Los olvidados del Temario: El siglo de oro de la pintura española

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Os parecerá mentira a los que nos veáis desde lejos.
Están locos estos extremeños...
No, no os frotéis los ojos perplejos ante este desatino.

No hay un tema de la pintura española del Siglo de Oro.

Amo a Caravaggio pero se podría analizar a través de Ribera; adoro a Vermeer pero le puede emular Murillo; Rubens es como de casa, tan español como Tiziano o el Greco. Velázquez es Dios, por supuesto, pero el resto de pintores barrocos españoles podrían servir para analizar todos los nuevos campos que va a explorar la pintura de este siglo: la luz, el color creando formas y volúmenes, las composiciones complejas, la expresividad, la perspectiva aérea,...
Una pena. A veces unas gotas de patriotismo no nos vendrían mal...

El tema que nos ocupa estos días en clase es "La pintura del siglo XVII en Flandes, Holanda y España: Rubens, Rembrandt y Velázquez." En la media hora larga que tienen para exponerlo en Selectividad apenas se puede decir nada que se salga de esos tres autores.

Por eso, como siempre me resisto a no trabajar algo la obra de autores tan espectaculares como Cotán, Ribalta, Ribera, Zurbarán, Alonso Cano, Herrera el Mozo, Murillo, Valdés Leal, Juan Carreño o Claudio Coello. Todfos ellos, y otros muchos menores, hacen del siglo XVII el Siglo de Oro de la pintura española, quizás tan sólo igualado por los maestros de las vanguardias del XX.

De entre todos ellos destacamos a tres: Ribera y Zurbarán de la primera mitad del siglo y Murillo de la segunda.

No voy a hacer una sesuda disertación sobre ellos. Un blog no pide esas cosas. Tan sólo unos breves apuntes que os sirvan para entenderlos mejor y complementar lo explicado en clase...

Ribera muestra dos épocas claramente diferenciadas:

una primera, basada el el uso de la luz al estilo de Caravaggio, con un fuerte y acusado tenebrismo. Hay en su obra una presencia clara de la línea como creadora de formas pero su pincelada es corta y algo difusa. Sus tipos humanos rondan el expresionismo o el feismo, muy en la línea de los modelos del maestro italiano.

San Andrés de Ribera 1630

Y una segunda, napolitana, con composiciones más complejas, con una mayor luminosidad y contrastes de colores, con fondos elaborados donde predominan cielos claros y luminosos pero manteniendo su realismo naturalista y su pincelada corta aunque en algunos casos algo más viva y difuminada.

El patizambo, 1642


El martirio de San Felipe, 1639

Zurbarán, sin emabrgo, presenta una unidad de estilo a lo largo de toda su carrera artística. Asentado en Sevilla trabaja para grandes centros monásticos que le encargan o retablos o series de óleos sobre temas religiosos y de la vida monacal.

Sacristía del Monasterio de Guadalupe, 1637-1640

Destacaremos como propio de este autor el rechazo a las composiciones dinámicas tan en boga en el Barroco tras la obra de los Carraci o de Rubens; el gusto por figuras muy realistas pero de factura algo tosca, ante la ausencia de veladuras o gradaciones tonales en los cuerpos y ropas. De escultóricas las califican algunos.

San Hugo en el refrectorio de los Cartujos, 1655

Igualmente, Zurbarán es un pintor de la línea, del dibujo, alejado de las influencias del norte de Europa donde el color gana en presencia a la hora de crear formas; sus colores son muy planos, con poco juego de luces y sombras y gradaciones internas y además con una paleta muy escasa en variedad.

Monasterio de Guadalupe. Padre Illescas, 1638

Por fin, decir que sus figuras reflejan el sentir de la pintura española: son personajes con cierta intensidad expresiva pero contenida, serena, alejada de los dramatismos de otros países y autores.

San Jerónimo en el Monasterio de Guadalupe, 1637

En detrimento, citar que muestra cierta torpeza en su obra al trabajar la perspectiva.

Entierro de San Buenaventura, 1629

Bartolomé Esteban Murillo es quizás uno de los pintores más atípicos del panorama pictórico español del siglo XVII junto a Velázquez.

