ROAD MOVIE III

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El periplo veraniego nos llevo en este caso a Valladolid. Esta vez el motivo no era familiar como habitualmente sino lúdico y de ocio. Fuimos a ver un concierto de Depeche Mode. Para aquellos que no estén en la onda -onda ochentera y tecno-, este grupo británico de música tecno, exitoso en los años '80 y '90, inició en España su gira mudial, llamada Tour del Universo 2009. Gracias a los buenos manejos de un gran amigo allí estuvimos para verlo en directo. Dejadme que os ponga una pequeña muestra de su música como fondo al hecho artístico que nos va a ocupar.

Lo cierto es que entrando en Valladolid pude contemplar la nueva sede de las Cortes de Castilla y León, anteriormente ubicadas en el municipio de Fuensaldaña, en su castillo tardomedieval.

El conjunto arquitectónico, que ha supuesto una inversión de 46 millones de euros, alberga la nueva sede del Parlamento. Se compone de un total de cuatro módulos. El primer de ellos lo forman las plantas baja, primera y segunda, con unas medidas de 175 metros de largo y 50 metros de ancho. El segundo bloque está compuesto por la biblioteca, desde donde se puede ver la avenida de Salamanca y el Monasterio del Pardo.El tercer módulo corresponde al Hemiciclo y el último volumen corresponde a un módulo de vidrio que facilita la entrada de luz al inmueble.

Partiendo del proyecto ganador del Concurso de Ideas, obra del arquitecto granadino Ramón Fernández Alonso, y con objeto de “prevenir las necesidades de un Parlamento del siglo XXI”, en palabras del Presidente de las Cortes de Castilla y León, José Manuel Fernández Santiago, se redactó en julio de 2003 el proyecto definitivo, para aumentar la versatilidad y funcionalidad de las dependencias y conseguir la mejor adecuación al trabajo de los distintos órganos del Parlamento regional.

La obra se inició en el mes de abril de 2004, con la intervención de un equipo técnico de la Consejería de Fomento de la Junta de Castilla y León, al que se incorporó poco más tarde la empresa adjudicataria del concurso de asistencia técnica para la dirección facultativa de las obras. Tras un año largo de trabajos del equipo de dirección de la obra con los equipos designados por la propiedad y la empresa constructora, se avanzó sustancialmente en la mejora del diseño inicial, adaptándolo a un óptimo programa funcional, modificando los acabados de cara a su mayor durabilidad, y mejorando sustancialmente las instalaciones en materias como la climatización, electricidad e iluminación.

(Texto e imágenes tomadas de la web institucional de las Cortes de Castilla y León)

El edificio es espectacular. Blanco paralelepípedo cortado por un cubo de alabastro que sirve de eje de iluminación del interior. Con ciertas reminiscencias Lecorbusierianas (Villa Saboye), el cuerpo principal está sostenido por pilares a la vista, gracias al desnivel del terreno. La ruptura del frío racionalismo y de la simplicidad viene dada por el diferente acabado de los extremos del cuerpo principal. Uno con un retranqueado de la fachada y otro con un cuerpo acristalado matizado por una estructura laminar en bronce que lo protege y evita la iluminación directa.

Si por el día el blanco de edificio contrasta con la zona ajardinada del Monasterio del Prado, por la noche el cubo de alabastro iluminado le concede un simbolismo de edificio guía o luz de la ciudad.

Precioso y espectacular...y más si antes has visto a buenos amigos y a Depeche Mode en plena acción.

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ROAD MOVIE II

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Ya estamos en Galicia. Concretamente en Vigo. Algún día le dedicaremos una entrada al Vigo burgués y cosmopolita de principios del siglo XX con sus magníficos edificios historicistas alrededor de la Puerta del Sol como el Banco Pastor, el edificio Bonin o el Hotel Universal; su gran Teatro García Barbón; la fuerza del modernismo de la zona de Montero Ríos con el edificio Mülder o el Moderno o los giños racionalistas de la Escuela de Artes y Oficios o del antiguo Banco de España. Os ofrezco un enlace para que podáis contemplarlos.

