El triunfo del expresionismo

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Nuestro autor es uno de los pintores más reconocidos de su tiempo. No entre sus mecenas, muy denostado por su estilo y sus formas pictóricas (un cardenal llegó a decir de su Madonna dei palafrenieri  «En esta pintura todo es vulgaridad, sacrilegio y disgusto. Una cosa puedo decir, es un trabajo hecho por un pintor que no pinta bien, con un espíritu oscuro y que ha estado alejado de Dios durante mucho tiempo, y también de cualquier otra cosa buena»), pero sí por todos los pintores que le siguieron. No hay ninguno que no probara su técnica, sorprendidos por sus efectos aunque luego todos y cada uno siguieran su propia evolución estética.

Su técnica para utilizar focos de luz dirigida, crear ambientes de sombra y oscuridad y resaltar partes de los cuerpos o zonas de los cuadros con una total lumniosidad es conocida como Tenebrismo. Quizás sea esto y su exacerbado realismo naturalista lo que más gusta de este autor.

Hoy, yo me quiero centrar en otro aspecto. La expresividad de sus imágenes supera a todo lo visto antes. La serenidad renacentista es desbordada ampliamente. Parece que Tintoretto o El Greco hubieran madurado en el estilo de este hombre. La expresividad casi rayando el expresionismo se mezcla con un gusto por el feismo llegado de lo mundano de sus modelos. Como dice el maestro Gombrich " él sólo tiene el propósito de copiar fielmente la naturaleza, nos parezca bella o fea (...) e hizo todo lo posible para que los personajes de los textos antiguos parecieran reales y tangibles. La luz y la sombra colaboró a este fin".

Yo lo he tenido siempre claro. El tenebrismo es un arma para lograr el más absoluto y radical naturalismo. Nadie antes se lo había propuesto. Él sí y el arte religioso cambió con él para siempre.

Vamos con la parte procedimental:

¿Podrías decir quién es el autor (nombre y apodo) que estamos considerando? ¿Qué otros pintores tanto o más famosos que él siguen sus pasos tenebristas en sus primeras obras? Pon cuatro o cinco ejemplos de autores y obras.

¿Podrías decirme qué obras del autor están reflejadas en esos fragmentos? Nombre, localización si lo sabes y fecha aproximada.

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Todos fuimos caravaggistas...

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Bien podría ser una frase aplicable a casi todos los pintores de la primera mitad del siglo XVII.

Aunque cada uno evolucionó hacia sus formas personales, todos pasaron su etapa tenebrista, al menos en la pintura que tuvo contacto con el mundo italiano. Incluso aquellos que llegaron al tenebrismo por sus propias vías artísticas y no conocieron la obra del maestro italiano, engrandecen la importancia de este pintor para el arte.

Por eso, Caravaggio-Michelangelo Merisi- es un genio que trasciende a su época para crear un mundo pictórico totalmente diferente a lo que se había estado haciendo hasta ese momento en el Renacimiento y en el Manierismo.

Tomperez en su blog del IES Victoria Kent, de Elche (Alicante) nos ofrece una selección de páginas web sobre el autor para hacernos una visión lo más completa posible de su obra. Las referimos a continuación...

En los siguientes enlaces puedes conocer a fondo la biografía y obra de este extraordinario pintor italiano, que revolucionó el arte de la pintura.

• http://es.wikipedia.org/wiki/Caravaggio (wikipedia, muy asequible y bien escrito)


• http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/1493.htm (la síntesis)


• http://www.spanisharts.com/history/barroco/barroco_caravaggio.html (el análisis del experto)


• http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/caravaggio/index.html (breve, pero apropiado)


• http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/gal1493-1.htm (galería de imágenes de sus obras más significativas)


• http://www.wga.hu/frames-e.html?/html/c/caravagg/index.html (la galería más completa y de mejor calidad gráfica, para auténticos amantes de la pintura)


• http://www.caravaggio.rai.it/index_it.htm (todo caravaggio, para los que se atreven con el italiano. Con un juego para aprender de forma divertida).

Elige el enlace que mejor se adapte a tus gustos y necesidades.

Alonso Cano, un gran olvidado

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Sin duda, y para terminar ya con el Barroco, Alonso Cano es uno de los grandes olvidados del arte español del siglo XVII.

Eclipsado por nombres del fuste y la calidad de Velázquez, Murillo o Zurbarán, su obra pictórica pasa desapercibida. Pero su calidad está contrastada: estudio en el taller de Pacheco en Sevilla junto a Velázquez y Felipe IV, años después, lo convirtió en pintor de cámara de la Corte. Su estilo, inicialmente, tenebrista se fue haciendo más luminoso y colorista con el tiempo aunque nunca perdió ese juego de claroscuros que caracteriza su obra.


La visión de Jerusalen de San Juan 1636
San Juan Evangelista 1636


La visión de San bernardo 1650
Inmaculada Concepción 1648

Sus graves problemas personales-acusado del asesinato de su esposa- le llevana alejarse de la Corte. Recala en Granada donde con muchas dificultades y ayuda del Rey consigue el puesto de Maestro Mayor. Esto le va a permitir acometar las obras de la fachada inacabada de la Catedral.

