Vanguardias (IV): El surrealismo

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Salvador Dalí, "La persistencia de la memoria".

"Hemos destruido el arte, ahora hay que reconstruirlo"

Las vanguardias han puesto en cuestión todos los principios básicos del arte occidental. Abstracción, expresionismo, dadaismo, cubismo, fauvismo han roto el canón clásico para acabar cayendo, tras la Segunda Guerra Mundial, en el más absoluto y genial desorden artístico que hayan visto los tiempos.

Los intentos de crear una linea argumental nueva dentro del arte se topan con el mantenimiento a algunas ideas que han calado ya en los artistas: la ruptura con el canón clásico permite crear dentro de un rango amplísimo de posibilidades; el fracaso de los movimientos "modernos", cerrados y maniatados por una idelogía artísitca irrenunciable; el ascenso del artista a la categoría de fenómeno social de masas, creando mitos y un nuevo grupo de "academicos" del arte encastillados en el lenguaje de las vanguardias.

Este periodo histórico llamado "periodo de entreguerras", convulso por el ascenso de los fascismos y las dictaduras, del comunismo y la lucha obrera; por la llegada de guerras, menores en China, Abisinia o España y mayores, como la Segunda Guerra Mundial, apenas aporta nada innovador al conjunto de la historia del Arte. Quizás tan solo dos cosas: la profundización en ideas y conceptos anteriores, caso de la abstracción -que tendrá su auge definitivo en EEUU y en la post-guerra denominado "expresionismo abstracto"- y el desarrollo del Surrealismo.

El Surrealismo se debe en gran parte a las ideas y planteamientos de André Breton. Siempre se sintió cerca del psicoanálisis -las teorías de Freud del subconsciente y los sueños fueron constantemente explotadas-, el marxismo, el ocultismo y los principios literarios y artísticos de Rimbaud o Lautréamont.
Aunque muchos consideran este movimiento y sus ideas herederos del Dadá y su nihilismo, el Surrealismo de Breton tiene una clara organización como grupo y una construcción doctrinaria muy intensa, debida en gran parte a su creador pero también a figuras como Max Ernst o Jean Arp.

El optimismo surrealista contrastaba con la negación dadá, con su interés por la destrucción del arte. El surrealista lo que pretendía era la transformación total de la forma de pensar de la gente. Al romper los límites entre el mundo interior y el exterior, y cambiar la manera de percibir la realidad, estos artistas querían liberar el subconsciente, reconciliarlo con la conciencia y liberar a la humanidad de las cadenas de la lógica y la razón, las cuales habían llevado al mundo a la guerra y la dominación política.

El surrealismo, como idea o modelo, fue muy atrayente para muchos artistas. Muchos cayeron en el llamado surrealismo "orgánico" como Miró o Arp mientras que el más conocido fue, sin duda, el surrealismo "onírico" de Dalí, Magritte o Tanguy.

Max Ernst, Man Ray o Jean Arp, inicialmente



Ernst, Nadador ciego, cuadro clave en el movimiento

André Masson, Joan Miró o Yves Tanguy, en la siguiente generación



Y, a finales de los veinte y en los treinta ... Salvador Dalí, Magritte o Alberto Giacometti

Salvador Dalí, El gran Masturbador

Tras ver este brevísima muestra del surrealismo, podemos afirmar que hay artistas que beben de las nuevas concepciones de los movimientos de vanguardia anteriores, como son los casos de Giacometti, Arp o Miró pero que ahy otros que no renuncian ha mantener el canon clásico artístico, como ocurre en los significativos casos de Salvador Dalí o Magritte.

El surrealismo se convirtió en un movimiento mundial en la década de los años 30, invadiendo la fotografía, el cine y las artes escénicas. Se convirtieron en un arte "popular" gracias a las grandes exposiciones de Bruselas, París o Nueva York. Al estallar la II guerra mundial, la mayoría de artistas emigraron a EE.UU. pero la fuerza de la abstracción o del existencialismo de Sartre acabaron con su importancia.

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Vanguardías (III): la Abstracción

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Una serie de pintores no aceptan los presupuestos cubistas y del expresionismo alemán del movimiento Die Brücke. Hay un rechazo de esas vanguardias que aun son "esclavas" de la forma y del medio para lograrla, como el cubismo pero también rechazan desencadenar los instintos sobre el lienzo sin más, como presuponía el expresionismo. 