No, hoy no busco el Vigo histórico, sino el Vigo contemporáneo. Una ciudad abierta al mar. Ese parece ser el espíritu que trata de transmitir con las nuevas construcciones que se han realizado o que se proyectan.

De entre todas ellas hay una que me gusta especialemente y es el edificio de usos múltiples de la Xunta de Galicia. El conjunto está situado al lado de la zona portuaria, cercano al puerto deportivo del Club Naútico y abierto a la Ría. Del lado contrario se encuentra la calle Montero Ríos con magnificos edificios historicistas y modernistas y la calle Arenal.

Realizado por los arquitectos Esteve Bonell y Josep Maria Gil Guitart, se inició su construcción en 1995 y se inauguró hacia el año 2003. El edificio es una única pieza en dos volúmenes, configurados a distintas escalas, que repite un mismo tema formal. Las dos piezas prismáticas ofrecen hacia la banda ajardinada, trazada en paralelo con el borde del mar, sus frentes de cristal hundidos en ángulo cóncavo, enmarcados por los cerramientos laterales de piedra y las cubiertas planas, que completan las cajas envolventes. Las fachadas laterales se cierran con una doble piel constituida, en su capa exterior, por una celosía de piedra, intercalada con un orden monótono de aberturas, tras la que se dispone una piel continua de cristal. Esta solución tan mediterránea se transforma, mediante la expresividad del material, en una solución adecuada para el paisaje y el clima de Vigo (Guía de Arquitectura de Vigo, 1930-2000
Fernando Agrasar Quiroga. Isbn 84-85665-44-9).

La horizontalidad de su cuerpo más occidental y la verticalidad del cuerpo oriental, reproduciendo ambos el mismo ritmo y las mismas formas de vanos y pisos, remarca la racionalidad del edificio. Esta aparente frialdad y ausencia de decoración se contrasta con los jardines y la plaza que le rodea por un lado y el puerto y el azul del mar por otro. Me gusta especialmente el remate de las fachadas laterales, cóncavas triangulares, o los grandes voladizos que las cierran.

Creo que los arquitectos han sabido plasmar muy bien el carácter de un edificio administrativo y la separación que debe haber entre el vigo tradicional decimonónico y el nuevo Vigo industrial y terciario del siglo XXI.

Merece la pena venir a verlo y, por supuesto, disfrutar de las playas, la zona comercial y la gastronomía típicamente gallega.

ROAD MOVIE I

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¡Qué dificil es viajar y a la vez poder actualizar con un mínimo rigor en el mundo de las TICs!. Conexión la hay en muchos lugares, tiempo y sosiego para escribir, sin embargo, poco.

Venga, vamos allá con el primer capítulo de esta road movie que nos llevó desde Coria hasta Galicia durante el tiempo de los Sanjuanes.

Así, el primer encuantro con el arte nos lleva a la misma ciudad de Coria. Todos mostramos y destacamos la catedral, joya plateresca y tardogótica del siglo XVI; las murallas romanas bajoimperiales del siglo III y IV dc.; la torre del castillo construida por la Casa de Alba en el siglo XVI tras la conversión de la ciudad de señorío de realengo a señorío nobiliar o el palacio episcopal, hoy remozado como hotel pero joya menor del siglo XVII y XVIII.

Pero olvidamos nombrar una de las obras arquitectónicas mayores -para mi, por supuesto- de la ciudad: El puente de hierro.

Construido sobre dos grandes pilares de piedra y dos contrafuertes en las orillas desde los que arranca su plataforma de aproximadamente unos 150 metros de largo. Está sustentada por tres arcos de hierro, no tubulares sino planos, que se unen a ella por todo un conjunto de tirantes. A su vez, descansa sobre los pilares de piedra a través de unos cojinetes o pivotantes que amortiguan la tensión del peso de los vehículos.
La estructura sigue el modelo de la escuela de Eiffel puesto que las diferentes piezas se unen a través de remaches de cabaza semicircular y no hay apenas soldadura. La plataforma tiene la parte central o de circulación de vehículos y unos voladizos laterales anexos que sirven para el tránsito de personas.

