Museo Nacional de Escultura de Valladolid

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Quien quiera conocer las claves de la escultura española renacentista y barroca tiene que acudir a un lugar por encima de cualquiera:
El Museo nacional de Escultura de Valladolid.

Es uno de los grandes museos del país, eclipsado quizás por las glorias del Prado, el Thyssen, el Reina Sofia, el de bellas Artes de Sevilla, el Nacional de Cataluña o el Museu Picasso de Barcelona.

Pero quien adore la escultura no podrá dejar de reconocer que recorrer las salas del Colegio de San Gregorio es una experiencia entre sublime y sorprendente.

El peso del Museo recae sobre las colecciones renacentista y barroca.

Hay otros autores de renombre: Felipe Bigarny, Rodrigo de Holanda, Morlanes, Arnao de Bruselas, Esteban Jordán, Antonio Moro o Pompeo Leoni son figuras para nosotros de segundo orden pero que muestran la transición de un gusto gótico, cercano a las ideas de Slutter a un gusto italianizante, cercano a la obra de della Robbia o Miguel Angel.

Son Alonso Berrugute y Juan de Juni, nuestros protagonistas.

Hoy el Museo presenta parcialmente reconstruido -es una maravilla verlo así- el retablo de San Benito el Real (1526) donde Berruguete nos muestra toda su fuerza creadora. Hay múltiples escenas a destacar pero por encima de todo hay que destacar su técnica:

. maravilloso modelado, a veces voluminoso , a veces con un canon un poco más estirado pero
siempre proporcionado.
. centra su mejor producción en el tratamiento del desnudo.
. el uso perfecto de la técnica de la encarnadura, el esgrafiado y del estofado dando una
riqueza visual y un realismo a las figuras que no tiene la obra en piedra o marmol.
. la fuerza dramática de las escenas y de las figuras aisladas tanto en sus gestos como en las
relaciones entre personajes.
. la composiciones complejas, abiertas, con diagonales, a veces desequilibradas y grupos
enfrentados y muy definidos.

Manierista sí pero también versátil pues es capaz de componer obras maravillosamente exageradas y dramaticas como el San Sebastian o el Sacrificio de Isaac o sosegadas como la Adoración de los Magos.



En fin, reconozco mi debilidad personal por la obra de Berruguete. Como también reconozco que es un autor minusvalorado en la imaginería renacentista pero que está a la altura de los más grandes del renacimiento italiano.

Otras obras suyas son la sillería de la catedral de Toledo o el retablo de la Mejorada en Olmedo, Valladolid.







Con un efecto de perspectiva, hoy podemos contemplar al final de una larga sala, flanqueada por un hermosa sillería, la más renombrada obra de Juan de Juni "El Santo Entierro".




Formado en Italia y en Francia, se instala en León para acometer obras en el Hospital de San Marcos y luego en Medina de Rioseco. Su destino final, Valladolid, centro artístico en España en ese periodo.

Su obra es extensísima pero dejadme que me centre en el Santo Entierro del Colegio de San Gregorio. Su ubicación original fue el Convento de San Francisco, hoy desaparecido. Finalizada en 1545, es quizás su obra más conocida junto a la Virgen de las Angustias.

En ella detectamos algunas de sus principales características:

. figuras muy volumétricas, de grandes proporciones, miguelangelescas con un modelado
fuerte y grueso, muy al estilo de la herencia borgoñona.
. marcados scorzos pero dentro de una composición simétrica y muy clara
. muy detallista en ropajes, rostros, manos, detalles de objetos gracias a su excelente
terminado pictórico
. Intensidad expresiva tratando de mostar el dolor contenido y el dolor explícito, a la vez que
a través de ciertas figuras que miran al espectador atraerlo para participar en el grupo
escultórico.

Hay pocas visiones tan impresionantes como este conjunto. Ahi, en el Museo, a tu alcance, a la mano, casi real. Las miradas de José de Arimatea, el desconsuelo de la Virgen, el tránsito de Jesús a la muerte...¡cualquier figura es tan llamativa!. He visto al natural a Miguel Angel o a Bernini y no tienen menos fuerza de Juni.

