lunes, 30 de mayo de 2011

Vanguardias I: Cézanne marco la pauta...

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Cierto. Entre 1900 y 1903 se consolida un mito, una referencia para futuras vanguardias. En 1900 tres de sus cuadros aparecen en la Exposición Universal de París; en 1901 es invitado al Salón de los Independientes; en 1902 se hace una exposición llamada "Homenaje a Cézanne" donde participan todos los grandes del momento y en 1903, el Salón de Otoño expone 33 obras que marcarán un hito en la historia del Arte. Su obra final y sus propias reflexiones sobre ella permitirán a vanguardias tan dispares como el cubismo o la abstracción crear sus principales supuestos pictóricos. Pero, sin duda, la más deudora de sus ideas es el Cubismo.



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Picasso___________________ Braque________________ Léger______________ Juan Gris



¿ Qué es el cubismo?

Pues son los primeros que comprenden e interpretan las lecciones sobre la esencia y el valor de los objetos representados que ya desarrolló Cézanne en sus "Jugadores de cartas" o en sus diferentes representaciones de la "Montaña de Santa Victoria". Picasso, Braque y Léger serán sus principales creadores.

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Cézanne mostró el camino a los cubistas

Sin duda, la retrospectiva que se hizo en 1907 de la obra de este autor les impresionó vivamente.
Si hay que poner fecha de inicio al Cubismo, casi todo el mundo pone 1906-7 y a las Demoiselles d'Avignon de Picasso. Nada parecido se ha hecho hasta ahora:



Se ha destruido la forma tradicional de representar a los objetos. Fin, pues, al figurativismo y al color real; la perspectiva se ha quebrado, y ella y las formas se han descompuesto y fragmentado en volúmenes escondidos unos y marcados otros. Lo que Picasso inició con este retrato de grupo lo completa y define a partir de 1909 en sus paisajes de Horta de Ebro.
Braque, inmediatamente, sigue a Picasso. Léger hace lo mismo en 1910.

Así pues, la gran novedad del Cubismo no se centra como los Fauvistas en el color sino en el volumen y la estructura de los objetos y su representación en el espacio. Reaccionaron contra el impresionismo y contra el fauvismo... reaccionaban contra la espontaneidad cromática. De hecho, la monocromía preside sus cuadros en general mientras que los objetos se rompen en múltiples planos, analizando todas sus posibles formas espaciales.

En la línea de las nuevas tendencias filosóficas fenomenologistas ( Husserl ) los cubistas fijaban en la tela todas las posibles facetas del objeto en su variada e ininterrumpida sucesión de apariencias y signos. Trataban de superar el conocimiento relativo del objeto que ya habían trabajado los impresionistas para llegar al conocimiento absoluto del mismo. Hay dos momentos en el cubismo:

Cubismo analítico, a finales de 1909. Planos simples y anchos que rompen el objeto, lo desmenuzan, lo analizan en todas sus posibilidades. Monocromía.


Picasso, Chica con mandolina, 1910________________ Braque, Violín y palmatoria, 1910

Cubismo sintético, a finales de 1910. El elemento fundamental de este estilo es la recomposición libre de la imagen del objeto analizado y descompuesto anteriormente. No sujeto a las reglas de la imitación, el autor modelo y nos muestra su verdadera fisonomía esencial. Si Cézanne viviera hubiera besado y abrazado a Picasso llorando!. Juegan con los collages, con texturas y volúmenes que sobresalen el lienzo y le dan corporeidad.


Braque, Bodegón y copa, 1912_______________ Juan Gris, Paisaje con casas en Ceret, 1913


Retrato de Picasso por Juan Gris, 1914

Y Picasso, cuando llega la I Guerra Mundial, ¿ sigue siendo cubista?.
Quizás la etapa cubista, entre 1907 y 1914, sea la más apreciada el el mundo no profesional de la historia del arte; sin embargo, Picasso va mucho más allá... Es técnicamente un ecléctico y, artísticamente, está obsesionado con el Hombre y su destino...Pero esto será motivo para otro post más adelante.