Lo que emerge cuando Kandisky publica uno de los libros más influyentes en la historia del arte "De lo espiritual en el arte" es una nueva fórmula artística, que supera todo lo anterior: se trata de hacer vibrar la secreta esencia de la realidad del alma, actuando sobre ella con la pura y misteriosa fuerza del color liberado de la figuración naturalista. 

Estamos ante los orígenes de la abstracción. La abstracción es un movimiento de largo recorrido (aún sigue existiendo), caracterizado por sus múltiples expresiones ( desde el geometrismo al lirismo) pero que tiene como nexo de unión entre sus seguidores el rechazo del figurativismo, de la copia de la naturaleza o de la reproducción fiel y verosímil de los objetos, buscando la esencia estructural, cromática y formal de lo representado. 

Es la primera vez que en la historia del arte se abandonan conceptos vinculados a la pintura desde sus orígenes como la búsqueda del realismo, la perspectiva o el volumen tridimensional para ser sustituidos por un nuevo lenguaje artístico, una nueva iconografía en donde el artista crea sus propios valores, no siempre entendibles por el que contempla la obra de arte. 

Kandinsky, Marc, Kubin, Gabriella Münter y, posteriormente, Macke crearon en 1911 el grupo Der Blaue Reiter (el jinete azul). El grupo duró poco. Su última exposición fue en 1914. La Guerra partió con dureza al grupo, muriendo en el conflicto Marc y Macke.

Caballos azules, de Marc (1911)

Joven de chaqueta amarilla, de Macke (1913)

En su primera exposición en Münich, en 1911, se expusieron más de 300 obras y varios manifiestos donde se establecían sus presupuestos básicos:

. el claro y nítido divorcio entre la sociedad y el arte, la voluntad de no reflejar el mundo como los expresionistas sino de aislarse de él. 

. la búsqueda de lo espiritual de la naturaleza, del Yo interior, de la verdad del alma. Es casi una concepción mística del arte. Se trata de alejarse definitivamente  de gusto por lo real, de purificar y liberar de ataduras los sentimientos artísticos del artista. 

Macke decía en uno de esos manifiestos:

" (...) la apariencia siempre es chata pero alejadla, alejadla completamente de vuestro espíritu -imaginad que ni vosotros ni vuestra imagen existieran- y el mundo permanece en su auténtica forma, y los artistas intuimos esa forma..."

Estas ideas calaron en otros autores de la época que estaban a la búsqueda de nuevas síntesis artísticas o nuevas ideas, personajes claves en años posteriores como Mondrian, Klee, Malévich o Larionov. 

Esto va a provocar después de la Primera Guerra Mundial una primera división del estilo entre lo que llamamos la abstracción geométrica (Mondrian, Malévich) y la abstracción lírica (Kandisky, Klee).

Sin duda, Kandinsky va más allá y lleva los presupuesto de Die Blaue Reiter a su extremos, liberándolos definitivamente de la forma.

Composición nº 7 , de Kandinsky (1913)

Composición nº 8, de Kandinsky (1923)

Una de las preocupaciones de todo el estilo es la importancia del color. "Es la tecla del alama" decía Kandinsky. Van a elaborar una compleja teoría del color, una reinterpretacion de sus valores cromáticos, símbólicos y compositivos. Es lo que ellos llamaban la "simbología psicológica de los colores". No hay relación ni con la ciencia positiva, ni con la realidad cromática.

Kandinsky también introduce en su teoría la noción del movimiento de los colores mismos; movimientos horizontales, centrífugos, centrípetos. El dinamismo de los colores, la representación en el lienzo del color está unida a la forma. Es su única concesión a la realidad. 

La obra de arte, en fin, se convierte en un mundo en sí mismo, en un universo autónomo con leyes propias: ya no es el equivalente de la realidad o de un contenido preexistente, sino que ella misma es un contenido nuevo y original, una nueva forma del ser, la cual actúa en nosotros a través de la vista, suscitando en nuestro interior vastas y profundas "resonancias espirituales", es decir, sensaciones artísticas.