Varios lugares datan el puente en 1909 y en 1912. Quizás sean el origen de las obras y la inaguración del mismo. En todo caso supuso un considerable avance para el pueblo y para la circulación de mercancías ya que se abandonaron definitivamente los vadeos del río en estiaje y, sobre todo, los transbordadores de cable que unían Coria con Portaje.

Cercano a él están el puente de Talavera de la Reina, de similar factura y edad -1902- pero de mayor longitud o luz, así como el puente del ferrocarril de Mérida.

Nuestro puente sufrió restauración en el año 2006, tratándosele contra la corrrosión, sustituyendo planchas deterioradas y sometiéndole a un repintado general que lo dejó en perfectas condiciones.

No hay en todo el norte de Extremadura un puente de la hechura y el porte del cauriense. Un ejemplo magnífico de la arquitectura del hierro y presumiblemente de los planes de mejora de la red viaria iniciados por los gobiernos de maura a principios del siglo XX.

ROAD MOVIE

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Cumplido el tramite, exitoso, de la Selectividad -todo los alumnos del Instituto aprobados y todos los de Arte en su linea de notas del curso- nos aprestamos a atacar el verano.

Como voy a viajar mucho y muy variado, os voy a ofrecer fotos y comentarios de los lugares que visitaré.

Como una Road Movie americana, trataré de transmitiros mis sensaciones a través de imágenes y comentarios. Contadme también vuestras experiencias aunque no podáis subir imágenes.

Si estáis aburridos... pues ya sabéis. Coged de la oreja a vuestros padres lleváoslos a Madrid y dadles una sesión de Arte a través de las magníficas exposiciones y museos, algunos de los cuales ya conoceis.

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No hay clase,...¿Qué hago?

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Pues muchas cosas... descansar, dormir, leer un buen libro o incluso uno no tan bueno, dormir -¿no lo había dicho?-, ir a la piscina o a la playa, ver la tele, hablar con los amigos -esto es fundamental, acto principal-, tomar el sol, pasear, beberte una cerveza bien fresquita, hacer deporte, ayudar algo en casa, salir de jarana,... pero también puedes ver cine.
Pocas cosas hay tan entretenidas como ver una peli cuando el sol cae a plomo después de comer, a la fresca de la casa del pueblo o bajo influjo del aire acondicionado -invento glorioso- o bien por la noche, cuando se levanta la brisa fresca, bajo la estrellas, en el portatil o en el dvd de casa que hemos sacado a la terraza...

¿ Qué os recomiendo?. BUFFFFFF... hay tanto para ver y tan poco tiempo para ello... venga unas cuantas pelis donde el arte es protagonista principal. En un blog de arte no voy a recomendar películas de ciencia-ficción, no?. Pues, hombre... Si veis "Blade Runner"( 1982),de Ridley Scott, seguro que además de ver una soberbia interpretación de Harrison Ford y una historia de amor de las de verdad, veríais ejemplos más que llamativos de las obras del futurismo arquitectónico de los años 20 y de las últimas escuelas, desde el High-Tech hasta el postmodernismo.

NO... En realidad, yo venía a recomendaros películas donde el arte, la creación artística juega un papel protagosnista porque películas "artísticas" hay tantas... Ultimamente una buena amiga me ha recomendado "La vida secreta de las palabras" (2005) de Isabel Coixet. Una hermosura...a quien le gusten las historias de amor algo desgarradas.

A lo mio...películas de arte.

Voy a empezar con uno de mis autores favoritos, Jackson Pollock. El actor y director Ed Harris recrea la vida de este pintor, clave del expresionismo abstracto tras la Guerra Mundial. "Pollock: la vida de un creador" (2000) trata de ahondar en la explicación emotiva y psiccológica de su pintura pero lo que logra es recrear su estilo con una magnífica fidelidad. Muy, muy interesante. Un video donde podéis ver algunas imágenes de la película con una curiosa banda sonora de fondo.