Picasso cubista.
Por orden de izquierda a derecha...,
Retrato de Ambroise Vollard 1910, Bodegón trenzado de silla 1912
y Fábrica en Horta de Ebro 1909.

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Para completar y repasar....

http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/cubismo.php

http://www.monografias.com/trabajos14/picasso/picasso.shtml


http://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo



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http://www.palmexo.com/piston/cubismo.html

domingo, 22 de mayo de 2011

Al mal tiempo...buena cara

A punto de acabar, unas risas con esta hilarante y magnífica recreación artística...


miércoles, 11 de mayo de 2011

La imagen de la semana es...

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Empire State Building
Shreve, Lamb & Harmon, 1931
New York


Y mientras nuestros chicos creaban y desarrollaban el racionalismo arquitectónico, el futurismo, el neoplasticismo, el constructivismo, la Bauhaus y, finalmente, el Estilo Internacional...

¿Qué estaban haciendo los norteamericanos?
Pues ellos, a lo suyo: Rascacielos

Sólo la llegada de la guerra y el exilio de los grandes arquitectos e ingenieros europeos -el gran ejemplo es Mies van der Rohe- les hará acercarse a los postulados del Estilo Internacional.



Metropolitain Life Insurance Tower
Napoleon Le Brun 1909
New York


Woolworth Building
Case Gilbert 1913
New York


Chicago Tribune Tower
Raymond Hood 1925
Chicago


Equitable Building
Graham 1915
New York


Chrysler Building
William van Allen 1930
New York



McGraw-Hill Building
Raymond Hood 1931
New York
"Lo más cercano al Estilo Internacional que se hizo en Estados Unidos antes de la II Guerra Mundial"



Philadelphia Savings fund Society
George Howe 1932
Philadelphia

Más de lo mismo:
Escuela de Chicago revestida de historicismo.


Por cierto,
¿qué edificio es la Imagen de la semana?
Refiere alguna característica de su construcción y alguna anécdota de la misma.

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"El último objetivo de toda actividad creativa es la construcción"

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Los profesores de la Bauhaus en la terraza superior del edificio de Dessau. De izquierda a derecha: Josef Albers, Hinnerk Scheper, Georg Muche, László Moholy-Nagy, Herbert Bayer, Joost Schmidt, Walter Gropius, Marcel Breuer, Vassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feininger, Gunta Stölzl and Oskar Schlemmer.


Todavía hoy en día habalar de la Bauhaus es sinónimo de modernización en el arte. Su mayor herencia -a pesar de que estemos en un tema de arquitectura- no ha sido en sus formas de construcción o edificios sino en la manera que mostraron de entender el Arte, más allá de su definición clásica.

Unieron Arte y artesanía, Arte y diseño industrial ("agradablemente estético, satisfactoriamente técnico, decían en la Escuela). Nada se les resistía: desde edificios a muebles, desde electrodomésticos a elementos decorativos. Es la concepción del Arte como un hecho unitario, buscando incluso la superación del hombre respecto a ideologías y formas anteriores de vida y pensamiento.

El Manifiesto y Programa de la Bauhaus desarrollado en 1919 formulaba ya las prioridades de la escuela y las de su director, Grophius. Su primer objetivo fue establecer la arquitectura como el elemento dominante en el diseño; el segundo trataba de romper la división tradicional entre arte y artesanía, elevando a esta a la categoría de la primera y, por fin, la conversión del diseño industrial en base del programa creativo de la escuela.
Por eso la escuela optó por desarrollar un currículo que cubriera todas las necesidades de una nueva generación de diseñadores industriales y arquitectos.


Los talleres de la Bauhaus se convirtieron en improvisados laboratorios de diseño, donde se fabricaron prototipos de objetos cotidianos, elevados a la categoría de objetos artísticos pero útiles. Cuero, acero tubular, cristal, ...Algunos de los objetos diseño Bauhaus, hoy ya son populares


De ahí que esta Escuela de Artes de Weimar, luego en Dessau y, finalmente por la presión nazi en EE.UU, reunieran entre sus docentes y asesores un plantel de ingenieros, artistas y pensadores sin igual en esa época: Grophius, Meyer y Mies van der Rohe como directores, El Lissitzky y Theo van Doesburg, creadores del neoplasticismo abstracto de "De Stijl" o Moholy-Nagy como teóricos del Curso principal de la Escuela; pintores como Paul Klee o Wasily Kandinsky, que enseñaron teoría del color o diseñadores como Marcel Breuer y Albers, contratados como profesores de taller.