Una de las derivaciones de estas ideas, hacia el geometrismo y la plasticidad de los colores y las líneas desemboca en un nuevo grupo a finales de la década de 1910  llamado Der Stijl. Sus principales seguidores son Piet Mondrian y Theo van Doesburg. 

Composición C, Mondrian (1920)

Composición. Mondrian (1930).

Theo van Doesburg. Contracomposición (1923)

Los rusos se apuntan gracias al nuevo poder soviético a un estilo también muy geométrico y altamente minimalista como es el Suprematismo. Malévich, El Lissitzky, Popova, Pevsner o Gabo son referentes internacionales de la abstracción hasta que el comunismo stalinista impone en Rusia el realismo social, hacia 1927.

Cuña roja golpea sobre blanco. El Lissitsky (1923)

Círculo negro. Malevich (1915)

Kandisky y Klee trabajan durante los años 20 para la Bauhaus en Alemania pero la llegada de los totalitarismos desdibujan el movimiento en Europa. Muchos de sus seguidores huyen a EE.UU y van a recrear allí sus ideas que influyen de forma decisiva en toda una generación de artistas americanos.

Así, la abstracción crea, a partir de 1940, dos grandes grupos en América: el Action-painting con Jackson Pollock y Walter de Kooning y el Colour-Field painting con Mark Rothko y Barnett Newmann.

One. Nº 11. Jackson Pollock. (1950)

Mark Rothko, Sin título. (1949)

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Vanguardias II: Descomponemos la forma. El cubismo

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Picasso___________________ Braque________________ Léger______________ Juan Gris

¿ Qué es el cubismo?

Es la primera gran vanguardia artística europea, por cuanto son los primeros que se plantean la destrucción absoluta del canón clásico heredado del Renacimiento y del Barroco. Son, además, los primeros que comprenden e interpretan las lecciones sobre la esencia y el valor de los objetos representados que ya desarrolló Cézanne en sus "Jugadores de cartas" o en sus diferentes representaciones de la "Montaña de Santa Victoria". Por encima de los demás, destacan Picasso, Braque y Léger.


 __ Cézanne mostró el camino a los cubistas

Sin duda, la retrospectiva que se hizo en 1907 de la obra de este autor les impresionó vivamente. Si hay que poner fecha de inicio al Cubismo, casi todo el mundo pone 1906-7 y lo vinculamos a las Demoiselles d'Avignon de Picasso. Nada parecido se había hecho hasta ahora:

Se ha destruido la forma tradicional de representar a los objetos. Fin, pues, al figurativismo y al color real; la perspectiva se ha quebrado, y con ella, las formas se han descompuesto y fragmentado en volúmenes escondidos unos y marcados otros. Lo que Picasso inició con este retrato de grupo lo completa y define a partir de 1909 en sus paisajes de Horta de Ebro. Braque, inmediatamente, sigue a Picasso. Léger hace lo mismo en 1910.


Discos en la ciudad. Fernand Leger___________Horta de Ebro. Picasso

Así pues, la gran novedad del Cubismo no se centra como los Fauvistas en el color sino en el volumen, la estructura de los objetos y su representación en el espacio. Reaccionaron contra el impresionismo y contra el fauvismo... reaccionaban contra la espontaneidad cromática.
De hecho, la monocromía suele presidir sus cuadros mientras que los objetos se rompen en múltiples planos, analizando todas sus posibles formas espaciales. En la línea de las nuevas tendencias filosóficas fenomenologistas ( Husserl ), los cubistas fijaban en la tela todas las posibles facetas del objeto en su variada e ininterrumpida sucesión de apariencias y signos. Trataban de superar el conocimiento relativo del objeto que ya habían trabajado los impresionistas para llegar al conocimiento absoluto del mismo. Hay dos momentos en el cubismo:

Cubismo analítico, a finales de 1909. Planos simples y anchos que rompen el objeto, lo desmenuzan, lo analizan en todas sus posibilidades. Monocromía.

 
Picasso, Chica con mandolina, 1910________________Retrato de A. Vollard 1910

Cubismo sintético, a finales de 1912. El elemento fundamental de este estilo es la recomposición libre de la imagen del objeto analizado y descompuesto anteriormente. No sujeto a las reglas de la imitación, el autor modela y nos muestra su verdadera fisonomía esencial. Si Cézanne viviera, ¡seguro hubiera besado y abrazado llorando a Picasso!. Juegan con los collages, con texturas y volúmenes que sobresalen el lienzo y le dan corporeidad.