Su obra se caracteriza por el gran número de obras de corte costumbrista, fruto de su trabajo en una Sevilla cosmopolita y comercial.

Pero aun más destacado es que sus figuras muestran una enorme ternura, afectividad, hermosura natural y sensibilidad que hacen de su obra algo diferente hasta lo ahora visto.

Dos momentos en su obra como dijimos para Ribera: una primera época, de influencia tenebrista, muy dibujística y de pincelada lisa, suave y paleta de colores pardos y ocres.

Sagrada Familia del pajarito, 1649

Otra, la más destacada, su edad adulta. De una pintura más suelta, vivaz, de mayor colorido y luminosidad y un progresivo abandono de la línea para componer las formas. Sus temas muestran una sensibilidad grande por el ser humano pero también son alegorías de la caridad, la castidad y la pureza.

Inmaculada concepción, 1660

Niños comiendo y vendiendo fruta. 1650

Para acabar una pequeña muestra de esos maravillosos"segundones" de este siglo...


Cotán
Bodegón, 1602


Ribalta
Cristo abrazando a San Bernardo, 1620



Alonso Cano
Cristo muerto sostenido por un angel 1646



Herrera el Mozo
Triunfo de San Hermenegildo, 1654



Valdés Leal
In ictu oculi, 1672



Juan Carreño de Miranda
San Sebastián 1656



Claudio Coello
Carlos II y la Sagrada Forma 1685

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Todos fuimos caravaggistas...

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Bien podría ser una frase aplicable a casi todos los pintores de la primera mitad del siglo XVII.

Aunque cada uno evolucionó hacia sus formas personales, todos pasaron su etapa tenebrista, al menos en la pintura que tuvo contacto con el mundo italiano. Incluso aquellos que llegaron al tenebrismo por sus propias vías artísticas y no conocieron la obra del maestro italiano, engrandecen la importancia de este pintor para el arte.

Por eso, Caravaggio-Michelangelo Merisi- es un genio que trasciende a su época para crear un mundo pictórico totalmente diferente a lo que se había estado haciendo hasta ese momento en el Renacimiento y en el Manierismo.

Tomperez en su blog del IES Victoria Kent, de Elche (Alicante) nos ofrece una selección de páginas web sobre el autor para hacernos una visión lo más completa posible de su obra. Las referimos a continuación...

En los siguientes enlaces puedes conocer a fondo la biografía y obra de este extraordinario pintor italiano, que revolucionó el arte de la pintura.

• http://es.wikipedia.org/wiki/Caravaggio (wikipedia, muy asequible y bien escrito)


• http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/1493.htm (la síntesis)


• http://www.spanisharts.com/history/barroco/barroco_caravaggio.html (el análisis del experto)


• http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/caravaggio/index.html (breve, pero apropiado)


• http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/gal1493-1.htm (galería de imágenes de sus obras más significativas)


• http://www.wga.hu/frames-e.html?/html/c/caravagg/index.html (la galería más completa y de mejor calidad gráfica, para auténticos amantes de la pintura)


• http://www.caravaggio.rai.it/index_it.htm (todo caravaggio, para los que se atreven con el italiano. Con un juego para aprender de forma divertida).

Elige el enlace que mejor se adapte a tus gustos y necesidades.

La explosión del arte

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La vida y la muerte,
la salvación o la condenación humana...

¡qué mejores temas para una explosión de formas, de gestos, de colores, de figuras y grupos humanos en unas arrebatadoras composiciones que, falsamente desordenadas, llenan lienzos gigantes y paredes enormes!

Es el manierismo... Superadas ya todas las trabas pictóricas para conquistar la realidad, ahora de lo que se trata es de definir un nuevo espacio, una nueva luz, un na nueva aplicación del color, una nueva temática. El manierismo es la primera piedra del Barroco triunfante en el siglo XVII.

La pintura superior ya la conoces...pero, ¿y la inferior?
Sólo te pido nombre del autor, fecha y lugar donde reposa. Fácil? No lo creas...

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La maniera Moderna...