En 1925 se abrió la nueva escuela en Dessau. Su edificio principal es un auténtico manifiesto de la arquitectura moderna:

Menos es más, es decir, simplicidad de formas y colores buscando armonías básicas
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Organización de los volúmenes y los espacios constructivos primando la función sobre la forma
  • Talleres y edificios de oficinas muestran paredes de muro cortina para que les llegue la mayor luz posible
  • Mientras la fachada de la residencia se constituía en un conjunto de espacios y balcones que rompían la simplicidad de la fachada.
Estructura del edificio forma parte de su belleza, por lo tanto observable desde el exterior.

Arquitectura arquitrabada basada en la composición tridimensional de la recta sobre un plano.

Los edificios como objetivo final; dentro de ello todo un enorme proceso de construcción creativa: Muebles de acero tubular, diseño de lamparas, mobiliario de cocina, luces y todo tipo de artefactos domésticos.

Es, en definitiva, la esencia del racionalismo. La forma sigue a la función.




En 1928 Grophius cede su puesto a Meyer como director. La pura concepción artística fue sustituida por la militancia política de los artistas y la standarización de la producción artística. Las protestas de la derecha alemana llevan a sustituir a Meyer por un menos comprometido Mies van der Rohe en 1930. En todo caso, la persecución nazi desde 1932 llevo a esta experiencia revolucionaria a su final definitivo en Europa.

De los principios arquitectónicos de la Bauhaus y de su diáspora, junto a las aportaciones de otros movimientos modernos surgirá tras el CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura mo
derna) de 1928 el "Estilo Internacional", base de la arquitectura hasta los años sesenta o setenta.

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martes, 3 de mayo de 2011

Sullivan & Adler, grandes olvidados

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Frank Lloyd Wright, Peter Berens, Antoni Gaudí, Adolf Loos, Walter Grophius, Mies Van der Rohe, Le Corbusier, Thomas Rietveld, Vladimir Tatlin, Giuseppe Terragni, ... Es tal el despliegue de nombres que muestra la arquitectura europea de las dos primeras décadas del siglo XX que abruma a cualquiera. No sólo por las propuestas arquitectónicas sino por el grado de reflexión y de innovación que ofrecen en sus realizaciones. Nadie puede negar que entre estos nombres están los pilares, las bases de la arquitectura que vivimos y disfrutamos actualmente.

Igualmente, EE.UU despide el siglo con la escuela de Chicago pero la siguiente generación, ya trabajando en Nueva York, es de quitar el hipo: William van Allen, Philip Johnson, Harrison& Abramovitz, Eero Saarinen, Shreve, Lamb & Harmon o Raymond Hood muestran cómo los rascacielos de Chicago pueden ser ampliamente superados en altura, innovaciones técnicas o diseño.

Estas rutilantes estrellas del firmamento arquitectónico dejan en la sombra otros nombres que, por ser pioneros, PARECEN SER MENOS IMPORTANTES.

Louis Sullivan y Danmark Adler formaron la más innovadora y prestigiosa pareja de arquitectos norteamericana hasta su separación en 1895. Debió de ser una extraña pareja, no exenta de terribles discusiones y enfrentamientos. En realidad, Sullivan era el teórico de la arquitectura, el que planteaba y diseñaba las edificaciones, a veces sin tener muy en cuenta que sus acciones tenían repercusiones ingenieriles o estructurales de dificil solución. Adler era el contable, el hombre pragmático, el de los dineros, en lucha con los clientes y los números pero también un excelente ingeniero de estructuras que ya había destacado en la arquitectura del hierro. Adler siempre reconoció la mayor maestría en el diseño de Sullivan mientras que esté confiaba ciegamente en los cálculos de Adler.

