El arte de la línea y la ciencia del color...

Carmensabes. Perdón.

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“Degas siempre se sintió sólo, siempre estuvo solo en todas las formas posibles de soledad. Solo por carácter; solo por la especificidad y particularidad de su naturaleza; solo por su honradez; solo por el orgullo de su rigor, por la inflexibilidad de sus principios y juicios; solo por su arte, que es como decir por lo que exigía de sí (…) Algunas búsquedas, cuya dificultad es desmesurada, aíslan a quien se sumergen en ellas. Este aislamiento puede ser imperceptible (…) Una parte de su mente puede, desde luego, aplicarse en responder a los demás, e incluso brillar entre ellos; pero, lejos de confundirse con ese olvido de sí que genera el excitante comercio de las semejanzas de impresiones y contrastes de ideas, él se retrae a través de este mismo intercambio, que le hace sentir con más claridad su aislamiento (…) Así se forma, por reacción, una segunda soledad, que le es necesaria para hacerse secretamente, estudiadamente, celosamente incomparable.” Paul Valery Degas Danza Dibujo

De los impresionistas, Monet es la luz en sí, la explosión de la naturaleza desbordada; Renoir, otra explosión pero de la vida y la luz sobre los cuerpos. ¿ Y Degas?.

Degas es el más moderno de todos ellos. Es un extraño impresionista, preocupado por el naturalismo y la humanidad de las situaciones; obsesionado desde que se lo dijo Ingres por la línea, la línea y la línea; el pintor de los pasteles con unos tonos y saturaciones impensables para el oleo de sus colegas; estudiando la situación de la figura humana en el espacio como si fuera un renacentista… Adoraba el Quattrocento florentino.

Moderno también porque su evolución le llevó desde el dibujo de sus obras iniciales al color desatado de su obra adulta. ¡Cuántas conversaciones con Cézanne y cartas cruzadas con Pisarro alrededor de esta obsesión! Los fondos se convierten en una explosión de manchas de colores que completan la escena principal… pero curiosamente, y ya hacia los años 80 y 90, Degas crea, prefigura lo que gracias a Cézanne será la base del arte contemporáneo, de las vanguardias: cuerpos, figuras, objetos son manchas de color formadas por innumerables toques o pinceladas que tiene valor por sí mismas y dentro del conjunto, tiene su “peso cromático” dentro de la perfecta distribución matemática del espacio. Quizás, y por convencimiento personal, nunca se atrevió a sustraer de sus cuadros la forma, la figura humana.

Mientras a otros pintores de la figura humana están obsesionados por el momento culminante, el acto o el movimiento, Degas prefiere el antes y después, lo tangencial, la ausencia de tensión. Son apabullantes sus bailarinas en múltiples cuadros, siempre relajadas, con pequeñas miradas, gestos, acciones imperceptibles que las dotan de una naturalidad increíble. Y sus desnudos, como observados –decía él- por el ojo de una cerradura, ausentes de sensualidad o de candor, puros desnudos, carnes azules y rosadas reforzadas por violentas sombras. No hay nada de las bañistas de Renoir, o de la Olimpia de Manet o del intimismo de Morisot. Decían que era un misántropo ( “la bestia humana que se ocupa de sí misma, una gata que se lame...”, decía en sus escritos), de ahí quizás ese aparente distanciamiento del anatomista, del observador. Son tan reales como la vida misma.

Dejadme que os presente algunas de sus obras junto a artistas de las vanguardias posteriores. Veréis que moderno en su aparente clasicismo...

Degas. Bailarinas ensayando. Impresionismo
Derain. Puerto de Londres. Fauvismo.


Matisse. La Habitación roja. Fauvismo
Degas. La peinadora. Impresionismo
Gaugin. La visión después del sernón. Postimpresionismo

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