la composición tradicional para alcanzar una expresión totalmente personal de lo representado.

Una de las obras clave fue el retrato de la mujer de Matisse ( Madamme Matisse o La raya verde ): de vibrantes colores poco naturalistas y con pinceladas potentes, densas de materia y rápidas, casi delirantes, esta obra fue una provocación por cuanto la representación real se reconocía perfectamente. La sustitución de la nariz por una raya verde o la sombra del rostro velada al amarillo marcan el estilo del autor.

Por otro lado, Derain pintó una serie de escenas del río Támesis, que rápidamente fueron puestas en comparación con las de Claude Monet. Mientras que los cuadros de Monet son estudios de luz y atmósfera, el fondo de la obra de Derain es la alegría del color. Se vuelve a la linea como refuerzo, con el color, de las formas pero se simplifican hasta hacerse casi sintéticas o esquemáticas.

http://www.liceus.com/cgi-bin/aco/ar/05/05028.asp
http://aprendersociales.blogspot.com/2007/05/la-pintura-fauvista.html
Sobre Matisse
http://brevehistoriadelarte.blogspot.com/2009/01/henri-matisse.html
Paseo virtual por el estilo http://www.nga.gov/feature/artnation/fauve/beasts_1.shtm
http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/fauvismo.php

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Rompemos con el canón clásico (I). El Cubismo

2009-05-28T14:22:00.003+02:00

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Picasso___________________ Braque________________ Léger______________ Juan Gris

Las vanguardias arrancan con el cubismo. Estamos ante el fin de la perpectiva, de la composición tradicional y del valor primordial del realismo naturalista.
Los cubistas son los demoledores del sistema, otros vendrán tras ellos a enterrarlo definitivamente.

¿ Qué es el cubismo?

Son los primeros que comprenden e interpretan las lecciones sobre la esencia y el valor de los objetos representados que ya desarrolló Cézanne en sus "Jugadores de cartas" o en sus diferentes representaciones de la "Montaña de Santa Victoria" serán Picasso, Braque y Léger.

__ Cézanne mostró el camino a los cubistas

Sin duda, la retrospectiva que se hizo en 1907 de la obra de este autor les impresionó vivamente. Si hay que poner fecha de inicio al Cubismo, casi todo el mundo pone 1906-7 y a las Demoiselles d'Avignon de Picasso. Nada parecido se ha hecho hasta ahora:

Se ha destruido la forma tradicional de representar a los objetos. Fin pues al figurativismo y al color real; la perspectiva se ha quebrado, y ella y las formas se han descompuesto y fragmentado en volúmenes escondidos unos y marcados otros. Lo que Picasso inició con este retrato de grupo lo completa y define a partir de 1909 en sus paisajes de Horta de Ebro. Braque, inmediatamente, sigue a Picasso. Léger hace lo mismo en 1910.

Así pues, la gran novedad del Cubismo no se centra como los Fauvistas en el color sino en el volumen y la estructura de los objetos y su representación en el espacio. Reaccionaron contra el impresionismo y contra el fauvismo... reaccionaban contra la espontaneidad cromática. De hecho, la monocromía preside sus cuadros en general mientras que los objetos se rompen en múltiples planos, analizando todas sus posibles formas espaciales.

En la línea de las nuevas tendencias filosóficas fenomenologistas ( Husserl ) los cubistas fijaban en la tela todas las posibles facetas del objeto en su variada e ininterrumpida sucesión de apariencias y signos. Trataban de superar el conocimiento relativo del objeto que ya habían trabajado los impresionistas para llegar al conocimiento absoluto del mismo. Hay dos momentos en el cubismo:

Cubismo analítico, a finales de 1909. Planos simples y anchos que rompen el objeto, lo desmenuzan, lo analizan en todas sus posibilidades. Monocromía.

Picasso, Chica con mandolina, 1910

Cubismo sintético, a finales de 1910. El elemento fundamental de este estilo es la recomposición libre de la imagen del objeto analizado y descompuesto anteriormente. No sujeto a las reglas de la imitación, el autor modelo y nos muestra su verdadera fisonomía esencial. Si Cézanne viviera hubiera besado y abrazado a Picasso llorando!. Juegan con los collages, con texturas y volúmenes que sobresalen el lienzo y le dan corporeidad.

Braque, Clarinete y botella de ron, 1912

Y Picasso, cuando llega la I Guerra Mundial, ¿ sigue siendo cubista?.
Quizás la etapa cubista, entre 1907 y 1914, sea la más apreciada el el mundo no profesional de la historia del arte; sin embargo, Picasso va mucho más allá... Es técnicamente un ecléctico y, artísticamente, está obsesionado con el Hombre y su destino...Pero esto será motivo para otro post más adelante.

Picasso cubista. Por orden de izquierda a derecha... , Retrato de Ambroise Vollard 1910, Bodegón trenzado de silla 1912 y Fábrica en Horta de Ebro 1909.

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Para completar y repasar....
http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/cubismo.php

GRACIAS...