Ambos diseñaron más de 180 edificios.
Aunque eran diseñadores de edificios comerciales, residenciales y de oficinas, el éxito les llegó con la construcción del Auditorium de Chicago, en 1886. Su excepcional acústica, el diseño del interior y sus ornamentos les llevó a la fama.

Cuando les plantearon enfrentarse a un rascacielos sus temores no vinieron por el lado de los cálculos estructurales, ni por las soluciones técnicas sino no por las dudas ante el diseño de una estructura tan colosal. Que fácil hubiera sido caer en la ornamentación historicista como hicieron Burnham & Roots o el propio Le Baron Jenney.



Sullivan fue lo suficientemente inteligente como para darse cuenta de que manejaba un icono cultural y económico de una ciudad y de una nación: los rascacielos. Estos edificios necesitaban una nueva estética que les alejara el historicismo imperante. Frank Lloyd Wright, su principal asistente, tuvo claro que el maestro estaba creando un estilo que, más adelante, se copiaría con la marca europea de Racionalismo.

El teorizó que todo rascacielos debe de tener tres grandes módulos de acción arquitectónica: uno, la visión a pie de calle, la visión pública donde el edificio debe de proveer a sus usuarios de espacios de reunión, de compras y las entradas al cuerpo principal del edificio; un segundo módulo que sería el de sus habitantes donde debe de ofrecer formas que permitan desarollar la vida o el trabajo de oficina lo mejor posible y, por fin, un tercer módulo arquitectónico, referido al equipamiento del edificio que debería de estar en el ático y oculto con formas que mejoraran el remate final de la obra. La fachada se convierte, pues, en el elemento donde aparecen las principales innovaciones puesto que lo estructural ya ha sido resuelto por los ingenieros. De ahi su ya famosa frase de "forms ever follow function". Hay que crear fachadas que se adapten tanto a la estructura como a las necesidades de los usuarios pero diseñando algo nuevo.

De todas sus obras, yo destacaría dos:
el Guarantee Building de Buffalo, NY, construido en 1894 y los Almacenes Carson, Pirie and Scott
(en un principio Schlesinger-Meyer) de Chicago, terminados en 1904.








Aunque el Guarantee ofrece algunas soluciones estéticas magníficas -como se puede ver en las fotos superiores-, son los almacenes Carson, Pirie and Scott la culminación de una idea y un proyecto de vida.

Debemos destacar la inexistencia de muro siendo éste sustituido por ventanas, de forma apaisada, largas y divididas en tres vanos de cristal que particamente convierten a las fachadas en "muros cortina" como los que luego popularizará la Bauhaus alemana.





Las ventanas también crean un ritmo horizontal, impropio de los rascacielos, que contrasta con la torre central donde las ventanas son verticales y más estrechas. Este juego lo veremos en muchos edificios del "estilo internacional", desarrollado desde los años 30.



La inmacualda blancura del edificio es debida a la utilización en la fachada de piedra blanca de Georgia, dejando la terracota original -más cara- para los bordes de las ventanas y un pequeño remate en la cornisa. Este efecto culmina la desaparición de la ornamentación de los edificios, rompiendo definitivamente con el historicismo.







Al no ser un edificio especialmente alto, los pilares de hormigón que sostienen la estructura son especialmente delgados salvo los pilares maestros del entramado. Ello permite una diafanidad interior, muy adecuada para unos grandes almacenes pero que no era aun típica de esa época. Hasta la llegada de los rascacielos de nucleo central no habrá edificios de gran altura tan luminosos y abiertos como este.





En fin, recordemos a Sullivan cuando nuestros ojos solo tengan mirada para las maravillas del futurismo, del constructivismo, de la Bauhaus o del "estilo Internacional".

Algunos enlaces de interés sobre este tema...
Los almacenes Carson, vistos por EnseñArte
Carson, Pirie & Scott in English

Louis H. Sullivan construye en la Gran Manzana
Breve biografía de Sullivan en castellano
Magnífica biografía de Sullivan pero en inglés
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How do you say in English...?

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