lunes, 22 de febrero de 2010

La imagen de la semana...

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¿Conoces esta obra?
Estoy casi seguro de que sí.
Como siempre danos su nombre y una mínima ficha de ella.


Pero, hoy en "La imagen de la semana" te pido que bucees en la obra de este genial pintor -para ello te propongo dos enlaces web http://www.wga.hu/frames-e.html?/html/g/greco_el/index.html y http://contenidos.educarex.es/mci/2004/44/@rt.com/Arte_Renacentista/Galerias.htm - y escojas una obra, representativa o no y trates de hacer un comentario formal de la misma tratando de seguir el esquema que hemos propuesto en clase.

Mucho ánimo, necesitamos mucha práctica.
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Manos...

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Las manos de la Gioconda nos permiten plantear una reflexión y un juego

Siempre hemos dicho que la maestría de un artista se mide por muchos raseros pero uno de los principales es por cómo hace las manos. No es menos cierto que cada estilo, cada innovación se plasma antes que nada el ellas porque quizás sean parte del alma del cuadro o incluso motivo principal.

Desde el Trecento hasta el Manierismo, los diferentes artistas han buscado representar fielmente la realidad; cada uno ha buscado recursos pictóricos diferentes superando a los anteriores (óleo, veladuras, sfumato, dibujo, pinceladas diferentes,...) y las manos han reflejado esa evolución.

En esta presentación tienes manos desde 1320 hasta 1580, más de doscientos años de Arte. Todas son magníficas pero también es cierto que al seguir el orden cronológico podrás ver cómo evoluciona el arte de la pintura.

El juego que te propongo es que me digas el nombre del autor de cada una de las láminas de manos que aparecen en la presentación. Sólo el autor, no el nombre de la obra que las hay complejas de reconocer. Llevan orden cronológico y es más fácil de lo que parece.Pasando el cursor por encima de la imagen se para para contemplarla mejor...Inténtalo...


domingo, 21 de febrero de 2010

Valiente Rafael

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Cuando yo estudie Historia del Arte, tanto en el Bachillerato como en la carrera, Rafael era citado como un autor clave en el Cinquecento italiano pero, sin embargo, tan sólo se veían y ensalzaban sus magníficas Madonnas con niño, esas vírgenes de gesto amable, trazo fino y seguro, colores luminosos y amplia relación con el niño Jesús.
Para entonces yo no entendía cómo un autor tan repetitivo y academicista podía ser considerado uno de los grandes.

Hoy, años después y con muchas horas de vuelo de profesor de Historia del Arte, he visto que Rafael debió vivir sus pocos años de vida con una enorme desazón, en una duda que debió atormentarle terriblemente: si sus primeras obras reflejan un estilo cercano a Leonardo, la llegada a Roma ya nos muestra un Rafael afirmado en el dibujo firme y los colores vivos.
Pero al ver la obra de Miguel Angel -parece que Bramante le introdujo en la Sixtina-, sus desnudos, la rotundidad de sus formas, los scorzos, sus colores, Rafael debió de sentirse menor y acató sin verguenza las formas del maestro, convirtiendo sus frescos y pinturas en una continuación de la obra de Miguel Angel. Sólo el tiempo le llevó a reconducir sus obra hacia el color abandonando el dibujo y las formas potentes de su maestro. Quizás el influjo de los venecianos, de Tiziano a quien conoció.

La sensación que me queda de Rafael es de nadar entre aguas complejas y nunca llegó a considerarse a sí mismo como creador de una forma nueva de pintar. Por eso, muchas veces explicamos a Rafael como el autor que auna en su obra las novedades y las propuestas de los demás pintores de su tiempo.
¡Qué pobre bagage y explicación para un pintor tan genial y versátil!.

Fijaos cómo las Madonnas muestran una evolución formal: de la influencia leonardesca a la de Buonarotti pasando por su propio estilo. Rompe con el sfumatto y la languidez de Leonardo pero cuando parece haber logrado su modo -la Madonna del Prato es el mejor ejemplo- se recrea en unas figuras voluminosas y coloristas al estilo de Miguel Angel.