2009-05-28T02:02:00.004+02:00

Sólo puedo estar agradecido. Sí, sí, muchos reniegan de los alumnos y de la enseñanza y yo sólo puedo cantar maravillas y alabanzas de esta gente que veis en la foto: interés, atención, cariño, espontaneidad, intención, perseverancia, ardor, escepticismo, fuerza, estudio, pundonor, sacrificio, ... yo que sé, podría aburrirme con los calificativos.

Me apena especialmente el caso de Daniel, que ha sido el único suspenso. Creo que ha sido un agujero en su trayectoria y bien aconsejado por esos padres preocupados y esos compañeros entusiastas podría tratar de sacarlo en Setiembre.

También quiero mencionar a Milagros. Pocas matrículas tan merecidas. Ese pundonor y esa sabiduría alcanzada te van a llevar muy lejos. Estoy convencido.

Siento que algunos apenas hayan participado en el blog. No os lo reprocho. A los que lo habéis hecho, sólo deciros que sois ejemplo para otros muchos estudiantes de todo el país. Estad orgullosos de vuestro trabajo aquí y de vuestras opiniones.

De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Violeta, Roberto, Estefania, Alberto, Belén y Cristina; segunda fila, Irene, María, Bea, Fiama, Jennifer, Milagros y Lola y, al frente, Isabel y Nerea.

2 BHA Historia del Arte. Curso 2008-2009.
27/05/2009

Locus por la arquitectura moderna

2009-05-22T06:57:00.014+02:00

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Aquí tienes una representación de los edificios más importantes de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. No están todos los que son pero sí son claves todos los que están.

El problema es que yo soy muy despistado y tengo las imágenes por un lado y el nombre del autor y la obra por otro.

¿Podrías unirlas y sacarme de la duda?

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* Mckintosh. Escuela de Artes de Glasgow. Modernismo
* Bruno Taut. Pabellón del vidrio en la exposición de Colonia. Expresionismo
* Le Corbusier. Unité du HabitationEstilo Internacional
* Gustave Eiffel. Torre Eiffel. Arquitectura del Hierro.
* Casa de la Cascada. Frank Lloyd Wright. Estilo Internacional
* Burham. Flatiron. Escuela de Chicago
* Victor Horta. Casa Tassel. Modernismo
* Antonio Sant'Elia. "Ciudad Nueva". Futurismo
* Peter Behrens. Fábrica de turbinas de la AEG. Racionalismo
* Dutert y Contamin. Pabellón de las Máquinas. Arquitectura del Hierro.
* Mies van der Rohe. Seagram Building. Estilo Internacional
* Bauhaus. Escuela de la Bauhaus en Dessau. Racionalismo
* Antoni Gaudí. Casa Batlló. Modernismo
* Walter Grophius. Fábrica Fagus. Racionalismo.
* Oscar Niemeyer. Edificos gubernamentales de Brasilia. Estilo Internacional
* Joseph Paxton. Crystal Palace. Arquitectura del Hierro
* William LeBaron Jenney. Home Insurance. Escuela de Chicago.
* Frank Lloyd Wright. Guggenheim Museum. Estilo Internacional
* Le Corbuiser. Pabellón Barcelona. Estilo Internacional
* Le Corbusier. Notre-Dame du Haut. Estilo Internacional
* Antoni Gaudi. Casa Milá o Pedrera. Modernismo.
* Louis Sullivan. Almacenes Carson, Pirie and Scott. Escuela de Chicago.
* Joseph Maria Olbrich. Edificio de la Secesión. Modernismo.
* Antoni Gaudi. Sagrada Familia. Modernismo.
* Hector Guimard. Metropolitano de Paris. Modernismo.
* Alfred Loos. Edificio Goldman & Salatch. Modernismo.
* Gerhard Rietveld. Casa Schröeder. Neoplasticismo.
* Le Corbuiser. Villa Saboye. Estilo Internacional.
* Henri Labrouste. Biblioteca de Paris. Arquitectura del Hierro.
* Louis Sullivan. Guarantee Trust Building. Escuela de Chicago.

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SENSACIONES

2009-05-20T08:35:00.013+02:00

" Hay en todos los cuadros una potencia de color que no habías alcanzado todavía, lo cual constituye ya una rara cualidad, pero tu has ido más lejos, y si los hay que buscan el símbolo a fuerza de torturar la forma, yo lo encuentro en muchos de tus cuadros a través de la expresión concentrada de tus pensamientos sobre la naturaleza y los seres vivientes a los cuales están tan estrechamente ligado." (carta de Theo a Vincent 1889)

" La expresión personal que aparece en sus obras las convirtió en testimonio de su vida y sus emociones, en casi autorretratos" ( Amy Depsey. Estilos, escuelas y movimientos )

"Todo elemento de mis cuadros ha sido atentamente considerado y estudiado con anterioridad (...) estimular la imaginación como hace la música... sólo a través de la misteriosa afinidad que existe entre ciertas combinaciones de colores y de líneas y nuestra mente..." (Gauguin)

" Cézanne daba a la sensación la dimensión intelectual mientras Gauguin la coloca en la dimensión de la imaginación " ( Argan, El arte moderno )

" Sin Cézanne me pregunto qué sería de la pintura actual. Durante un largo periodo he trabajado sobre su obra. No conseguiría apartarme de ella, no cesaba de explotarla y descubrirla. Cézanne me ha enseñado el amor por las formas y los volúmenes y me ha hecho centrarme en el dibujo." (Fernand Leger a Pablo Picasso)

" (...) mi consejo a los jóvenes es que pinten lo que ven, olvidando todo lo que existió antes de nosotros (...) cuando me siento a hacer un apunte de la naturaleza, la primera cosa que trato de hacer es olvidarme de que haya visto alguna vez un cuadro " (Cézanne a Bernard, 1905)

Con Cezanne, Gauguin y van Gogh se abre un nuevo mundo en la pintura y en el arte en general: el mundo de las sensaciones del autor se coloca por encima de la realidad tangible.