No es la mejor de las películas pero para mi es especial. "El Tormento y el extasis"( 1965) recrea el periodo de creación y realización por Miguel Angl Buonarotti de la Capilla Sixtina. Un Miguel Angel encarnado con maestría por Charlton Heston-ya es raro en él, siempre exagerado- y un destacadísimo Rex Harrison, haciendo de Julio II, crean un ambiente ideal de interpretación para contemplar cómo pintaba al fresco el maestro Buonarotti o incluso el propio Rafael, las intrigas con el Bramante o las luchas de poder en el Papado. El director Carol Reed y el guionista Philip Dunne crean una escena que yo utilizo mucho el clase... cuando me preguntan por la corrección de los exámenes. Todos los días Julio II se acercaba a ver las obras y le preguntaba... "¡Buonarotti, ¿ Cuándo acabas?!" . A lo que el pintor le respondía con malas pulgas "¡¡Cuando termine!!". Lo mismo digo yo de la corrección.






Siempre me gusto Kirk Douglas: Espartaco, Senderos de Gloria,...papeles capaces de mezclar la fuerza de la interpretación con la critica política. Cuando vi "El loco del pelo rojo" (1956) comprendí mucho mejor la locura, el desarraigo, la desesperación de Vicent van Gogh. Vicent Minelli crea una obra única, un alegato de cordura dentro de la más absoluta locura. Su relación con Gauguin, su atormentada existencia, la fuerza exprersiva y liberadora de su pintura...todo está ahí, en una simple película.




Colin Firth y Scarlett Johansson recrean la novelesca relación entre Johannes Vermeer y su criada. Por increible que parezca "la joven de la perla" (2003) , de Peter Weber, consigue cautivar al que la ve no sólo por el ambiente sino, sobre todo, por la sugerente historia de amor, donde los sentimientos, la pasión y los toques sexuales se mezclan con oleos, aglutinantes, perspectivas y pinceles. Yo también quisiera hacer azul ultramar machacando lapislazuli con la Johasson entre mis brazos ( lo mismo dicen mis mujeres de Colin Firth, vaya cosa!). Digna de verse y muy superior a la novela de Tracy Chevalier.



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En todo caso no son las únicas, aquí os ofrezco una web con una selección de películas donde los protagonistas son grandes pintores de todos los tiempos. Artelista.com
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DE ESTA...NOS SALIMOS

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Sí, no me creíais pero ya os había dicho yo que estabais bien preparados, con ánimo y moral por las nubes. Este examen de Selectiviad de Historia del Arte tiene que haberos parecido mucho más sencillo que los exámenes que hemos hecho durante el curso.

"England expects that every man will do his duty" dijo Nelson por señales a las tripulaciones de sus barcos en la batalla de Trafalgar. Hoy yo os repito la misma frase:

El IES Alagón y vuestro profesor de Arte espera de cada uno que haya cumplido con su obligación. Si así lo habéis hecho, no tengo dudas de vuestro aprobado.

OPCIÓN A

Tema: Impresionismo y postimpresionismo
Láminas a comentar:



La Trinidad de Masaccio. Quattrocento florentino. siglo XV
Acueducto de Segovia. Arquitectuta inperial hispano-romana. siglo II dc.

OPCIÓN B

Tema: La arquitectura del siglo XVI en Italia
Láminas a comentar:



Pórtico de la Gloria del Maestro Mateo. Esculura románica o protogótica del camino de Santiago. Siglo XII. finales.
Rendición de Breda o Las lanzas. Diego de Silva y Velázquez. Pintura barroca española. Siglo XVII. Mediados.

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Selectividad 2009

Buena
suerte
mañana

Rompemos con el canón clásico y IV: Expresionismo

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Agotados tanto el cubismo como el fauvismo, surge en Europa otra forma de enfrentarse al arte inspirada en los lienzos van Gogh o en la fuerza expresiva de autores fauve como Vlaminck.