Aquí nos muestra una visión clasicista de la arquitectura: grandes pilastras dividen el espacio entree grandes vanos coronados por tres grandes arcos de medio punto . Al rebajar las puertas frente a las grandes pilastras le permite unir todo el conjunto con pequeñas bóvedas de cañón en el más puro estilo clásico renacentista como hemos visto en Alberti, Brunelleschi o el propio Buonarotti. Monumentalidad y simplicidad decorativa, muy en la línea del Herrerriano dominante a principios de siglo pero alejado de los excesos que los nuevos arquitectos estaban planteando. Bien es cierto que no renuncia a ciertos toques de barroquismo como pueden ser la decoración escultórica colocada encima de las puertas de acceso.

La escultura, aunque menor en su producción, no deja de ser significativa. Por encima de toda su obra destacan dos producciones: una, el retablo Mayor de la Oliva en Lebrija y la Inmaculada Concepción para el fascitol de la catedral de Granada. Con ellas se enmarca en el más puro estilo de la escuela andaluza: figuras delicadas, hermosas, de gran fineza y riqueza ornamental, rechazando los excesos de la escuela castellana, buscando la belleza ideal pero más la femenina que la masculina al centrar su obra sobre la Virgen.

Una vez contempladas sus obras y su producción es más fácil entender porqué era llamado el "Miguel Angel español". Maestro en disciplinas tan diferentes y complejas como la escultura o la arquitectura, su pasión era pintar pero no rechazo trabajar por otros derroteros. Otro detalle le acerca al gran mestro renacentista y era su recio carácter, pendenciero y huraño que le persiguió durante toda su vida e incluso condicionó su vida artísitca y su obra.

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¿ Hay vida más allá de Velázquez?

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Pues sí, hay vida fuera de Velázquez. Más de lo que los temarios de Historia del Arte suponen, más de lo que nos obligan a dar.

Cotán, Ribalta, Ribera, Zurbarán, Alonso Cano, Herrera el Mozo, Murillo, Valdés Leal, Juan Carreño, Claudio Coello, entre otros, hacen del siglo XVII el Siglo de Oro de la pintura española, quizás tan sólo igualado por los maestros de las vanguardias del XX.

De entre todos ellos destacamos a tres: Ribera y Zurbarán de la primera mitad del siglo y Murillo de la segunda.

No voy a hacer una sesuda disertación sobre ellos. Un blog no pide esas cosas. Tan sólo unos breves apuntes que os sirvan para entenderlos mejor y complementar lo explicado en clase...

Ribera muestra dos épocas claramente diferenciadas:

una primera, basada el el uso de la luz al estilo de Caravaggio, con un fuerte y acusado tenebrismo. Hay en su obra una presencia clara de la línea como creadora de formas pero su pincelada es corta y algo difusa. Sus tipos humanos rondan el expresionismo o el feismo, muy en la línea de los modelos del maestro italiano.

San Andrés de Ribera 1630

Y una segunda, napolitana, con composiciones más complejas, con una mayor luminosidad y contrastes de colores, con fondos elaborados donde predominan cielos claros y luminosos pero manteniendo su realismo naturalista y su pincelada corta aunque en algunos casos algo más viva y difuminada.

El patizambo, 1642


El martirio de San Felipe, 1639

Zurbarán, sin emabrgo, presenta una unidad de estilo a lo largo de toda su carrera artística. Asentado en Sevilla trabaja para grandes centros monásticos que le encargan o retablos o series de óleos sobre temas religiosos y de la vida monacal.

Sacristía del Monasterio de Guadalupe, 1637-1640

Destacaremos como propio de este autor el rechazo a las composiciones dinámicas tan en boga en el Barroco tras la obra de los Carraci o de Rubens; el gusto por figuras muy realistas pero de factura algo tosca, ante la ausencia de veladuras o gradaciones tonales en los cuerpos y ropas. De escultóricas las califican algunos.

San Hugo en el refrectorio de los Cartujos, 1655

Igualmente, Zurbarán es un pintor de la línea, del dibujo, alejado de las influencias del norte de Europa donde el color gana en presencia a la hora de crear formas; sus colores son muy planos, con poco juego de luces y sombras y gradaciones internas y además con una paleta muy escasa en variedad.

Monasterio de Guadalupe. Padre Illescas, 1638

Por fin, decir que sus figuras reflejan el sentir de la pintura española: son personajes con cierta intensidad expresiva pero contenida, serena, alejada de los dramatismos de otros países y autores.

San Jerónimo en el Monasterio de Guadalupe, 1637

En detrimento, citar que muestra cierta torpeza en su obra al trabajar la perspectiva.

Entierro de San Buenaventura, 1629

Bartolomé Esteban Murillo es quizás uno de los pintores más atípicos del panorama pictórico español del siglo XVII junto a Velázquez.

Su obra se caracteriza por el gran número de obras de corte costumbrista, fruto de su trabajo en una Sevilla cosmopolita y comercial.

Pero aun más destacado es que sus figuras muestran una enorme ternura, afectividad, hermosura natural y sensibilidad que hacen de su obra algo diferente hasta lo ahora visto.