Progresivamente, y ya con las vanguardias del siglo XX, el canón clásico en la pintura: realismo, proporción, perspectiva, colores reales, volumen en las figuras, composición equilibrada se va a ir perdiendo ante la presión de la reflexión propia del artista hacia su obra y por la creciente importancia de las sensaciones y experiencias personales en la creación artística.

Los tres posimpresionistas ganan su sitio en la historia del arte no tanto por la calidad o la abundancia de su obra -aquí todo es discutible- sino porque, por primera vez, cada uno de ellos rompe a su estilo con la tradicional relación entre el pintor y el hecho artístico.

A partir de ellos, cualquiera que estudie arte ha de tener presente lo que el artista piensa de la realidad, del arte, de los sentimientos, su visión filosófica de la vida, su experiencia sensible, sus relaciones personales,... porque todo conformará su obra.

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That's all folks, guys!!

2009-05-20T01:34:00.005+02:00

Pues hasta aquí hemos llegado con la parte evaluatoria de la asignatura, que de contenidos tenemos clase hasta el día 27 de mayo y después,...pues Dios, este blog, el e-mail y las visitas y tutorías marcarán el pulso de la selectividad...

Aquí va el examen como aviso para navegantes y escarnio de aquellos que lo han hecho pero no bien... Unas fotios a reconocer y situar espacial, temporal y artísticamente...

Y las siguientes láminas a comentar, eligiendo una de ellas ( en el enlace, comentario)

"Moulin du la Galette" de Renoir
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Catedral gótica de Reims. Francia.

Y cómo preguntas teóricas cortas, las siguientes...

1. ¿ Puedes diferenciar entre la escultura griega clásica y la helenística?
2. ¿ Cuáles son las características generales de la arquitectura del barroco?
3. Las partes del alzado de una catedral gótica

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Y ahora, los postimpresionistas...

2009-05-14T00:10:00.006+02:00

Dejamos atrás a los impresionistas. Deshecho el movimiento, alejados Morisot y Cézanne, aceptados en la Academia Renoir y Sisley, aclamado Monet por parte de la critica, sólo Degas y Pisarro intentan seguir con el grupo y sus planteamientos.

Cada uno inicia su propio camino y los más innovadores y fructíferos serán Cézanne que con su descomposición de las formas prefigurará el cubismo y la abstracción; Gaugin, que con sus colores y composiciones abrirá el caminos a los fauvistas y Van Gogh, que con su intimista y desgarrada visión de la pintura dará pie al surgimiento de los expresionismos.

Para repasar los impresionistas te planteo una serie de páginas de ejercicios que puedes hacer y corregir tu mismo. Pica sobre los enlaces para accder al ellas.

Estudia las características del Impresionismo
Estudia los recursos técnicos del Impresionismo

Test sobre Monet y Pisarro
Test sobre Renoir

Pégale un repaso a las obras de los maestros impresionistas
¿ Reconocerías las imágenes?

¿Hace un test general de repaso?

El arte de la línea y la ciencia del color...

2009-05-12T22:22:00.010+02:00

Carmensabes. Perdón.

“Degas siempre se sintió sólo, siempre estuvo solo en todas las formas posibles de soledad. Solo por carácter; solo por la especificidad y particularidad de su naturaleza; solo por su honradez; solo por el orgullo de su rigor, por la inflexibilidad de sus principios y juicios; solo por su arte, que es como decir por lo que exigía de sí (…) Algunas búsquedas, cuya dificultad es desmesurada, aíslan a quien se sumergen en ellas. Este aislamiento puede ser imperceptible (…) Una parte de su mente puede, desde luego, aplicarse en responder a los demás, e incluso brillar entre ellos; pero, lejos de confundirse con ese olvido de sí que genera el excitante comercio de las semejanzas de impresiones y contrastes de ideas, él se retrae a través de este mismo intercambio, que le hace sentir con más claridad su aislamiento (…) Así se forma, por reacción, una segunda soledad, que le es necesaria para hacerse secretamente, estudiadamente, celosamente incomparable.”

Paul Valery Degas Danza Dibujo

De los impresionistas, Monet es la luz en sí, la explosión de la naturaleza desbordada; Renoir, otra explosión pero de la vida y la luz sobre los cuerpos. ¿ Y Degas?.

Degas es el más moderno de todos ellos. Es un extraño impresionista, preocupado por el naturalismo y la humanidad de las situaciones; obsesionado desde que se lo dijo Ingres por la línea, la línea y la línea; el pintor de los pasteles con unos tonos y saturaciones impensables para el oleo de sus colegas; estudiando la situación de la figura humana en el espacio como si fuera un renacentista… Adoraba el Quattrocento florentino.