Otras obras de Juan de Juni son el Retablo de la Antigua en Valladolid, la Virgen de las Angustias, La Piedad de Medina del Campo o el San Antonio de Padua con niño.
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Unas preguntitas...

¿Seríais tan amables de responder a este simple cuestionario?. Estamos mejorando el sistema y ello pasa por probar nuevas opciones informáticas. Gracias

Imagen de la semana..

Un acertijo de pistas inconexas para el buen oidor y el no peor lector...

Dejo huérfana a la Torre de Comares

Igual que a Miguel Angel se le conoce por sus pinturas y se sentía escultor y arquitecto, al creador de ese edificio se le conoce como arquitecto aunque él se sentía pintor.

Su planta rompe con los esquemas constructivos de su época

Impuestos y derechos sobre los moriscos, alcabalas sobre los azúcares de la ciudad, rentas derivadas del Alcazar de Sevilla...nada de esto fue suficiente para poder acabarlo y quedó inconcluso durante muchos años.

Piso bajo de bóvedas vahidas, piso alto de techumbre plana con casetones.

Extrañas columnas realizadas en piedra pudinga rosada

Quizás fruto del amor, sus propietarios nunca lo habitaron

¿Podrías decirnos qué edificio es y ofrecernos su ficha completa?. Trata de dar una breve descripción interior y exterior y si puedes explica qué datos de las frases anteriores te han proporcionado las claves para averiguarlo.

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Descansamos de pintura...por ahora

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Uffff....por fin se acabaron perspectivas aéreas, manchas de color, paletas y gamas, composiciones y scorzos....La pintura aún coleará mucho este año pero, por ahora, nos tomamos un descanso.

Volvemos a la arquitectura para enfrentarnos a la belleza matemática de los grandes arquitectos e ingenieros renacentistas. Un nuevo lenguaje redefiniendo los valores constructivos y decorativos de la antigüedad clásica. Si Dios creo el Cosmos ordenado matemáticamente, las construcciones humanas se han de regir por los mismos principios. Pureza de formas, diafanidad, orden, perspectiva y simetría, proporciones entre el todo y las partes: una arquitectura que reniega del pasado gótico, que trata de crear un espacio vital diferente para el nuevo hombre renacentista.


¿Quiénes son los arquitectos italianos más destacados y sus obras más encomiables? Aquí hacemos un rápido repaso con algún enlace a sus obras...

QUATTROCENTO

Fillipo Brunelleschi

* Cúpula de Santa María de las Flores en Florencia 1418

* Iglesias de San Lorenzo y del Santo Spirito 1420

* Capilla Pazzi en la iglesia de la Santa Croce 1430

* Hospital de los inocentes en Florencia

Discípulos suyos fueron Michelozzo, Palacio Medici-Ricardi 1460 y Maiano, Palacio Strozzi

Leon Batista Alberti

* San Andrés de Mantua 1463

* El Templo Malatestiano en Rimini

* Palacio Rucellai en Florencia

* Santa María Novella 1470

Discípulo suyo fue Andrea da Sangallo Santa María dei Carcere en Prato 1485.

CINQUECENTO

Donato Bramante

* Inicio de la construcción de San Pedro en el Vaticano

* Templete de San Pedro en Montorio 1502

Miguel Angel Buonarotti

* Finalización de la Basílica de San Pedro 1546

* Cúpula de San Pedro en el Vaticano 1561

* Capillas Mediceas en San Lorenzo

* Plaza del Capitolio

* junto a Antonio de Sangallo el Palacio Farnesio en Roma 1546

Jacopo Sansovino

* Fachada de la Biblioteca de San Marcos en Venecia 1537

Jacobo de Vignola

* Iglesia de Il Gesú en Roma para los Jesuitas1568

Andrea Palladio

* Basílica de Vicenza 1549

* La Villa Rotonda en Vicenza 1551

* San Giorgio la Maggiore

En Europa perviven las formas góticas hasta bien entrado el siglo XVI en España, Inglaterra, Países bajos y Alemania mientras en Francia la llegada de arquitectos italianos permite construir para el rey varios castillos al gusto renacentista: Blois, Chambord y Fontainebleau.