Madonnas de 1502 y 1504, influencia de Leonardo en la luz, colores, paisajes y tipos humanos


Madonnas del Prato y Colonna 1506 y 1508. Rafael en estado puro, alejado ya de Leonardo



Fijaos en las Madonnas de 1510 a 1515, bajo influencia miguelangelesca: los tipos humanos, los scorzos -en la central la Virgen imita al Tondo Doni- o las curvas y pliegues de los ropajes.


Madonna Segliola 1516

Solo las que realiza hacia 1520 muestran ya una depurada técnica propia aunque siempre, siempre son Virgenes amables, madres antes que santas y el niño Jesús, niño antes que Dios...

Pero si hay dos obras que nos demuestran la capacidad pictórica de Rafael y su lucha interna como pintor son: Los frescos de las Estancias Vaticanas y el triunto de Galatea para la Villa Farnesina del banquero Chigi.





En la segunda se aprecia su capacidad pictórica para representar una escena clásica, mitológica al estilo de Boticelli o de Tiziano. La gracia de Galatea, su fineza de rasgos, su belleza - qué sensualidad, Dios mio...- y proporción nos entronca con esa pintura de finales del Quattrocento aunque su scorzo la sitúa completamente en el Cinquecento mientras que la Nereida o los centauros marinos muestran claramente torsos rotundos, fuertes y potentes al estilo de Buonarotti. La composición es magnífica y la luz ambiental refuerza los colores.

¡ Qué flaco favor le ha hecho la Iglesia a Rafael promocionando sus virgenes y ocultando tras la sombra de la Capilla Sixtina las pinturas de las Estancias Vaticanas!
Es, para mi con diferencia, y salvando algunos otros conjuntos y sus retratos, la obra cumbre de Rafael. Signatura, Heliodoro, Borgo y Constantino nos muestran la transición de su estilo hacia formas manieristas, más complejas y elaboradas. Es la lucha del pintor por superarse a sí mismo: ¿alguien podría superar la Escuela de Atenas?. Sí, él mismo: Rafael.


Observad la pureza académica, el uso de la perspectiva, los colores luminosos y brillantes, la luz ambiental que todo lo ilumina por igual, la composición equlibrada de la Escuela de Atenas, en la Estanza della Signatura.

Sin embargo, comtemplad al Rafael de la Estanza de Heliodoro. Los colores se han matizado, las figuras tienen un ritmo más apremiante, a veces incluso, desaforado. Las arquitecturas se han complicado y las luces y las sombras juegan un papel mucho más activo en modelar las figuras. La composición ya no está tan clara.


En la Estanza del incendio del Borgo se refuerza lo anterior y se ponen las bases del futuro manierismo del que Tintoretto será un maestro y el Greco su más claro ejemplo. Tipos humanos con cánones desproporcionados y cuerpos miguelangelescos; composiciones complejas con nuemerosas escenas internas; un mayor expresionismo en las figuras con actos y gestos desproporcionados; mayores contrastes de color y un uso del claroscuro para enmarcar escenas.


Muerto con 37 años si hubiera tenido la longevidad de Miguel Angel no sabemos hasta dónde podría haber llegado la capacidad pictórica de este genio.
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martes, 9 de febrero de 2010

La semana pasada fue...

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ESTABA MUY CLARO EL TEMA. ALGO MÁS COSTÓ EL NOMBRE DEL AUTOR.

ERA "LA EXPULSIÓN DEL PARAISO"
EN LA CAPILLA BRANCACCI,
OBRA CLAVE DE MASACCIO


PERO...

¿OS ATREVERIAIS AHORA A HACER EL COMENTARIO ARTÍSTICO DE ESTA MAGNÍFICA OBRA EN VUESTRO BLOG O EN UN COMMENT DEL BLOG DE CLASE ?

BUEN MOMENTO PARA REENGANCHARSE ALGUNOS/AS HOLGAZANES Y MEJORAR ESA NOTA DEL ÚLTIMO EXAMEN...

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lunes, 8 de febrero de 2010

La conquista de la realidad...

