Selectividad 2007. Art attack!

Hoy, día 13 de junio, los alumnos del IES Alagón, matriculados en la asignatura de Historia del Arte y que lograron aprobar todas las materias del curso ordinario se han enfrentado a la Prueba de Acceso a la Universidad, correspondiente a la materia de Historia del Arte.

El examen tuvo dos opciones que vamos a descargar aquí con la intención de ilustrar a los alumnos de setiembre o a futuros discentes de la materia en el curso 2007-2008

OPCIÓN A

Tema: La escultura griega

Láminas sobre las que realizar un comentario artístico

El entierro del Conde de Orgaz. El Greco. Pintura renacentista española. Manierismo


La Plaza de San Pedro y la Columnata. Gian Lorenzo Bernini. Arquitectura barroca italiana


OPCIÓN B

Tema: La arquitectura y la escultura del Gótico

Láminas sobre las que realizar un comentario artístico


La casa Millá o La Pedrera. Antoni Gaudí. Modernismo organicista

El juramento de los Horacios. Jacques Louis David. Neoclasicismo francés


Por supuesto, cualquier duda o aclaración sobre los temas o los comentarios artísticos que se hayan hecho -pensando en calibrar la nota del examen- pueden ser vertidos en este foro como hemos hecho siempre y serán debidamente respondidos.

HA SIDO UN PLACER

29 DE MAYO, fin del curso regular. Ahora vienen otros tiempos, otras realidades: las pruebas de acceso a la universidad, las recuperaciones de septiembre,...

EN TODO CASO, Y PARA TODOS... HA SIDO UN PLACER
Compartir el aprendizaje de la Historia del Arte pues muchas veces me habéis enseñado cosas que desconocía,
Participar en este blog que me ha dado tantas satisfacciones tanto personales como profesionales,
Poder transmitiros mi amor por el arte, sí, sí, amor porque pocas cosas hay tan espléndidas como comprender y disfrutar del arte.

Espero y deseo haber sido capaz de transmitir esos valores. Si no he sido divertido, al menos, ameno y si no, por lo menos, riguroso y exigente. Aprender, a veces, choca con el placer.

GRACIAS.
NO CERRAMOS EL BLOG, SIGUE ABIERTO A LAS APORTACIONES DE TODOS EN CUALQUIER MOMENTO

La imagen de la semana final de curso fue...

¿ Quiénes es este autor que proviene de un movimiento que se libera completamente de los academicismos del pasado?

Carlos Melchor, apasionado participante, nos dice en el comentario...

"La imagen que observamos es una obra de K.Malévich, conocida con el nombre de "Cuadro rojo y cuadro negro", perteneciente al periodo 1914-1915, y se encuentra en el museo de arte moderno de Nueva York.

Pertenece a un movimiento denominado Suprematismo, que uno de los principales logros de la Abstracción.
Las características de este movimiento se pueden resumnir en la expresión de Malévich que dice: "El suprematismo o el mundo de la no representación"."

Efectivamente, así es. Como también comenta en algún otro momento de su comentario no podemos olvidar que el suprematismo surge en el entorno de la revolución bolchevique en Rusia y la expansión de las ideas del comunismo y su crítica a la sociedad burguesa y de clases. El Suprematismo rompe con la tradición pictórica como el Bolchevismo rompe con la tradición político-social imperante en Europa.

LA BAUHAUS O EL TRIUNFO DEL RACIONALISMO

Os recomiendo el Blog de Andrea Carolina Silva Ruíz y su artículo sobre la Bauhaus. Merece la pena leerlo, escueto pero apasionado. Realmente, ¿ quién no se apasiona ante la Bauhaus?

¿ UNA DE EJERCICIOS ?

Venga, unos ejercicios de repaso del Impresionismo y del postimpresionismo antes de empezar con las vanguardias del XX...

Test conceptual sobre Impresionismo y post-impresionismo

Reconoce las imágenes propuestas del Impresionismo y del Postimpresionismo


Los maestros impresionistas

Cézanne y los postimpresionistas

Gaugin y Van Gogh

Completa un texto sobre el Post-impresionismo

La imagen de la semana pasa fue...

Duchamp Desnudo bajando una escalera, 1912

"Podrido academicismo", decían; "Nosotros queremos glorificar la guerra, una higiene del mundo", chillaban; "Nacer, crecer, morir, esa es la fatalidad que nos guía, ... no podemos negarnos a la evolución, a la muerte"... sentenciaban; "Un cuadro es la vida misma intuida en sus transformaciones pero no fuera de él sino dentro del objeto", decían tratando de captar en todos los aspectos de la vida el movimiento incesante, la constante transformación universal frente al estatismo de la cultura occidental.