Es el expresionismo. Quizás sea uno de los estilos más prolíficos tanto por la cantidad de autores que lo siguen y la vasta obra que hacen como por su extensión en el tiempo. Podemos extender el expresionismo hasta su versión abstracta tras la II guerra mundial en los años 50 y 60 en Estados Unidos.

Hagamos un repaso de la ingente producción y sus diferentes estilos:

Múltiples autores se acercarona esta tendencia sin generar un grupo organizado a su alrededor; caso de E. Munch, en Noruega; Oskar Kokoschka, en Austria; Solana, en España o James Ensor en Bélgica.

Solana______________Munch
Kokoschka_______________Ensor

Sin embargo en el entorno alemán y de los países bajos sí se crearon corrientes de autores, unidos por un Manifiesto y con unos presupuestos pictóricos comunes. Son

Die Brüke ( El Puente) con Kirchtner, Schmidt-Rotluff, Nolde, Henkel y Pchtein. El movimiento se creo entre 1906 y 1910.

"Con la fe puesta en el desarrollo y en una nueva generación de creadores y consumidores, hacemos un llamamiento a la juventud, y como juventud portadora del futuro, queremos procurarnos la libertad de vivir y actuar frente a las fuerzas tradicionales. Todo aquél que refleje en sus obras espontánea y verídicamente toda su fuerza creadora, es de los nuestros".
Manifiesto de fundación del movimiento artístico Die Brücke, 1905

Cinco mujeres en la calle de Kirchner, 1912_____________Autorretrato de Schmidt-Rotluff, 1906

Para ellos la pintura representa el plano fundamental de la experiencia sensible. El pintor transforma en obra de arte su propia experiencia personal ante la vida. La técnica pictórica queda, pues, supeditada a la expresión de los valores o inquietudes del artista. Se destruye todo canón que pudiera romper la manifestación de la inspiración inmediata.
Muestran, por tanto,

• una pincelada gruesa, rápida, que diluye las formas por su trazo y rapidez de ejecución

• unos colores inspirados en el fauvismo pero de una gama cromática más oscura

• No es una pintura hedonista, hermosa o brillante, más bien estridente, grosera y, a veces, dura.

Der Blaue Ritter ( El caballo azul ) se crea como rechazo a los presupuestos pictóricos y vitales de Die Brüke. Desde 1912 Kandinsky, Marc, Kubin y Münter formaron este estilo. El instito y el temperamento va a ser sustituido por una visión más filosófica y espiritual de la concepción artística. Coincidían con Diie Brüke en criticar a la sociedad y rechazaban las concepciones artísitcas anteriores pero su intención hacia la obra artística es diferente.


El Sueño, de F.Marc_______________________ Composición nº IV, de W. Kandinsky

Tendían a una purificación de los instintos más que a desencadenarlos sobre el lienzo; no buscaban un contacto fisiológico con lo primordial, sino más bien un modo de captar la esencia espiritual de la realidad. Su formula es hacer vibrar la secreta esencia de la realidad en el alma, actuando sobre ella con la pura y misteriosa fuerza del color liberado de la figuración naturalista.
Así:

• pintan con formas muy suaves y desvahidas, de pinceladas largas y muy sueltas

• usan colores muy luminosos con transiciones suaves entre ellos

• tienen una cierta tendencia a la abstracción de las formas que, luego, desarrollará totalmente Kandinsky.

• Sus presupuestos teóricos aparecen en la obra de Kandinsky "De lo espiritual en el Arte".

• Se evaden en sus temas de la critica social o de las representaciones tradicionales para acudir a temas cotidianos e intrascendentes que muestren toda la fuerza de sus colores y sus sentimientos

La Guerra Mundial cambiará todos estos presupuestos...su dureza, su irracionalidad, el sufrimiento que provocó durante y después de la misma, la crisis social y política que se desencadenó en Europa acabaron con este modelo de expresionismo.