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¿ Hay vida más allá de Velázquez?

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Pues sí, hay vida fuera de Velázquez. Más de lo que los temarios de Historia del Arte suponen, más de lo que nos obligan a dar.

Cotán, Ribalta, Ribera, Zurbarán, Alonso Cano, Herrera el Mozo, Murillo, Valdés Leal, Juan Carreño, Claudio Coello, entre otros, hacen del siglo XVII el Siglo de Oro de la pintura española, quizás tan sólo igualado por los maestros de las vanguardias del XX.

De entre todos ellos destacamos a tres: Ribera y Zurbarán de la primera mitad del siglo y Murillo de la segunda.

No voy a hacer una sesuda disertación sobre ellos. Un blog no pide esas cosas. Tan sólo unos breves apuntes que os sirvan para entenderlos mejor y complementar lo explicado en clase...

Ribera muestra dos épocas claramente diferenciadas:

una primera, basada el el uso de la luz al estilo de Caravaggio, con un fuerte y acusado tenebrismo. Hay en su obra una presencia clara de la línea como creadora de formas pero su pincelada es corta y algo difusa. Sus tipos humanos rondan el expresionismo o el feismo, muy en la línea de los modelos del maestro italiano.

San Andrés de Ribera 1630

Y una segunda, napolitana, con composiciones más complejas, con una mayor luminosidad y contrastes de colores, con fondos elaborados donde predominan cielos claros y luminosos pero manteniendo su realismo naturalista y su pincelada corta aunque en algunos casos algo más viva y difuminada.

El patizambo, 1642


El martirio de San Felipe, 1639

Zurbarán, sin emabrgo, presenta una unidad de estilo a lo largo de toda su carrera artística. Asentado en Sevilla trabaja para grandes centros monásticos que le encargan o retablos o series de óleos sobre temas religiosos y de la vida monacal.

Sacristía del Monasterio de Guadalupe, 1637-1640

Destacaremos como propio de este autor el rechazo a las composiciones dinámicas tan en boga en el Barroco tras la obra de los Carraci o de Rubens; el gusto por figuras muy realistas pero de factura algo tosca, ante la ausencia de veladuras o gradaciones tonales en los cuerpos y ropas. De escultóricas las califican algunos.

San Hugo en el refrectorio de los Cartujos, 1655

Igualmente, Zurbarán es un pintor de la línea, del dibujo, alejado de las influencias del norte de Europa donde el color gana en presencia a la hora de crear formas; sus colores son muy planos, con poco juego de luces y sombras y gradaciones internas y además con una paleta muy escasa en variedad.

Monasterio de Guadalupe. Padre Illescas, 1638

Por fin, decir que sus figuras reflejan el sentir de la pintura española: son personajes con cierta intensidad expresiva pero contenida, serena, alejada de los dramatismos de otros países y autores.

San Jerónimo en el Monasterio de Guadalupe, 1637

En detrimento, citar que muestra cierta torpeza en su obra al trabajar la perspectiva.

Entierro de San Buenaventura, 1629

Bartolomé Esteban Murillo es quizás uno de los pintores más atípicos del panorama pictórico español del siglo XVII junto a Velázquez.

Su obra se caracteriza por el gran número de obras de corte costumbrista, fruto de su trabajo en una Sevilla cosmopolita y comercial.

Pero aun más destacado es que sus figuras muestran una enorme ternura, afectividad, hermosura natural y sensibilidad que hacen de su obra algo diferente hasta lo ahora visto.

Dos momentos en su obra como dijimos para Ribera: una primera época, de influencia tenebrista, muy dibujística y de pincelada lisa, suave y paleta de colores pardos y ocres.

Sagrada Familia del pajarito, 1649

Otra, la más destacada, su edad adulta. De una pintura más suelta, vivaz, de mayor colorido y luminosidad y un progresivo abandono de la línea para componer las formas. Sus temas muestran una sensibilidad grande por el ser humano pero también son alegorías de la caridad, la castidad y la pureza.

Inmaculada concepción, 1660

Niños comiendo y vendiendo fruta. 1650

La imagen de la semana...