Seguidores del Dadaismo, irreverentes y burlones, amantes de lo moderno y de la ruptura tecnológica, fascistas hasta que los fascistas los rechazaron.

¿Quiénes son? ¿ cuándo y dónde vivieron?
¿ y quién es este autor y cómo se llama su cuadro?

La respuesta correcta eran los futuristas.
Balla, Boccioni, Marinetti,...son los nombres más conocidos de este movimiento. Sin embargo, la obra propuesta no es de ellos. Es Desnudo bajando la escalera, de Marcel Duchamp, autor más conocido por sus planteamientos dadaistas.

Mientras que Marinetti plasmaba sus ideas radicales más en el papel, o Balla tocaba otras manifestaciones artísticas, Boccioni se convirtió en el gran teórico de la pintura futurista. El movimiento, alentado por los fascistas italianos por su espíritu rompedor y moderno, se extinguió con la subida al poder de Mussolini y la imposición de una férrea disciplina artísitca basada en el racionalismo y en neoclasicismo de sus grandes expresiones monumentales como La Casa di Il Fascio de Guiuseppe Terragni o en Roma el EUR o barrio de la Futura exposición Universal de 1942, que nunca llegó a celebrarse.

Boccioni es quien mejor expresa la empresa pictórica y creativa de los futuristas:

" Mientras los impresionistas hacen un cuadro para captar un momento particular y subordinan la vida del cuadro a su semejanza con aquel momento, nosotros sintetizamos todos los momentos (de tiempo, de lugar, de forma y color ) y así construimos un cuadro"Boccioni Formas sucediéndose 1913

Frente al instante impresionista, el permanente devenir del objeto representado;
Frente al arte de laboratorio de los cubistas, donde la forma se descompone en múltiples realidades pero estáticas, ellos abogan por el dinamismo perpétuo de las formas...
... el infinito sucederse...

Como Boccioni llamó a su obra más famosa
Forma única de continuidad en el espacio
Lástima su prematura muerte en 1916; sin duda, su evolución artísitca y su pensamiento hubieran dado un artista de la talla de Cézanne o Picasso.

UN ANTES Y UN DESPUÉS DE CÉZANNE...

Hay un antes y un después de Cézanne. ¿Por qué?

La imagen de la semana pasada fue...

¿ Qué le ha pasado al Arte?. ¿ dónde están los temas religiosos?, ¿y el claroscuro o el tenebrismo? ¿ y la perspectiva aérea?...

¿QUIÉN HA HECHO ESTO?

Como efectivamente habéis acertado varios de vosotros es una obra de Claude Monet, pintor impresionista. Si la observamos con tranquilidad observaremos ciertos cambios en la concepción del arte que propusieron estos pintores entre 1860 y 1880.

La luz que todo lo invade en el cuadro. Cómo el sol baña el campo florido y la espalda de la mujer, cómo el cielo azul y las blancas nubes refuerzan esa sensación. El dibujo, la forma se pierden: no se individualizan ni las flores, ni el rostro de la mujer ni las formas del vestido. La luz deshace las formas y los colores sólo existen para mostrar esos cambios de luz.

La pincelada se ha vuelto rápida, fragmentada, de toques cortos y, sobre todo, los colores no se mezclan se aplican unos junto a otros para que sea el ojo humano -algo que luego llevarán al límite los puntillistas- el que conforme las figuras. Los colores son de gama cálida y muy luminosos salvo las sombras, que no son negras pues Monet rechaza la existencia de ese color pues no existe en la naturaleza.

Que tema más trivial, una mujer paseando por el campo protegida del sol por un parasol. Pero, sin embargo, que bien ha logrado trasmitirnos el placer del paseo, la satisfacción del día luminoso o el gusto por la naturaleza. Da igual quien sea ella lo que nos permite es estudiar los efectos de la luz primaveral sobre la figura humana y la naturaleza.

¿ Cuándo hemos visto colores y luces así en la historia del Arte?. Pocas, pocas. ¿ Vermeer de Delft, quizás?. Se admiten sugerencias.

La imagen de la semana pasada fue...

REMBRANDT HARMENSZOON VAN RIJN
( Leyden, Holanda. 1606 )

Efectivamente, la imagen es un autorretrato que Rembrandt se realizó cuando tenía 22 años. Para entonces, como ya decíamos en la entrada anterior, ya tenía cierta fama, daba clases de arte y pensaba en mudarse a la principal ciudad de su país. Constantijn Huygens, estadista y científico -aunque el famoso es su hijo- lo descubrió y lo presentó en sociedad.