Moderno también porque su evolución le llevó desde el dibujo de sus obras iniciales al color desatado de su obra adulta. ¡Cuántas conversaciones con Cézanne y cartas cruzadas con Pisarro alrededor de esta obsesión! Los fondos se convierten en una explosión de manchas de colores que completan la escena principal… pero curiosamente, y ya hacia los años 80 y 90, Degas crea, prefigura lo que gracias a Cézanne será la base del arte contemporáneo, de las vanguardias: cuerpos, figuras, objetos son manchas de color formadas por innumerables toques o pinceladas que tiene valor por sí mismas y dentro del conjunto, tiene su “peso cromático” dentro de la perfecta distribución matemática del espacio. Quizás, y por convencimiento personal, nunca se atrevió a sustraer de sus cuadros la forma, la figura humana.

Mientras a otros pintores de la figura humana están obsesionados por el momento culminante, el acto o el movimiento, Degas prefiere el antes y después, lo tangencial, la ausencia de tensión. Son apabullantes sus bailarinas en múltiples cuadros, siempre relajadas, con pequeñas miradas, gestos, acciones imperceptibles que las dotan de una naturalidad increíble. Y sus desnudos, como observados –decía él- por el ojo de una cerradura, ausentes de sensualidad o de candor, puros desnudos, carnes azules y rosadas reforzadas por violentas sombras. No hay nada de las bañistas de Renoir, o de la Olimpia de Manet o del intimismo de Morisot. Decían que era un misántropo ( “la bestia humana que se ocupa de sí misma, una gata que se lame...”, decía en sus escritos), de ahí quizás ese aparente distanciamiento del anatomista, del observador. Son tan reales como la vida misma.

Dejadme que os presente algunas de sus obras junto a artistas de las vanguardias posteriores. Veréis que moderno en su aparente clasicismo...

Degas. Bailarinas ensayando. Impresionismo
Derain. Puerto de Londres. Fauvismo.

Matisse. La Habitación roja. Fauvismo
Degas. La peinadora. Impresionismo
Gaugin. La visión después del sernón. Postimpresionismo

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Los olvidados del temario...

2009-05-10T20:50:00.017+02:00

En respuesta a que no hago post de mujeres

Uno ve las fotos –muchas de ellas de Nadar- de los impresionistas y ve a hombres comunes, nada excepcionales. Quizás Renoir sea el de mirada más viva, el de gesto más atribulado. Qué decepcionante es Degas, tan fino y coqueto ; qué obvio es Monet, barbado, altivo y desafiante. Ninguno tiene la magia de esos ojos y esa sonrisa. Es Berthe Morisot.

¿ Qué pensaría Berthe mientras posaba para su cuñado?. Sin duda, que artísticamente era mejor que él. No lo digo yo, lo dicen sus cuadros. Manet no era ni quería ser impresionista, Morisot, sí. Ella muestra una enorme valentía cuando se aleja a principios de 1870 del estilo de su maestro y amigo.

¿Qué esconde esa mirada?. Nada, no esconde nada. Es una mirada abierta, franca, de satisfacción. Hay sonrisas famosas en la Historia del Arte –todos conocemos muchas- pero..., ¿tan dulces y sensuales, tan firmes y decididas a la vez? ¿Cómo no va a estar satisfecha si sabe que su estilo es de agrado de su maestro y que éste le ha puesto en contacto con Monet y Degas para exponer en Paris?. Lo grande de esa mirada es que ella sabe que estará a la altura del momento.

¿ Y ellos qué pensarían?. ¿Serían tan necios como nosotros que escogemos a muchas mujeres y sus trabajos no por su valor sino porque tiene que estar obligatoriamente presentes en tal o cual foro?. Estoy casi convencido de que si Manet no la hubiera presentado, no la habrían dejado exponer con ellos. Hay un punto de burgués en los impresionistas que me desagrada: esa superioridad material e intelectual, esa displicencia con los temas femeninos y mundanos, esa incapacidad de romper con el pasado como harán mis “grandes”, Cézanne, Gaugin o Van Gogh.

Una mujer, educada en la sensibilidad artística como fue ella, no despreció el ámbito de lo personal como motivo del arte. Seguro que tuvo arduos debates con sus compañeros de movimiento –fue la única que expuso en todos los Salones al efecto- al reivindicar para el arte el mundo de la familia, de la casa, de la sosegada cotidianeidad en el hogar. Carreras, bailarinas, bailes, paseos campestres, ciudades alborotadas, … son temas que se repiten por la obra impresionista. Pero cuando alguno trata de entrar en ese mundo…ninguno capta las sutilezas que capta Morisot.

Uno ve los desnudos de Renoir o de Degas y ve la imagen de una mujer a través de los ojos de un hombre. Es una mirada pobre, inmediata –preguntadle al primer hombre que os crucéis qué mira de una mujer hermosa cuando entra por la puerta de un bar -.

Sin embargo, mirad el cuadro de la mujer en el tocador (1875). Ese cuello, ese hombro. Es la sensualidad que exaltan las mujeres y que los hombres aunque no la miremos, la sentimos y nos encandila. No hay sino obviedad de formas en Renoir y Degas, aquí hay sensualidad.