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Si algún día os da por volver al arte -espero y deseo que no como profesión, no saldreis de pobres...- me gustaría que leyéseis una libro precioso, maravilloso, único quizás... Es la "Historia del Arte" de Ernest H. Gombrich.
Allí el maestro explica la supuesta desilusión inicial de los florentinos ante la obra de Masaccio. En vez de la graciosa delicadeza de Fra Angelico, en vez del detallismo que provenía de los maestros flamencos, Masaccio crea pesadas y macizas figuras en un entorno de perspectiva revolucionario. Brunelleschi, el arquitecto y escultor, lo adoraba. La siguiente generación
Piero della
Fancesca, Mantegna, Botticelli, Peruggino o Ghirlandaio... quedaron prendados de sus formas y novedades, las copiaron y mejoraron en muchos casos.
Una generación revolucionaria que cambió la Historia del Arte. Pero aun quedaba mucho por avanzar...

¿ Qué dejaron a los Leonardo, Miguel Angel, Rafael, Tiziano o Tintoretto del siglo siguiente?.
Futuras entradas nos lo dirán pero ahora veamos porqué fueron revolucionarios...

La conquista de la realidad es el
objetivo prioritario.
Alejarse de toda referencia al pasado medieval tanto en la forma de la obra como en la intención de la misma. Desaparecen las referencias bizantinas, el esquematismo, las composiciones rígidas, la ausencia de espacio y fondo, etc... En un siglo, el gótico ha sido barrido del arte.




Arriba. Tributo de la Moneda de Masaccio, siglo XV. Abajo, Maestá del Duccio, siglo XIV.

Superación del pasado gótico logrando la representación realista de objetos y personas. Búsqueda de la tridimensionalidad, del bulto redondo y de su ubicación en un espacio real. Realismo idealizado aunque no se desdeña el naturalismo.



Idealización: Venus de Boticelli/ Marte y Venus (debajo)
Tendencia al naturalismo: Virgen con niño de Filippo Lippi
Naturalismo: Retrato de joven de Filippino Lippi
Segunda mitad del siglo XV.


Para lograr esto trabajan dos aspectos:

La utilización de la luz para modelar los objetos. La luz es ya la gradación tonal y
lumínica de los colores. La luz que utilizan es diafana, ambiental, sin proyectar grandes sombras lo que da modelados suaves.





Piero della Francesca, Historias de la VeraCruz
Masaccio. Tributo de la Moneda



Siempre hay excepciones... El sueño de Constantino de Piero

Y la adecuación al marco espacial de las figuras. Por fin aparece un tratamiento riguroso de los fondos, aunque aun sean muy simples en su organización y configuración.








Ghirlandaio, Santa Cena
Boticelli, La calumnia
Peruggino, La entrega de las llaves


La luz crea el volumen pero este adquiere tridimensionalidad espacial gracias a la representación geométrica del espacio. Desarrollo de un modelo de perspectiva matemática y de acciones que fomentan la tridimensionalidad.
Tres tipos de perspectiva trabajan aunque destaca historicamente el primero por su novedad

* Perspectiva lineal o geométrica basada en las ideas de Brunelleschi y Alberti




Imágenes conseguidas gracias a la amabilidad de Juan Diego Caballero y Enseñ-arte

* la perspectiva basada en las gradaciones de colores y de formas


Paolo Ucello, Batalla de San Romano

* la perspectiva basada en la superposición de planos y tamaños



La expresión de sentimientos pasa por
una inicial introspección psicológica: las figuras demuestran sentimientos contenidos, propios de los valores que se le suponían al hombre renacentista: valor, templanza, honor, sabiduría, moderación,... Aparecen las relaciones entre las figuras dentro del cuadro.







Múltiples ejemplos de introspección salvo Expulsión del Paraiso de Masaccio: Boticelli y la Primavera; Virgen del huevo de Della Francesca; Pietá de Peruggino y Virgen con niño de Bellini

Armonía en las composiciones se convierte en esencial por cuanto crea la obra perfecta. Ello pasaba por tres derroteros: perspectiva matemática y composiciones ordenadas, regulares basadas en formas geométricas puras (triángulo, cuadrado,...);



colores suaves buscando armonías cromáticas simples basadas en los complementarios
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y, por fin, predominio del dibujo sobre el color. Apariencia plana de las formas. El color apenas crea formas.