Dos momentos en su obra como dijimos para Ribera: una primera época, de influencia tenebrista, muy dibujística y de pincelada lisa, suave y paleta de colores pardos y ocres.

Sagrada Familia del pajarito, 1649

Otra, la más destacada, su edad adulta. De una pintura más suelta, vivaz, de mayor colorido y luminosidad y un progresivo abandono de la línea para componer las formas. Sus temas muestran una sensibilidad grande por el ser humano pero también son alegorías de la caridad, la castidad y la pureza.

Inmaculada concepción, 1660

Niños comiendo y vendiendo fruta. 1650

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

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LA IMAGEN DE LA SEMANA FUE... REMBRANDT

Los Huygens, Constantijn y Christiaan, conocidos en Holanda por sus estudios de ciencia y obras literarias, fueron los primeros grandes mecenas de Rembrandt. Su fama le llevó a residir ya en Amsterdam, convirtiéndose ya en un conocido y reputado pintor. Esta bonanza se ve en la altivez de su rostro y apariencia. Incluso para la segunda foto ya tenía alumnos, signo de maestría.



Entre 1632 y 1640 Rembrandt alcanza honores y reconocimiento pero se hace adulto. Cambia su aspecto físico, viste como un adulto enriquecido, se deja bigote y engorda ostensiblemente. No es una decadencia física sino todo lo contrario. Es la muestra, la impresión del triunfo. Ha pintado la aclamada lección de anatomía del doctor Tulp o el descendimiento de Cristo para el statholder Federico-Enrique de Orange-Nassau. Se ha casado con Saskia van Uylenburch, la hija de su maestro. Es un matrimonio declaramente por amor.
Pero la vida le golpea con fuerza en esos años. Sus hijos mueren recien nacidos y en 1640 muere también su madre. Un punto de tristeza se deja ver en el segundo retrato aunqe él mismo se quiere representar optimista ante la vida.


Muere Saskia. Un ya opulento Rembrandt parece no dejar entrever una gran aflicción...quizás en sus ojos y el rictus de su boca. Ese amor trasmutado en matrimonio: Saskia no le hace heredero sino usufructuario de su fortuna. Un revés para un Rembrandt que ya ha empezado su gran pasión, el coleccionismo de arte. Es curioso, en plena crisis personal surge su obra más grande: La Ronda de Noche.



La estrella de Rembrandt se apaga. Sus obras siguen siendo referencia en el arte holandés pero su dispendiosa vida, el coleccionismo y sus relaciones personales le llevan a la ruina. El rostro del pintor denota varios golpes a su enorme autoestima: denunciado por concubinato ante un tribunal eclesiástico, arruinado por fracasados negocios comerciales en las Indias, ahogado por las deudas de sus masivas compras de arte, ha de declararse en 1656 insolvente y son subastados y vendidos todos sus bienes. Este autorretrato refleja la tortuosa situación y, sobre todo, la pérdida de esa fuerza juvenil y adulta. Es un hombre no acabado pero sí amedrentado.


Rembrandt por acuerdo judicial y para no acabar en la carcel se convierte en empleado de su hijo y de su criada que se comprometen a alimentarlo y alojarlo de por vida. La sombra de la prisión desaparece pero su fama también. Su pintura se hace cada vez más oscura, de trazos violentos y nerviosos. Por un momento parece que vemos dos pintores: uno, oficial, de pago "Los síndicos de los pañeros" y otro, personal, impresionista, "San Mateo y el Angel", "La joven bañandose en un arroyo". La hidropesía agotaba su poca paciencia y su pobre espíritu vivía atormentado.

Morirá el 4 de octubre de 1669.

No "un cuadro" sino "EL CUADRO"

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Todo el mundo coincide. Es el más grande. Ni siquiera Goya. Los extranjeros que vienen al Prado buscan muchos cuadros, iconos del arte occidental. Y aunque las salas de Rubens, El Bosco, Zurbarán, El Greco o Goya están siempre repletas de admirados turistas, las salas de Velázquez marcan el lleno absoluto.

Hacía más de 30 años que no entraba en el Prado. No soy un hombre de Museos, ya lo sabéis quienes sigáis este blog. Pero he vuelto al Prado este año y he entrado en la sala principal rotonda de Velázquez y he vuelto a quedarme sorprendido como cuando estuve de adolescente.

Un cuadro reune siempre -como también le ocurre al Museo Nacional Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofia con el Guernika de Picasso- todas las miradas, comentarios, gestos de asombros y de satisfacción. Todo el que va al Museo del Prado pica en ellas aunque deje cosas sin ver.

Son...

Las Meninas de Velázquez.

¿ Qué tienen las Meninas?. ¿Qué lo hace diferente a este cuadro?.

Tienes ojo clínico. A estas alturas, eres un profesional del Arte. Te propongo que me des ideas: "¿ Qué tienen las Meninas que las hacen diferentes a todo lo demás?". Una idea por persona y comentario. No vale repetirse. Quien primero tira acierta seguro, quien dispara el último tiene el mérito de lo enrevesado y dificil.

¿ Un video ayuda a solucionar dudas?


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