Pero también hay otras sutilezas como, por ejemplo, en La niñera (1872). Aparte de unas excepcionales veladuras y unos colores mágicos por su luz, ¿cuántos artistas han captado con tanta perfección la candidez del niño o la preocupación maternal de la mujer?. No me hagáis repasar niños en la pintura que son todos un desastre. El instinto maternal no está al alcance ni de los grandes pintores.

Lo peor de Berthe es que la historiografía la ha olvidado. ¿Por qué estudiamos a Sisley o Pisarro y nunca a ella?, ¿por qué se eleva a la categoría de maestro al petardo del norteamericano James Abbott McNeill Whistler –maravillosa parodia sobre él y su mejor obra, hecha por Mr. Bean- y se desprecia a Mary Cassatt y a Morisot?. Alto y claro: por ser mujeres.

¿ No te crees lo que digo?. Te propongo un pequeño juego para demostrarte que sin saber quién lo hace cada cuadro de Berthe Morisot está a la altura de cualquiera de sus contemporáneos amigos impresionistas masculinos. Pero que sabiendo que es Morisot, rápidamente le ponemos pegas y despreciamos frente a los “maestros”.

Vengan las parejas. Cada una es un autor y Morisot. ¿ Cuál es de Berthe?.

¿ Renoir o Morisot?, ¿Morisot o Renoir?

¿Degas o Morisot?, ¿Morisot o Degas?

¿ Monet o Morisot?, ¿Morisot o Monet?

¿ Morisot o Sisley?, ¿ Sisley o Morisot?

¿ Renoir o Morisot?, ¿Morisot o Renoir?

Espero vuestros post, no sólo con la resolución del juego sino también con vuestras opiniones sobre Berthe Morisot.

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La imagen de la semana es...

2009-05-08T17:47:00.006+02:00

Nunca el fuego fue tan creador...

Fuego, símbolo de destrucción. Una ciudad arrasada por las llamas. Una ciudad que había surgido de la nada para convertirse en la luz del medio oeste norteamericano.

A pesar de todo, el suelo urbano era escaso y caro ante la avalancha de negocios e inmigrantes. Solución: construir hacia arriba.

Elisha Graves Otis, Eiffel, Monier, Dutert y Contamine, la viga de alma en doble T, el remache, el hormigón armado, el ascensor ... fueron elementos determinantes en que en esta ciudad pudiera salir un nuevo estilo constructivo...

¿ Podrías decir qué edificio es y dónde está? ¿ Qué tienen de nuevo estos edificios para que los consideremos un estilo?. ¿ Puedes citar algún otro ingeniero-arquitecto más además del autor de esta obra? ¿ Y algún otro edificio significativo de este estilo en la ciudad?

La imagen de la semana fue...

2009-05-08T16:50:00.003+02:00

Fragonard y el Rococó francés.
La rosquilla o la joven y el perrito

Vamos a aprovecharnos del excelente comment de Violeta Zambrano para reproducirlo aquí...

Estamos ante una de las obras más sensuales del siglo XVIII, la obra se titula La rosquilla, un título muy explícito, realizada por uno de los mejores pintores del rococó francés, Jean-Honoré Fragonard, que realizará multitud de escenas galantes y de amor, dirigidas a un público aristocrático de ámbito privado, que le permitirán obtener gran éxito.
No es un desnudo inocente, vemos un perrito, una mujer semidesnuda en la intimidad de su alcoba, que sostiene en la mano derecha una rosquilla, que ofrece al perrito…
No explico más porque según he encontrado en internet el tema de la rosquilla es un poco fuerte.

Se trata del reinado de Luis XV, que instaura una época de fiestas y de moral relajada. Después de tanta devoción e hipocresía, se impone la alegría de vivir, el libertinaje, los amores adúlteros, el lesbianismo o la homosexualidad sin tapujos.
El propio rey mantiene una relación adultera con Madame de Pompadour, aparte de numerosas relaciones con otras mujeres(sobre todo jovencitas). Según he leído para compensar sus carencias afectivas de la infancia, pues quedó huérfano de muy pequeño.
Es una época de auge de la aristocracia y de la burguesía enriquecida rápidamente. Abundan los especuladores y los libertinos. Así el Palais-Royal es el centro de todos los placeres, con el Regente como maestro de ceremonias.
Muchos aristócratas, en su afán de superar el lujoso modo de vida de otros, gastan su fortuna en suntuosos palacetes que decoran con precioso mobiliario. De hecho muchas de las pinturas de esta época van a parar a casas privadas o a folies.

Gracias, Violeta. Superilustrativo de todo lo que se preguntaba.

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¡ Que me ahorquen!

2009-05-08T09:45:00.007+02:00

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¡VAYA EXAMEN FACILÓN QUE HEMOS PUESTO!. ASI APRUEBA CUALQUIERA...

10 imágenes a reconocer título, autor, escuela, estilo artístico y fecha aproximada.

Y de preguntas teóricas...dos temas modelo selectividad

Pintura italiana del Quattrocento
Arquitectura italiana y francesa del Barroco.

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A la fuerza ahorcan...