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viernes, 5 de febrero de 2010

Una vieja historia...

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De vez en cuando nos da en este blog por novelar la historia del Arte. Retomo una vieja entrada que me ha venido al recuerdo cuando he consultado algunos datos sobre los pintores más destacados del siglo XV fuera de Italia y he visto que muchos " Abelardos" de estos fueron allí en busca de su propia "Eloisa" pictórica...


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Cuando Jan van Eyck pinta en 1435 La Virgen del Canciller Rolin, ya hacía diez años que Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai, llamado Masaccio había pintado los frescos de la capilla Brancacci.

Dicen los estudios sobre la época que cuando Felipe III, duque de Borgoña convirtió a Eyck en su pintor de Corte le tomó tanto aprecio y amistad que le encargó misiones diplomáticas secretas en varios países.

Quisiera creer que en unos de esos viajes contactó en Florencia con Felice Brancacci, rico mercader de sedas, alto cargo del Communale florentino y antiguo embajador en Egipto. Preocupada la Cristiandad con el invasor Turco que amenazaba Constantinopla, Brancacci era el hombre ideal para conocer sus intenciones y, a través de Van Eyck, tener informados a los Borgoñones y a los Capetos franceses.


En realidad, Van Eyck apenas tenía pensado demorarse dos días en Florencia para realizar el parlamento, camino de Roma para ver al Papa pero era dificil sustraerse a conocer de primera mano las maravillas esculpidas en las Puertas del Baptisterio por Ghiberti y las pinturas del Giotto en la Santa Croce. Hablando con Brancaci, éste debió de querer impresionar al flamenco que le había regalado una pequeña madonna con niño, hoy perdida. Le habló de su nuevo maestro, del joven Tommaso y el ya adulto van Eyck, aceptó ver su obra no con cierta curiosidad tras oir las elevadas alabanzas del mercader.

Cuando Van Eyck contempló aun a medio terminar el cuerpo superior de la capilla, "la expulsión del paraiso" y "el tributo de la moneda"-relata en sus escritos el anciano Brunelleschi que les acompañó en la visita, interesado en conocer a ese maestro del norte tan alabado por Federico de Moltefeltro- sonrió, besó al joven Masaccio y pidió que los dejaran sólos.

Cuando salieron del Carmine habían pasado cinco largas horas en las que Masaccio y van Eyck, solos, juntos en la capilla, habían hablado y discutido acaloradamente. Cuando volvió a ver a Brancacci éste le preguntó su opinión sobre el jóven maestro italiano. A lo que van Eyck respondió: " dejad señor que venga a Flandes y tendréis a vuestro lado al más grande de todo los pintores que haya existido".

Van Eyck volvió presuroso a Flandes para una nueva misión en Portugal. En el viaje conoció la muerte de Masaccio. Durante todo un largo día el maestro flamenco no habló con sus compañeros de viaje y estuvo taciturno y cabizbajo.

Cuando años después Joos Vyd y su esposa le proponen a él y su hermano Hubert pintar el Poliptico del Cordero Místico para la capilla de los comitentes en la iglesia de San Bavón de Gante nadie sospecha que Eyck quiere plasmar varias ideas de las que había estado disputando en la capilla Brancacci con Masaccio. Se dice que las desavenencias con su hermano, los retoques que hizo tras su muerte en el cuadro responden a una diferente manera de entender la pintura, que van Eyck tenía otra visión tras haber vuelto de Italia.

Viendo su obra es, sin duda, el mejor de los Primitivos Flamencos pero también quizás el más italiano de ellos.

Viendo la Virgen del Canciller Rolin y el Tributo de la Moneda, ¿podrías establecer los parecidos y diferencias entre ambas formas de entender el Arte?

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How do you say in English...?

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