Algunas webs a consultar...

http://ultimorender.com.ar/funkascript/expresionismo/solo_texto.htm
http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/expresionismo.php
Expresionismo, estilo a estilo

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Rompemos con el canón clásico y III: Dadá

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Marcel Duchamp
Man Ray, Kurt Scwitters y Francis Picabia

Cuando estudié arte contemporáneo en la carrera, nuestro profesor nos enseñó varias láminas para ver nuestra reacción ante iconos del arte actual. Dos me llamaron la atención poderosamente: una fue una isla cubierta por un enorme lienzo blanco de Christo y otra, La fuente de Marcel Duchamp.

Siempre me sorprendieron y no gratamente los dadaistas. Ponían en solfa la racionalidad y parecían reirse de los principios más elementales de nuestra sociedad. Me parecían exasperantes y poco serios. "Juegos de ricos" decía yo.

Sin embargo, con el tiempo su trasgresión me ha parecido muy moderna. Incluso las actuales rupturas culturales parecen a la vista de los dadaistas pobres y poco creibles. Cuanto más mayor e imperfecto me veo, más me gusta su ruptura con lo establecido, su búsqueda de lo aleatorio, la belleza del caos.

Dadá se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo entendiendo por humanismo la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria.

Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general.

Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección.

Picabía, "Hera" y Man Ray "El violín de Ingres"

Por tanto en su rigor negativo también está contra el modernismo, es decir, el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. Sin embargo, la realidad es que cuando nace Dadá ya estaban afirmadas todas las tendencias y fue contra ellas pero terminó utilizando en su acción los hallazgos e innovaciones del cubismo, del futurismo y de la abstracción.

Como movimiento artístico surge en Europa y EE.UU. Apareció en Zurich, Suiza entre 1916 y 1922 con Tristan Tzara como su fundador. La energía de Dadá le vino, sobre todo, de los intelectuales no artistas o de aquellos artistas que sabían escribir con intensidad y buen hacer, caso de Arp, Van Doesburg, Picabia o Kurt Schwitters.

La primera guerra mundial también llevó a Nueva York a grupos de artistas y refugiados. Entre ellos hay que destacar a Duchamp, Picabia y Jean Crotti como europeos refugiados, junto con los estadounidenses Man Ray y Morton Scamberg.

Duchamp llegó de París a Nueva York con un regalo de los franceses para los estadounidenses que consistía en una bola de cristal con aire de París. Era el comienzo de los ready-mades (una rueda de bicicleta montada sobre un taburete, un botellero, un orinal, etc.), objetos sacados de la realidad y puestos en la esfera del arte por la simple acción y voluntad del artista. El deleite estético estaba fuera de sus intenciones y la elección de los objetos.

Estos refugiados se integraron con las corrientes vanguardistas que desde comienzos del siglo se estaban gestando en Harlem o en Greenwich Village. El pensamiento dadá caló con fuerza en estos ambientes culturales. Será aquí cuando se desarrolen algunos de los iconos del dadaismo como el Desnudo descendiendo una escalera, de Duchamp, calificada como obra maestra por André Breton.

MARCEL DUCHAMP

Rueda de bicicleta con taburete, Desnudo bajando la escalera, La fuente

El fin de la guerra y el ambiente de libertad generado por la República de Weimar dió lugar a un nuevo grupo dadá en Alemania, a partir de 1919. El movimiento dadá berlinés pasará a la historia por la incorporación de las nuevas técnicas artísticas de difusión de ideas entre las masas, principalmente el fotomontaje. Los dadaístas utilizaron la técnica del fotomontaje y del collage para plasmar la realidad que les circundaba, utilizando material visual sacado de los medios de comunicación.