2009-05-03T12:25:00.008+02:00

Cuando dos mujeres te exigen que hagas una entrada en el blog pues... no queda más remedio que hacerlo. Aunque uno no esté muy convencido, aunque el autor no sea de su cuerda, aunque me resulte curioso o anecdótico pero nada más...(Eso no significa que no me parezca bueno, tampoco me gusta Kandisky, Gaugin o Rembrandt y mira tú...)

Nada. No hay más que hablar. Si Mónica y Begoña dicen recordarme por si se me ha olvidado -ese típico eufemismo de las mujeres- que hay una exposición restrospectiva de Juan Muñoz en el Museo Nacional de Arte Reina Sofia, a este indididuo no le queda más remedio que hablar de ello.

JUAN MUÑOZ

Tras pasar por la Tate Modern de Londres y por el Guggenheim de Bilbao, Juan Muñoz regresa a su ciudad natal, Madrid, en forma de retrospectiva en el Centro de Arte Reina Sofía. Se trata de la exposición más completa celebrada sobre el artista —fallecido de forma prematura en 2001— hasta la fecha. Esculturas, dibujos, instalaciones, obras radiofónicas, escritos, 'ingenios'... se reparten por diferentes espacios del museo, favoreciendo la teatralidad de la muestra, y llenando de magia e imágenes inquietantes los rincones del Reina Sofía.

Frases:

Sus figuras monocromáticas, gris plomo o color cera, ganan en discreción, en universalidad por su falta de particularización, pero esa ausencia de individualidad nos cuestiona y, tal vez, hasta incomoda. (Wikipedia)

Juan Muñoz planteaba que existían dos cosas imposibles de representar: el presente y la muerte, y que la única manera de llegar a ellas era por su ausencia. (Wikipedia)

Sus obras, con referencias múltiples a la historia de la cultura occidental, invitan al espectador a relacionarse con ellas creando una fuerte sensación de aislamiento e introspección individual. (Guggenheim Bilbao)

Aunque su obra es difícil de inscribir en una tendencia concreta, existe en ella un importante componente conceptual, expresando la falta de comunicación y la desubicación y, con ello, la negación de la propia existencia de la sociedad contemporánea, a la que acompaña la importancia concedida a los acabados, las texturas y la localización espacial de las piezas.

Recuperador de la figura humana en la escultura contemporánea, sus piezas transitan entre la tradición más clasicista y los conceptos más actuales, recurriendo con frecuencia a personajes y objetos metafóricos íntimamente relacionados con sus lecturas literarias. ( Masdearte.com)

Cristina Iglesias responde a la pregunta ¿Trabajaron alguna vez conjuntamente? "Jamás", contesta casi horrorizada la escultora."La relación que cada uno tenía con su trabajo era muy personal. Cada uno teníamos nuestro estudio en la casa de Torrelodones (la casa que compartieron como pareja y en la que ella sigue viviendo con sus dos hijos). A Juan le gustaba que opinásemos y que habláramos de lo que cada uno estábamos haciendo, porque él tenía un carácter muy extrovertido. Era muy inquieto. Yo prefería que cada uno estuviera centrado en lo suyo, sin interferencias de ninguna clase". ( El País)

La similitud de las figuras evoca una de las ilusiones ópticas de la percepción occidental, ya que "los chinos son como un truco visual", llegó a decir Muñoz, a la vez que tan abrumadora multitud convierte al espectador en un extraño completamente ajeno a su mundo. ( La Vanguardia)

"Juan defendía a muerte sentirse libre" (Cristina Iglesias)

Referencias y artículos en El País sobre Juan Muñoz y su obra
Juan Muñoz visto por Cristina Iglesias
Imágenes de la obra de Juan Muñoz (I)

Muñoz was fond of making the viewer look upwards, and often installed his sculptures high on the wall of the gallery.

The rotating Hanging Figures (1997) were a conscious echo of a painting by Degas, Mlle La La at the Circus Fernando (1879), which shows a circus acrobat hanging by her teeth. Muñoz knew the painting well from his time as a student in London, when he was a regular visitor to the National Gallery. However, Muñoz's figures, dressed in conventional clothes, are more ambiguous. They can be seen as performers engaged in a vertiginous stunt, a flamboyant display of the artist's fondness for breathtaking theatrical coups. But there is also a strong echo of the hanging bodies depicted by the Spanish artist Francisco de Goya, victims of torture and summary execution in time of war. The power of the Hanging Figures stems from this uncanny combination of showmanship and horror.

Por debajo de Dios, todos me conocen...

2009-04-30T03:13:00.009+02:00

Puede parecer la frase dicha por un egocéntrico y un loco pero viniendo de Goya sólo se puede entender cómo la culminación de una carrera, pronto truncada por la sordera, una sociedad atrasada y tradicional y por la Guerra. Cada autor que vemos en su mundo tiene un lugar en la historia del arte, Goya no.

Durante su vida varios estilos se desarrollaron en Europa: Barroco, Rococó, Neoclasicismo y Romanticismo. Ninguno se adapta a las características pictóricas de Goya; antes bien, Goya supera el marco de estos estilos y entronca con movimientos posteriores como puede ser el expresionismo alemán y el surrealismo de principios del siglo XX.