"El objeto ya no es despedazado/analizado en multitud de planos, sino que el objeto empieza a ser sintezado en sus formas esenciales y volverá a ser fácil de descifrar. La entrada en el cuadro de materiales extrapictóricos permite dar a cada superficie una estructura más simple y una textura mucho más variada. La utilización de peródicos recortados, con sus textos, imprime un nuevo efecto casual al cuadro, que será aprovechado pocos años después por el Dadaísmo y sus juegos con el azar. En cuanto al color volverá recuperarse progresivamente la variedad cromática." (Algargosblog)

 


Picasso, Guitarra, 1912 _____________________________ Braque, Mujer con mandolina, 1912

Y Picasso, cuando llega la I Guerra Mundial, ¿sigue siendo cubista?.

Quizás la etapa cubista, entre 1907 y 1914, sea la más apreciada el el mundo no profesional de la historia del arte; sin embargo, Picasso va mucho más allá... Es técnicamente un ecléctico y, artísticamente, está obsesionado con el Hombre y su destino...Pero esto será motivo para otro post.

El cubismo se agota. O, al menos, el cubismo como fuerza expresiva principal. La I Guerra Mundial marca un cambio cultural y psicológico en el arte de tal calibre que ya nada volverá a ser igual. Este periodo estará marcado por el expresionismo y la abstracción.

Para completar y repasar....

Excelente entrada del blog Algargos, arte e Historia con un slide de repaso muy bueno y un texto adecuado.
http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2009/09/15/pablo-picasso-del-cubismo-anal-tico-al-cubismo-sint-tico-19

http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/cubismo.php

Una galería de cubismo para repasar
http://picasaweb.google.es/socialesweb/77Cubismo#

Vanguardias I: "Les fauves" del color

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Vlaminck, Paisajes con árboles rojos, 1906____________________ Henri Matisse, Armonía en rojo, 1908

Paul Gaugin dijo a comienzos de 1888 a los miembros del grupo de Port-Aven: "¿Cómo veis este árbol?, mirando un rincón del bosque de Amour, " ¿Verde?. Entonces poned verde, el verde más bello de vuestra paleta. ¿Y esta sombra?, ¿más bien azul?. Entonces no tengáis reparo en pintarla con el azul más intenso posible...".Les estaba descubriendo la esencia de su pensamiento: Cada obra que se hace no es real, es la transposición al lienzo de la sensación recibida. La idea de copiar la naturaleza quedaba apartada definitivamente del ideario del pintor. ¿ Por qué no traducir al lienzo esas mismas impresiones que tienen los poetas sobre las cosas, incluso exagerándolas hasta deformar colores y formas?. Estas ideas calan en dos grupos artísticos claramente diferenciados: los nabis, liderados por Bonnard y Denis, y los fauvistas, grupo organizado alrededor de Matisse.

Matisse, Braque, Vlaminck, Derain, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y Van Dongen formaron el grupo llamado Fauvista tras el Salón de Otoño de 1905. No eran un grupo cohesionado, no tenían un "Manifiesto". Era, más bien, un sentimiento de compartir un ansia de ruptura dentro del arte. El movimiento es efímero y algunos de sus presupuestos son tomados por otras vanguardias, como el expresionismo.

Matisse ante la creciente presencia del cubismo entre los pintores de vanguardia, afirmó:
" Nosotros queremos alcanzar un equilibrio interior mediante la simplificación de las ideas y las formas figurativas".¿ Qué quería decir?

Para ellos los cuadros no debían ser decoración, orden y composición sino tan sólo EXPRESIÓN. La pintura se convierte así en la forma de desencadenar sobre el lienzo el torrente de emociones y sentimientos que tiene el artista. Es la liberación del instinto y el temperamento, que se sobrepone sobre la forma y el realismo.
Matisse pone las bases del movimiento en su cuadro Lujo, calma, voluptuosidad, de 1904.