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¿Conoces esta obra?
Estoy casi seguro de que sí.
Como siempre danos su nombre y una mínima ficha de ella.

Pero, hoy en "La imagen de la semana" te pido que bucees en la obra de este genial pintor -para ello te propongo dos enlaces web http://www.wga.hu/frames-e.html?/html/g/greco_el/index.html y http://contenidos.educarex.es/mci/2004/44/@rt.com/Arte_Renacentista/Galerias.htm - y escojas una obra, representativa o no y trates de hacer un comentario formal de la misma tratando de seguir el esquema que hemos propuesto en clase.

Mucho ánimo, necesitamos mucha práctica.
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Manos...

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Las manos de la Gioconda nos permiten plantear una reflexión y un juego

Siempre hemos dicho que la maestría de un artista se mide por muchos raseros pero uno de los principales es por cómo hace las manos. No es menos cierto que cada estilo, cada innovación se plasma antes que nada el ellas porque quizás sean parte del alma del cuadro o incluso motivo principal.

Desde el Trecento hasta el Manierismo, los diferentes artistas han buscado representar fielmente la realidad; cada uno ha buscado recursos pictóricos diferentes superando a los anteriores (óleo, veladuras, sfumato, dibujo, pinceladas diferentes,...) y las manos han reflejado esa evolución.

En esta presentación tienes manos desde 1320 hasta 1580, más de doscientos años de Arte. Todas son magníficas pero también es cierto que al seguir el orden cronológico podrás ver cómo evoluciona el arte de la pintura.

El juego que te propongo es que me digas el nombre del autor de cada una de las láminas de manos que aparecen en la presentación. Sólo el autor, no el nombre de la obra que las hay complejas de reconocer. Llevan orden cronológico y es más fácil de lo que parece.Pasando el cursor por encima de la imagen se para para contemplarla mejor...Inténtalo...

Valiente Rafael

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Cuando yo estudie Historia del Arte, tanto en el Bachillerato como en la carrera, Rafael era citado como un autor clave en el Cinquecento italiano pero, sin embargo, tan sólo se veían y ensalzaban sus magníficas Madonnas con niño, esas vírgenes de gesto amable, trazo fino y seguro, colores luminosos y amplia relación con el niño Jesús.
Para entonces yo no entendía cómo un autor tan repetitivo y academicista podía ser considerado uno de los grandes.

Hoy, años después y con muchas horas de vuelo de profesor de Historia del Arte, he visto que Rafael debió vivir sus pocos años de vida con una enorme desazón, en una duda que debió atormentarle terriblemente: si sus primeras obras reflejan un estilo cercano a Leonardo, la llegada a Roma ya nos muestra un Rafael afirmado en el dibujo firme y los colores vivos.
Pero al ver la obra de Miguel Angel -parece que Bramante le introdujo en la Sixtina-, sus desnudos, la rotundidad de sus formas, los scorzos, sus colores, Rafael debió de sentirse menor y acató sin verguenza las formas del maestro, convirtiendo sus frescos y pinturas en una continuación de la obra de Miguel Angel. Sólo el tiempo le llevó a reconducir sus obra hacia el color abandonando el dibujo y las formas potentes de su maestro. Quizás el influjo de los venecianos, de Tiziano a quien conoció.

La sensación que me queda de Rafael es de nadar entre aguas complejas y nunca llegó a considerarse a sí mismo como creador de una forma nueva de pintar. Por eso, muchas veces explicamos a Rafael como el autor que auna en su obra las novedades y las propuestas de los demás pintores de su tiempo.
¡Qué pobre bagage y explicación para un pintor tan genial y versátil!.

Fijaos cómo las Madonnas muestran una evolución formal: de la influencia leonardesca a la de Buonarotti pasando por su propio estilo. Rompe con el sfumatto y la languidez de Leonardo pero cuando parece haber logrado su modo -la Madonna del Prato es el mejor ejemplo- se recrea en unas figuras voluminosas y coloristas al estilo de Miguel Angel.