Sus primeras pinturas y cartones para tapices se acercan al Rococó, sus cuadros retrato de la nobleza y la monarquía pueden adscribirse al ambiente neoclásico; sus cuadros de la guerra de independencia estarían en la linea romántica pero sus grabados y aguafuertes o sus cuadros de la Quinta del Sordo se saldrían de estilo totalmente.

PERIODO
CARACTERÍSTICAS
OBRAS

Pintor de cartones de la Real fábrica de tapices 1775
Temática costumbrista y popular
Tonalidades de color muy claras, muy luminosos, con mucha saturación
Predominio del dibujo sobre las formas de color
Pincelada fina y contínua
Fondos manchas de color frente a la nitidez de los primeros planos
Humanidad de los personajes

La vendimia o El Otoño 1786

El Parasol 1777

Pintor de Corte con Carlos III y de Cámara con Carlos IV 1785-1789-1800

Retratos de altas dignidades del país y de la Monarquía
Pincelada más corta y nerviosa. Por momentos, se vuelve pastosa.
Tonos neutros de base: grises, pardos, ocres y negros y zonas con colores fuertes y llamativos. Mucha profundidad expresiva en los personajes.

La familia del Duque de Osuna 1788

La familia de Carlos IV. 1800

La sordera y los grabados de los Caprichos 1800-1808

Desaparece el color debido a la técnica pero es una necesidad por los temas que trata.
Satira, ironia, lucha contra la superstición, anticlericalismo, temáticas todas duras y críticas. Introduce la fealdad y la provocación en los temas y las composiciones

El sueño de la razón produce monstruos 1799

La Guerra de la Independencia 1808-1819

Pincelada más corta y nerviosa. Por momento, se vuelve pastosa.
Composiciones clásicas
Protagonismo popular en todos sus cuadros
Pincelada suelta. Fondos borrosos y abocetados
Las actitudes de los personajes ante el horror se crean a través de fuertes gestos, movimientos y expresiones desencajadas.
No olvidar los grabados de la Tauromaquia, los desastres de la guerra y los Disparates.

Los fusilamientos de La Moncloa 1814

La Quinta del Sordo 1819-1823

Visión desesperanzada del género humano. Colores negros, grises y pardos. Manchas de color. Abocetamiento total Violencia en las expresiones

Saturno devorando a sus hijos 1820

Últimos trabajos 1823-1828

Recupera los tonos y la forma de pintar previa al periodo de la guerra y la quinta del Sordo aunque con una pincelada mucho mas suelta y abocetada.

La lechera de Burdeos 1827

Páginas web y libros recomendados
http://www.witcombe.sbc.edu/ARTHLinks.html Múltiples enlaces y páginas con las obras de Goya
http://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_de_Goya Goya y su vida y obra en Wikipedia http://goya.unizar.es/InfoGoya/MainMenu.html La obra de Goya, su técnica, influencias, estilos. Una página promovida por el Gobierno de Aragón

http://www.artehistoria.com/frames.htm?http://www.artehistoria.com/genios/pintores/2085.htm Breve reseña en ArteHistoria. Sin imágenes.
http://cvc.cervantes.es/actcult/goya/ Las mujeres en la obra de Goya. Curiosa.

http://www.almendron.com/arte/pintura/goya/obras_goya/obras_goya.htm Magnífica página con todas las obras comentadas
http://pintura.aut.org/SearchAutor?Autnum=11.080 Ciudad de la pintura. Toda su obra en imágenes Zuffi, S. (2004) Gran Atlas de la Pintura. Ed. Electa

Magdalena

2009-04-27T22:23:00.005+02:00

De crio sentía fascinación por el personaje de Magdalena. En las múltiples clases de religión que tenía en el colegio Maristas de Salamanca disfrutaba con la historia y las leyendas del nuevo Testamento: la resurrección de Lázaro, los peregrinos de Emaus, el angel anunciando la resurrección, la duda de Santo Tomás... Pero, sin duda, como crio inberbe y preadolescente estaba intrigado con esa prostituta conversa. ¿¿Tal era la fuerza de Cristo que podía convertir a una meretriz en una mujer casta y modelo para los cristianos??. Mi fe se renovaba con ello.

Años más tarde, tras decenas de misas, sermones, ejercicios espirituales y confesiones vacuas, Magdalena seguía siendo un personaje muy intenso para mi. Ahora me preguntaba, ¿Cómo es posible que Cristo no sucumbiera a semejante hermosura y rotundidad?. Los evangelios apócrifos venían a calmar mi espíritu adolescente. Amante, claro. Es el hijo de Dios, hecho Hombre, ¿ no es cierto?.

Cuando estudié arte en la Facultad, George de la Tour fue un descubrimiento. Amaba el tenebrismo y a Caravaggio desde que lo estudié en C.O.U. La Tour mostraba otro tenebrismo, más sutil, más sosegado, sin las fuertes composiciones del italiano.

Y allí apareció ella. Pura poesía. Un instante de reflexión, un momento de intensa soledad, un cambio de camino, de vida: la luz de Cristo ilumina a la nueva Magdalena. La calavera, la vanitas del Mundo; la luz, el camino de la salvación. Miradle la cara...¡Qué angustia!, ¡qué decisión!.
Y yo pensaba, qué hermosura, qué candidez, ¿por qué la fuerzan a decidir?. Con el tiempo se convirtió en una imagen de amor, de decisión sublime, de renuncia y, por supuesto, en uno de mis cuaddros favoritos del arte clásico.