Lujo, calma y voluptuosidad, 1904________________________________________La alegría de vivir 1905

Vlaminck desprecia el cientifismo de momentos pasados ( perspectiva, proporción, teoría de los colores,...) y acude a las explicación de su pintura a través de palabras como audacia, provocación, libertad, barbarismo,etc. Técnicamente, se caracterizan por una gama de colores muy brillante y saturada, el empleo libre y subjetivo de los colores, decorativismo de la composición más que realismo y una pincelada más cercano al post-impresionismo que a otros movimientos. Es lo que se ha dado en llamar el Naturalismo subjetivo. No rompen con las formas tradicionales de pintar -no son cubistas- pero sí alteran los colores y la composición tradicional para alcanzar una expresión totalmente personal de lo representado.

Una de las obras clave fue el retrato de la mujer de Matisse ( Madamme Matisse o La raya verde): de vibrantes colores, poco naturalistas y con pinceladas potentes, densas de materia y rápidas, casi delirantes, esta obra fue una provocación por cuanto la representación real se reconocía perfectamente. La sustitución de la nariz por una raya verde o la sombra del rostro velada al amarillo marcan el estilo del autor.



Por otro lado, Derain pintó una serie de escenas del río Támesis, que rápidamente fueron puestas en comparación con las de Claude Monet. Mientras que los cuadros de Monet son estudios de luz y atmósfera, el fondo de la obra de Derain es la alegría del color. Se vuelve a la linea como refuerzo, con el color, de las formas pero se simplifican hasta hacerse casi sintéticas o esquemáticas.



Para estudiar sus características principales:
http://www.liceus.com/cgi-bin/aco/ar/05/05028.asp
http://aprendersociales.blogspot.com/2007/05/la-pintura-fauvista.html

Para ver obras del movimiento:
http://perspectivaerea.blogspot.com/2010/10/vanguardias-artisticas-ii-fauvismo.html

Sobre Matisse
http://brevehistoriadelarte.blogspot.com/2009/01/henri-matisse.html

Paseo virtual por el estilo
http://www.nga.gov/feature/artnation/fauve/beasts_1.shtm
http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/fauvismo.php

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La imagen de la semana...

DIOS MIO, ¿ESTARÉ SOÑANDO? 

¿QUIÉN HA CREADO SEMEJANTE ENGENDRO ARTÍSTICO?

¿Podrías relatarme en 150 palabras qué demonios es este "estilo" y quiénes crearon semejante "cosa"? ¿Hay una explicación plausible y razonable para crear esto?

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El arte desatado ...

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LA BALSA DE “LA MEDUSA”

 (reelaborado de art en línia y wikipedia )

La Balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse) es una pintura al óleo hecha por el pintor y litógrafo francés del Romanticismo, Théodore Géricault entre 1818 y 1819. La pintura se terminó cuando el artista tenía únicamente 27 años, el trabajo se convirtió en un icono del Romanticismo francés. Es una pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)

Su obra más famosa es La balsa de la Medusa, tema sacado de un acontecimiento próximo que había polarizado a la opinión pública. 

Se trata de la pérdida de la fragata Medusa, enviada al Senegal por el gobierno francés el 1816 bajo el mando del conde de Chaumareix, oficial de la armada, inactivo durante 25 años, y a cuya incompetencia se atribuía el desastre. Al producirse el naufragio, el capitán y los oficiales hicieron uso de las barcas salvavidas y abandonaron a su suerte a la marinería, a la que consideraban socialmente inferior; un grupo de 149 personas improvisó una balsa y recuperó de las aguas algunos barriles de vino, y se vieron obligados para subsistir a prácticas de canibalismo (el hacha ensangrentada -en la parte inferior derecha de la balsa- es la única referencia al canibalismo descrito por los supervivientes). Sólo 15 individuos sobrevivieron cuando la balsa fue encontrada por la fragata Argus, semanas después. Otros cinco murieron al tocar tierra. Es, pues, un cuadro de historia contemporánea construido sobre un hecho real que había estremecido a la opinión pública; el pintor se convierte, pues, en intérprete del sentimiento popular. "Ni la poesía ni la pintura podrán jamás hacer justicia al horror y la angustia de los hombres de la balsa" afirmaba Géricault.

La paleta es muy reducida, va del beis al negro pasando por los tonos pardos claros y oscuros. Consigue, de este modo, una atmósfera de tonos cálidos con colores armonizados que produce una impresión dramática de angustia y desamparo. El color dominante es el beis oscuro y apagado. Sin embargo, existe un elemento que se destaca del resto por su color: se trata de la estola rojiza que lleva el anciano que sujeta un cadáver con la mano, en la parte izquierda inferior del cuadro.