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Leonardo, Miguel Ángel Buonarotti y Rafael Sanzio
Tres genios en los albores del siglo XVI que crearon la pintura moderna

¿ Podrías después de verlos en clase establecer sus principales diferencias?
Para ello, te ofrezco su particular visión de la Sagrada Familia.








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La imagen de la semana es ...

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"Solo Dios sabe lo que es sufrir la ruina de una vida llena de belleza y armonía"

Entre 1475 y 1480 llegó a la cumbre de su carrera. Además de los ya conocidos lienzos mitológicos encargados por los Medici, también trabajó en los frescos de la Capilla Sixtina para Sixto IV; en las pinturas murales de la Villa de Volterra con Peruggino, Ghirlandaio y Filippino Lippi; se convirtió en ilustrador de la Divina Comedia de Gante y miembro de la Junta arquitectónica de Florencia. Famoso, perfecto, con treinta y cinco esplendorosos años, la esencia del artista renacentista.

Diez años después, todo parecía haberse derrumbado...

La vuelta de Savonarola y sus predicaciones contra el Humanismo, las amenazas del monje sobre el Juicio Final y su terror milenarista, las luchas entre las familias florentinas iniciadas tras la muerte de Juliano, la sífilis diezmando la ciudad, la muerte de Lorenzo el Grande, la invasión francesa del Rey Carlos, la expulsión de los Medici de la ciudad, la huida de artistas y literatos a Milán y Roma... pero, sobre todo, tener que ser uno de ellos, uno más arrojando libros en la "hoguera de las vanidades", destruyendo su propia obra, abjurando de lo que años atrás era su fe; la libertad en el arte.

Nunca se repuso. Como tampoco su obra. Esa luz, ese color,...

¿ Quién es él?¿ Qué obra es "la imagen de la semana" y cuáles son esas obras que cita el texto como "los ya conocidos lienzos mitológicos encargados por los Medici"?¿ Conoces alguna gran obra bajo el influjo del monje Savonarola?.

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Se abre un nuevo mundo para el arte...

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Si algún día os da por volver al arte -espero y deseo que no como profesión, no saldreis de pobres...- me gustaría que leyéseis una libro precioso, maravilloso, único quizás... Es la "Historia del Arte" de Ernest H. Gombrich.

Allí el maestro explica la supuesta desilusión inicial de los florentinos ante la obra de Masaccio. En vez de la graciosa delicadeza de Fra Angelico, en vez del detallismo que provenía de los maestros flamencos, Masaccio crea pesadas y macizas figuras en un entorno de perspectiva revolucionario. Brunelleschi, el arquitecto y escultor, lo adoraba. La siguiente generación Piero della Fancesca, Mantegna, Botticelli, Peruggino o Ghirlandaio... quedaron prendados de sus formas y novedades, las copiaron y mejoraron en muchos casos.
Una generación revolucionaria que cambió la Historia del Arte. Pero aun quedaba mucho por avanzar...

¿ Qué dejaron a los Leonardo, Miguel Angel, Rafael, Tiziano o Tintoretto del siglo siguiente?. Futuras entradas nos lo dirán pero ahora veamos porqué fueron revolucionarios...

La conquista de la realidad es el objetivo prioritario.
Alejarse de toda referencia al pasado medieval tanto en la forma de la obra como en la intención de la misma. Desaparecen las referencias bizantinas, el esquematismo, las composiciones rígidas, la ausencia de espacio y fondo, etc... En un siglo, el gótico ha sido barrido del arte.

Arriba. Tributo de la Moneda de Masaccio, siglo XV. Abajo, Maestá del Duccio, siglo XIV.

Superación del pasado gótico logrando la representación realista de objetos y personas. Búsqueda de la tridimensionalidad, del bulto redondo y de su ubicación en un espacio real. Realismo idealizado aunque no se desdeña el naturalismo.



Idealización: Venus de Boticelli/ Marte y Venus (debajo)
Tendencia al naturalismo: Virgen con niño de Filippo Lippi
Naturalismo: Retrato de joven de Filippino Lippi
Segunda mitad del siglo XV.