Madonnas de 1502 y 1504, influencia de Leonardo en la luz, colores, paisajes y tipos humanos


Madonnas del Prato y Colonna 1506 y 1508. Rafael en estado puro, alejado ya de Leonardo


Fijaos en las Madonnas de 1510 a 1515, bajo influencia miguelangelesca: los tipos humanos, los scorzos -en la central la Virgen imita al Tondo Doni- o las curvas y pliegues de los ropajes.


Madonna Segliola 1516

Solo las que realiza hacia 1520 muestran ya una depurada técnica propia aunque siempre, siempre son Virgenes amables, madres antes que santas y el niño Jesús, niño antes que Dios...

Pero si hay dos obras que nos demuestran la capacidad pictórica de Rafael y su lucha interna como pintor son: Los frescos de las Estancias Vaticanas y el triunto de Galatea para la Villa Farnesina del banquero Chigi.

En la segunda se aprecia su capacidad pictórica para representar una escena clásica, mitológica al estilo de Boticelli o de Tiziano. La gracia de Galatea, su fineza de rasgos, su belleza - qué sensualidad, Dios mio...- y proporción nos entronca con esa pintura de finales del Quattrocento aunque su scorzo la sitúa completamente en el Cinquecento mientras que la Nereida o los centauros marinos muestran claramente torsos rotundos, fuertes y potentes al estilo de Buonarotti. La composición es magnífica y la luz ambiental refuerza los colores.

¡ Qué flaco favor le ha hecho la Iglesia a Rafael promocionando sus virgenes y ocultando tras la sombra de la Capilla Sixtina las pinturas de las Estancias Vaticanas!
Es, para mi con diferencia, y salvando algunos otros conjuntos y sus retratos, la obra cumbre de Rafael. Signatura, Heliodoro, Borgo y Constantino nos muestran la transición de su estilo hacia formas manieristas, más complejas y elaboradas. Es la lucha del pintor por superarse a sí mismo: ¿alguien podría superar la Escuela de Atenas?. Sí, él mismo: Rafael.

Observad la pureza académica, el uso de la perspectiva, los colores luminosos y brillantes, la luz ambiental que todo lo ilumina por igual, la composición equlibrada de la Escuela de Atenas, en la Estanza della Signatura.

Sin embargo, comtemplad al Rafael de la Estanza de Heliodoro. Los colores se han matizado, las figuras tienen un ritmo más apremiante, a veces incluso, desaforado. Las arquitecturas se han complicado y las luces y las sombras juegan un papel mucho más activo en modelar las figuras. La composición ya no está tan clara.


En la Estanza del incendio del Borgo se refuerza lo anterior y se ponen las bases del futuro manierismo del que Tintoretto será un maestro y el Greco su más claro ejemplo. Tipos humanos con cánones desproporcionados y cuerpos miguelangelescos; composiciones complejas con nuemerosas escenas internas; un mayor expresionismo en las figuras con actos y gestos desproporcionados; mayores contrastes de color y un uso del claroscuro para enmarcar escenas.


Muerto con 37 años si hubiera tenido la longevidad de Miguel Angel no sabemos hasta dónde podría haber llegado la capacidad pictórica de este genio.
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La semana pasada fue...

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ESTABA MUY CLARO EL TEMA. ALGO MÁS COSTÓ EL NOMBRE DEL AUTOR.

ERA "LA EXPULSIÓN DEL PARAISO"
EN LA CAPILLA BRANCACCI,
OBRA CLAVE DE MASACCIO

PERO...

¿OS ATREVERIAIS AHORA A HACER EL COMENTARIO ARTÍSTICO DE ESTA MAGNÍFICA OBRA EN VUESTRO BLOG O EN UN COMMENT DEL BLOG DE CLASE ?

BUEN MOMENTO PARA REENGANCHARSE ALGUNOS/AS HOLGAZANES Y MEJORAR ESA NOTA DEL ÚLTIMO EXAMEN...

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La conquista de la realidad...