El romanticismo se caracteriza por una pincelada suelta y unos contornos imprecisos, como es el caso de este lienzo.

En cuanto a la forma y ejecución de las figuras, buscando mayor autenticidad, visitó hospitales para trazar minuciosos estudios de enfermos y moribundos, y se llevó a su estudio diversos miembros humanos procedentes del depósito de cadáveres. Pero su realidad es más poética que fotográfica: aunque mandó instalar en su estudio una reproducción de la balsa a tamaño natural y figuras de cera para moverlas a su antojo, sus náufragos no son los macilentos desdichados que lograron sobrevivir, sino los vigorosos desnudos de Miguel Angel, a quien estudió en Italia (1816-1818).

Parte de la energía de esta obra nace del movimiento de las figuras: los brazos en escorzo señalando la dirección del Argus, la emoción reflejada en los rostros y gestos de los supervivientes, las manos juntas del hombre con los cabellos peinados por el viento... Pero también de las fuerzas de la naturaleza: la vela remeda la forma de la gran ola del fondo, y con ello la agiganta y la resalta (la vela hinchada y la violencia del mar recalcan el poder destructor de la naturaleza), los cúmulos de la izquierda repiten las formas de las tumultuosos olas que se encrespan debajo.

 

Organiza la composición formando dos pirámides. La primera la dibujan los vientos que sostiene la vela. La segunda está formada por las figuras inferiores de los muertos, que serían su base, y se alzaría, pasando por los enfermos y moribundos, hasta la figura de la cúspide, que cobra nuevas energías ante la perspectiva del rescate. El Argus, gemelo de la Medusa, es sólo un punto minúsculo en el horizonte y hay que forzar la vista para divisarlo, como les ocurre a los náufragos; su tamaño diminuto intensifica el dramatismo del momento, ya que entra en lo posible que el buque se aleje como ya había ocurrido una vez.

En el segundo decenio del siglo XIX empieza la crisis del Neoclasicismo, arte oficial del Imperio. Géricault se separa bruscamente del clasicismo de David, pero no es el único; también Ingres se aleja de él, aunque en dirección opuesta. Ingres se identifica con Rafael o Poussin y camina por la vía del idealismo clásico-cristiano abierta por Canova; Géricault se identifica con Miguel Angel y Caravaggio, vive intensamente la desesperada experiencia de Goya, abre audazmente la vena del realismo que, a través de Daumier y Courbet llegará, con Manet, a las puertas del impresionismo.

Los temas de Géricault son caballos, corriendo o en batallas, soldados y combates, máscaras lunáticas de locos, cabezas de guillotinados. El motivo dominante de su poética es la energía, la fuerza interior, la furia que no se concreta en ninguna acción definitiva e histórica (recordemos que al mismo tiempo y el mismo motivo domina la poética de Balzac). Sus motivos colaterales son la locura, como última dispersión de la energía más allá de la razón, y la muerte, como brusca ruptura de la corriente energética. Al disponer de ingresos propios, Géricault fue un nuevo tipo de artista. No precisaba encargos y se sentía libre de elegir los temas que más le interesaban.

Al seleccionar esa tragedia como el tema de su primer trabajo importante —una descripción (la cual no le fue encargada) de un evento reciente en esa época— Géricault conscientemente seleccionó un incidente muy conocido que pudiera generar un gran interés público y al mismo tiempo que pudiera ayudarlo a comenzar su carrera. El evento en sí fascinó al artista, y antes de comenzar a trabajar en la pintura final, emprendió una investigación intensa y produjo muchos bocetos preparativos. Entrevistó a dos de los supervivientes, y construyó un modelo detallado a escala de la balsa. Su empeño le llevó a ir a morgues y hospitales donde pudiera ver de primera mano el color y la textura de la carne de las personas agonizantes y de las que estaban muertas. Como el artista había anticipado, la pintura probó ser altamente polémica en su primera exhibición en el Salón de París de 1819, atrayendo elogios apasionados y condenas por igual.

Una versión "moderna" encontrada en la red

Gonscini y Uderzo no se pudieron resistir

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