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Rompemos con el canón clásico II. El Fauvismo

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Vlaminck, Paisajes con árboles rojos, 1906____________________ Henri Matisse, Armonía en rojo, 1908

Paul Gaugin dijo a comienzos de 1888 a los miembros del grupo de Port-Aven: "¿Cómo veis este árbol?, mirando un rincón del bosque de Amour, " ¿Verde?. Entonces poned verde, el verde más bello de vuestra paleta. ¿Y esta sombra?, ¿más bien azul?. Entonces no tengáis reparo en pintarla con el azul más intenso posible...".

Les estaba descubriendo la esencia de su pensamiento: Cada obra que se hace no es real, es la transposición al lienzo de la sensación recibida. La idea de copiar la naturaleza quedaba apartada definitivamente del ideario del pintor. ¿ Por qué no traducir al lienzo esas mismas impresiones que tienen los poetas sobre las cosas, incluso exagerándolas hasta deformar colores y formas?. Estas ideas calan en dos grupos artísticos claramente diferenciados: los nabis, liderados por Bonnard y Denis, y los fauvistas, grupo organizado alrededor de Matisse.

Matisse, Braque, Vlaminck, Derain, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y Van Dongen formaron el grupo llamado Fauvista tras el Salón de Otoño de 1905. No eran un grupo cohesionado, no tenían un "Manifiesto". Era, más bien, un sentimiento de compartir un ansia de ruptura dentro del arte. El movimiento es efímero y algunos de sus presupuestos son tomados por otras vanguardias, como el expresionismo.

Matisse ante la creciente presencia del cubismo entre los pintores de vanguardia, afirmó:
" Nosotros queremos alcanzar un equilibrio interior mediante la simplificación de las ideas y las formas figurativas".¿ Qué quería decir?

Para ellos los cuadros no debían ser decoración, orden y composición sino tan sólo EXPRESIÓN. La pintura se convierte así en la forma de desencadenar sobre el lienzo el torrente de emociones y sentimientos que tiene el artista. Es la liberación del instinto y el temperamento, que se sobrepone sobre la forma y el realismo.
Matisse pone las bases del movimiento en su cuadro Lujo, calma, voluptuosidad, de 1904.

Lujo, calma y voluptuosidad, 1904_______________________________La alegría de vivir 1905

Vlaminck desprecia el cientifismo de momentos pasados ( perspectiva, proporción, teoría de los colores,...) y acude a las explicación de su pintura a través de palabras como audacia, provocación, libertad, barbarismo,etc. Técnicamente, se caracterizan por una gama de colores muy brillante y saturada, el empleo libre y subjetivo de los colores, decorativismo de la composición más que realismo y una pincelada más cercano al post-impresionismo que a otros movimientos. Es lo que se ha dado en llamar el Naturalismo subjetivo. No rompen con las formas tradicionales de pintar -no son cubistas- pero sí alteran los colores y la composición tradicional para alcanzar una expresión totalmente personal de lo representado.

Una de las obras clave fue el retrato de la mujer de Matisse ( Madamme Matisse o La raya verde ): de vibrantes colores poco naturalistas y con pinceladas potentes, densas de materia y rápidas, casi delirantes, esta obra fue una provocación por cuanto la representación real se reconocía perfectamente. La sustitución de la nariz por una raya verde o la sombra del rostro velada al amarillo marcan el estilo del autor.



Por otro lado, Derain pintó una serie de escenas del río Támesis, que rápidamente fueron puestas en comparación con las de Claude Monet. Mientras que los cuadros de Monet son estudios de luz y atmósfera, el fondo de la obra de Derain es la alegría del color. Se vuelve a la linea como refuerzo, con el color, de las formas pero se simplifican hasta hacerse casi sintéticas o esquemáticas.



http://www.liceus.com/cgi-bin/aco/ar/05/05028.asp
http://aprendersociales.blogspot.com/2007/05/la-pintura-fauvista.html
Sobre Matisse
http://brevehistoriadelarte.blogspot.com/2009/01/henri-matisse.html
Paseo virtual por el estilo http://www.nga.gov/feature/artnation/fauve/beasts_1.shtm
http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/fauvismo.php

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