Hoy ha llegado al Prado. Estará dos meses en España. Allí estaré con ella, al menos, un rato y trataré de aconsejarla, de ayudarla en ese decisión infinita. Dejadme que como hace Danaerain os ofrezca una poesía. Angel González, un genio...

Mientras tú existas,
mientras mi mirada
te busque más allá de las colinas,
mientras nada
me llene el corazón,
si no es tu imagen, y haya
una remota posibilidad de que estés viva
en algún sitio, iluminada
por una luz cualquiera...
Mientras
yo presienta que eres y te llamas
así, con ese nombre tuyo
tan pequeño,
seguiré como ahora, amada mía,
transido de distancia,
bajo ese amor que crece y no se muere,
bajo ese amor que sigue y nunca acaba.
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La imagen de la semana es ...

2009-04-26T11:44:00.003+02:00

Con el cambio de siglo parece que el arte evoluciona dentro de las formas barrocas hacia otros caminos, hacia otras formas de expresión pictórica.

Vemos esta obra y nos sorprende una imagen femenina, casi adolescente, delicada, muy sensual...pero no es una diosa ni una ninfa. Es una mujer. La provocativa escena hubiera sido imposible en el siglo XVII. Tiene casi una licenciosa audacia: la frescura de la primera sensualidad,la línea a veces entrecortada y confusa del paso a la sexualidad adulta.
Fíjate cómo ha cambiado laluz y el color para reforzar estos sentimientos...

Chardin, La Tour, Fragonard, Watteau, Goya, Tiépolo, Boucher, Hogarth son caras de un mismo estilo cuyo principal representante es el autor de esta obra.

¿Quién es este autor que se permite mezclar la inocencia, el candor con las más ocultas pasiones?.¿Qué sociedad puede permitir y aceptar esta visión de la vida?.

Te sorprenderás cuando bucees a la búsqueda de la respuesta.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

2009-04-26T10:39:00.005+02:00

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LA IMAGEN DE LA SEMANA FUE... REMBRANDT

Los Huygens, Constantijn y Christiaan, conocidos en Holanda por sus estudios de ciencia y obras literarias, fueron los primeros grandes mecenas de Rembrandt. Su fama le llevó a residir ya en Amsterdam, convirtiéndose ya en un conocido y reputado pintor. Esta bonanza se ve en la altivez de su rostro y apariencia. Incluso para la segunda foto ya tenía alumnos, signo de maestría.

Entre 1632 y 1640 Rembrandt alcanza honores y reconocimiento pero se hace adulto. Cambia su aspecto físico, viste como un adulto enriquecido, se deja bigote y engorda ostensiblemente. No es una decadencia física sino todo lo contrario. Es la muestra, la impresión del triunfo. Ha pintado la aclamada lección de anatomía del doctor Tulp o el descendimiento de Cristo para el statholder Federico-Enrique de Orange-Nassau. Se ha casado con Saskia van Uylenburch, la hija de su maestro. Es un matrimonio declaramente por amor.
Pero la vida le golpea con fuerza en esos años. Sus hijos mueren recien nacidos y en 1640 muere también su madre. Un punto de tristeza se deja ver en el segundo retrato aunqe él mismo se quiere representar optimista ante la vida.

Muere Saskia. Un ya opulento Rembrandt parece no dejar entrever una gran aflicción...quizás en sus ojos y el rictus de su boca. Ese amor trasmutado en matrimonio: Saskia no le hace heredero sino usufructuario de su fortuna. Un revés para un Rembrandt que ya ha empezado su gran pasión, el coleccionismo de arte. Es curioso, en plena crisis personal surge su obra más grande: La Ronda de Noche.

La estrella de Rembrandt se apaga. Sus obras siguen siendo referencia en el arte holandés pero su dispendiosa vida, el coleccionismo y sus relaciones personales le llevan a la ruina. El rostro del pintor denota varios golpes a su enorme autoestima: denunciado por concubinato ante un tribunal eclesiástico, arruinado por fracasados negocios comerciales en las Indias, ahogado por las deudas de sus masivas compras de arte, ha de declararse en 1656 insolvente y son subastados y vendidos todos sus bienes. Este autorretrato refleja la tortuosa situación y, sobre todo, la pérdida de esa fuerza juvenil y adulta. Es un hombre no acabado pero sí amedrentado.

Rembrandt por acuerdo judicial y para no acabar en la carcel se convierte en empleado de su hijo y de su criada que se comprometen a alimentarlo y alojarlo de por vida. La sombra de la prisión desaparece pero su fama también. Su pintura se hace cada vez más oscura, de trazos violentos y nerviosos. Por un momento parece que vemos dos pintores: uno, oficial, de pago "Los síndicos de los pañeros" y otro, personal, impresionista, "San Mateo y el Angel", "La joven bañandose en un arroyo". La hidropesía agotaba su poca paciencia y su pobre espíritu vivía atormentado.

Morirá el 4 de octubre de 1669.