Para lograr esto trabajan dos aspectos:

La utilización de la luz para modelar los objetos. La luz es ya la gradación tonal y lumínica de los colores. La luz que utilizan es diafana, ambiental, sin proyectar grandes sombras lo que da modelados suaves.

Piero della Francesca, Historias de la VeraCruz
Masaccio. Tributo de la Moneda

Siempre hay excepciones... El sueño de Constantino de Piero

Y la adecuación al marco espacial de las figuras. Por fin aparece un tratamiento riguroso de los fondos, aunque aun sean muy simples en su organización y configuración.

Ghirlandaio, Santa Cena
Boticelli, La calumnia
Peruggino, La entrega de las llaves

La luz crea el volumen pero este adquiere tridimensionalidad espacial gracias a la representación geométrica del espacio. Desarrollo de un modelo de perspectiva matemática y de acciones que fomentan la tridimensionalidad. Tres tipos de perspectiva trabajan aunque destaca historicamente el primero por su novedad

* Perspectiva lineal o geométrica basada en las ideas de Brunelleschi y Alberti

Imágenes conseguidas gracias a la amabilidad de Juan Diego Caballero y Enseñ-arte

* la perspectiva basada en las gradaciones de colores y de formas

Paolo Ucello, Batalla de San Romano

* la perspectiva basada en la superposición de planos y tamaños

La expresión de sentimientos pasa por una inicial introspección psicológica: las figuras demuestran sentimientos contenidos, propios de los valores que se le suponían al hombre renacentista: valor, templanza, honor, sabiduría, moderación,... Aparecen las relaciones entre las figuras dentro del cuadro.

Múltiples ejemplos de introspección salvo Expulsión del Paraiso de Masaccio: Boticelli y la Primavera; Virgen del huevo de Della Francesca; Pietá de Peruggino y Virgen con niño de Bellini

Armonía en las composiciones se convierte en esencial por cuanto crea la obra perfecta. Ello pasaba por tres derroteros: perspectiva matemática y composiciones ordenadas, regulares basadas en formas geométricas puras (triángulo, cuadrado,...);

colores suaves buscando armonías cromáticas simples basadas en los complementarios;

y, por fin, predominio del dibujo sobre el color. Apariencia plana de las formas. El color apenas crea formas.

Postscriptum

Nada, nada de esto hubiera sido posible sin la innegable visión de unos hombres de negocios que ya sea por ostentación de su riqueza, por deleite de la belleza artística, literaria o filosófica, por una ética cristiana hacia sus inmensas riquezas o por la simple reinversión de sus beneficios mercantiles nos proporcionaron el Quattrocento en ciudades como Florencia, Lucca, Mantua, Padua, Venecia, Milán, Arezzo, Urbino, Ferrara, ...
Gracias a Cosme o Lorenzo de Medicis, a los Brancacci, los Strozzi, los Pazzi, los Montefeltro o los Sforza. Gracias.

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Dos titanes de la pintura, frente a frente.

¿Massacio y Van Eyck?

No, las diferencias son muy acusadas. Es cierto que el maestro flamenco quedó asombrado de las pinturas del joven italiano. Pero no, esa comparación beneficia al flamenco por la luminosidad, el detallismo y el realismo que consigue con el oleo frente al fresco del toscano.

Rebusquemos entre autores posteriores, entre aquellos en los que el oleo flamenco y la perspectiva florentina ya han calado. Dos autores reconocidos en vida, agasajados por burgueses y principes y elevados a puestos de responsabilidad en sus territorios. El rey borgoñón Carlos el Temerario, el Papa Nicolás V o el Duque de Montefeltro en Urbino fueron algunos de sus mecenas.

Hugo van der Goes y Piero della Francesca.

Miramos dos obras cumbre de su pintura: una, el tríptico Portinari; otra, la Sacra conversación. Ambos de aproximadamente 1474.

Si nos acercamos más a ambas tablas...

Me gustaría que bien en vuestro blog bien en un comentario en el de la asignatura, tratárais de hacer una comparación, de buscar las diferencias pictóricas en la factura de ambos cuadros. No tanto en el tema como en los personajes, la técnica pictórica, la luz, el uso de los colores, la expresión, la perspectiva, etc.

Audaces fortuna iubat
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