De esta época son sus pocos cuadros religiosos pues vivió una temporada en Alemania y le seguían llegando encargos desde los Estados católicos. Esa Resurrección de Lázaro propuesta data de esa época.

Si yo tuviera que destacar tres obras suyas propondría, sin dudarlo, ...

LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DOCTOR TULP, por su curiosa composición y su extravagante tema.
LA RONDA DE NOCHE, por el uso de la luz para resaltar formas y figuras y por la arriesgada composición.
AUTORRETRATO DE ANCIANO, donde sin concesiones así mismo refleja el estudio psicológico de un hombre acabado, amargado y en sus horas finales.

1628	1629	1634	1656	1669

La opulencia, el duro trabajo y las crisis familiares le llevaron a degradar su figura hasta convertirse en un adulto prematuro. Es magnífica la evolución que hace de su propia persona a travérs de la serie de autorretratos que hace a lo largo de su vida.

La Europa no católica llegó a admirarle tanto que eclipsó a figuras como Rubens y Velázquez.

¿POR QUÉ ES EL MÁS GRANDE DE LOS PINTORES ESPAÑOLES NO CONTEMPORÁNEOS?

Todo el mundo coincide. Es el más grande. Ni siquiera Goya. Los extranjeros que vienen al Prado buscan muchos cuadros, iconos del arte occidental. Y aunque las salas de Rubens, El Bosco, Zurbarán, El Greco o Goya están siempre repletas de admirados turistas, las salas de Velázquez marcan el lleno absoluto.
Un cuadro reune siempre -como también le ocurre al Museo Nacional Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofia con el Guernika de Picasso- todas las miradas, comentarios, gestos de asombros y de satisfacción. Todo el que va al Museo del Prado, pica en ellas aunque deje cosas sin ver: Son

Las Meninas de Velázquez.

¿ Qué tienen las Meninas?. ¿Qué lo hace diferente a este cuadro?.

Tienes ojo clínico. A estas alturas, eres un profesional del Arte. Te propongo que me des ideas: "¿ Qué tienen las Meninas que las hacen diferentes a todo lo demás?". Una idea por persona y comentario. No vale repetirse. Quien primero tira acierta seguro, quien dispara el último tiene el mérito de lo enrevesado y dificil.

Ha llegado la hora de la verdad

RECORDAD QUE, EN EL PRÓXIMO EXAMEN, LAS IMÁGENES SOBRE LAS QUE REALIZAR UN ANÁLISIS ARTÍSTICO SÓLO SERÁN DE PINTURA...

HAY QUE PRACTICAR...

¿POR QUÉ NO EMPEZAR AQUÍ Y AHORA?...

Y, ...¿ PORQUÉ NO EMPEZAR CON RUBENS?...

Además de ser el principal pintor de la escuela flamenca, revoluciona con su concepción pictórica la pintura del siglo XVII. Pintor, empresario -no en vano su taller era el mayor de Europa con más de 100 pintores y artesanos empleados-, maestro - Van Dyck y Jordaens fueron sus aprendices y cuando vino a España Velázquez no paró hasta conocerlo-, estadista -empleado por los gobernadores de Flandes en tareas diplomáticas- pero, sobre todo, vividor y hombre de mundo, muestra en sus obras el placer por lo carnal y el gusto por lo cosmopolita de la vida cortesana.

OS PROPONGO QUE HAGAIS EL COMENTARIO DE
El descendimiento de la Cruz que se encuentra en la Catedral de Amberes y que el pintor realizó en 1612, tras su viaje a Italia.

La imagen de la semana previa a la semana Santa es...

Sin dudar más de uno ha respondido que este fragmento -buscado a mala idea lo reconozco- pertenece a la bóveda de la Iglesia de San Ignacio de los Jesuitas, en Roma, realizada por Andrea Pozzo o llamado también Padre Pozzo, hacia 1685.

Esta bóveda representa la consagración de las bóvedas pintadas creando la ilusión de perspectiva, llamado también perspectiva fingida. Otros autores ya habían trabajado este sistema, caso de Pietro da Cortona en la bóveda de la sala principal del Palacio Barberini en Roma, con el tema "Triunfo de la Divina providencia".

Pozzo crea toda una estructura arquitectónica arquitrabada pintada para dar sensación de profundidad. Sus figuras arremolinadas sobre las arquitecturas van ascendiendo hacia los cielos mezclándose con las nubes y formando una espiral compositiva que refuerza la sensación de perspectiva.
En todo caso si quieres saber algo más de los personajes jesuíticos y de la reprrsentación de los continentes por donde la Orden extiende la fe te propongo un enlace con Wikipedia y su página de la Iglesia de San Ignacio.