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Si algún día os da por volver al arte -espero y deseo que no como profesión, no saldreis de pobres...- me gustaría que leyéseis una libro precioso, maravilloso, único quizás... Es la "Historia del Arte" de Ernest H. Gombrich.
Allí el maestro explica la supuesta desilusión inicial de los florentinos ante la obra de Masaccio. En vez de la graciosa delicadeza de Fra Angelico, en vez del detallismo que provenía de los maestros flamencos, Masaccio crea pesadas y macizas figuras en un entorno de perspectiva revolucionario. Brunelleschi, el arquitecto y escultor, lo adoraba. La siguiente generación Piero della Fancesca, Mantegna, Botticelli, Peruggino o Ghirlandaio... quedaron prendados de sus formas y novedades, las copiaron y mejoraron en muchos casos.
Una generación revolucionaria que cambió la Historia del Arte. Pero aun quedaba mucho por avanzar...

¿ Qué dejaron a los Leonardo, Miguel Angel, Rafael, Tiziano o Tintoretto del siglo siguiente?. Futuras entradas nos lo dirán pero ahora veamos porqué fueron revolucionarios...

La conquista de la realidad es el objetivo prioritario.
Alejarse de toda referencia al pasado medieval tanto en la forma de la obra como en la intención de la misma. Desaparecen las referencias bizantinas, el esquematismo, las composiciones rígidas, la ausencia de espacio y fondo, etc... En un siglo, el gótico ha sido barrido del arte.

Arriba. Tributo de la Moneda de Masaccio, siglo XV. Abajo, Maestá del Duccio, siglo XIV.

Superación del pasado gótico logrando la representación realista de objetos y personas. Búsqueda de la tridimensionalidad, del bulto redondo y de su ubicación en un espacio real. Realismo idealizado aunque no se desdeña el naturalismo.



Idealización: Venus de Boticelli/ Marte y Venus (debajo)
Tendencia al naturalismo: Virgen con niño de Filippo Lippi
Naturalismo: Retrato de joven de Filippino Lippi
Segunda mitad del siglo XV.

Para lograr esto trabajan dos aspectos:

La utilización de la luz para modelar los objetos. La luz es ya la gradación tonal y lumínica de los colores. La luz que utilizan es diafana, ambiental, sin proyectar grandes sombras lo que da modelados suaves.

Piero della Francesca, Historias de la VeraCruz
Masaccio. Tributo de la Moneda

Siempre hay excepciones... El sueño de Constantino de Piero

Y la adecuación al marco espacial de las figuras. Por fin aparece un tratamiento riguroso de los fondos, aunque aun sean muy simples en su organización y configuración.

Ghirlandaio, Santa Cena
Boticelli, La calumnia
Peruggino, La entrega de las llaves

La luz crea el volumen pero este adquiere tridimensionalidad espacial gracias a la representación geométrica del espacio. Desarrollo de un modelo de perspectiva matemática y de acciones que fomentan la tridimensionalidad. Tres tipos de perspectiva trabajan aunque destaca historicamente el primero por su novedad

* Perspectiva lineal o geométrica basada en las ideas de Brunelleschi y Alberti




Imágenes conseguidas gracias a la amabilidad de Juan Diego Caballero y Enseñ-arte

* la perspectiva basada en las gradaciones de colores y de formas

Paolo Ucello, Batalla de San Romano

* la perspectiva basada en la superposición de planos y tamaños

La expresión de sentimientos pasa por una inicial introspección psicológica: las figuras demuestran sentimientos contenidos, propios de los valores que se le suponían al hombre renacentista: valor, templanza, honor, sabiduría, moderación,... Aparecen las relaciones entre las figuras dentro del cuadro.

Múltiples ejemplos de introspección salvo Expulsión del Paraiso de Masaccio: Boticelli y la Primavera; Virgen del huevo de Della Francesca; Pietá de Peruggino y Virgen con niño de Bellini

Armonía en las composiciones se convierte en esencial por cuanto crea la obra perfecta. Ello pasaba por tres derroteros: perspectiva matemática y composiciones ordenadas, regulares basadas en formas geométricas puras (triángulo, cuadrado,...);

colores suaves buscando armonías cromáticas simples basadas en los complementarios;

y, por fin, predominio del dibujo sobre el color. Apariencia plana de las formas. El color apenas crea formas.

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