Locus amoenus. El Arte por el arte

Un paso más en la vulgarización del Arte

2012-02-07T01:21:00.000+01:00

Ha muerto Antoni Tápies, uno de los últimos símbolos de la abstracción pura en España. Con su marcha, la abstracción de finales del siglo XX pierde uno de sus iconos fundamentales.

Lo peor de su muerte no es su ausencia, lo peor es el vacio de pensamiento artístico, de reflexión que sobre el hecho del Arte deja tras de sí. Hoy se pinta pero las artes plásticas han perdido la fina línea que las unía con la intelectualidad crítica y militante.

Un pequeño recuerdo con unas pocas imágenes...Aún recuerdo su retrospectiva en el Centro Nacional de Arte Reina Sofía del año 2000...una maravilla.

El detalle como conquista de la realidad...

2012-01-29T14:19:00.000+01:00

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DETALLE, DETALLE, DETALLE, detalle,detalle, detalle

Hasta el más mínimo detalle.

¿ Has llegado a comprobar alguna vez hasta qué punto los pintores flamencos trabajaban con detalles microscópicos dentro de sus cuadros?Desde paisajes a personas; desde objetos a figuras; brocados y joyas; ropas y mantos, animales de compañía y flores, todo está al alcance de esos pinceles, de esa mirada observadora que busca la realidad como reflejo del pujante fuerza de la sociedad flamenca.

Deslumbrados por el renacimiento italiano, olvidamos que al comparar un Van Eyck y un Massaccio, el genio italiano sale... claramente perjudicado.
La explosión artística flamenca (Jan y Hubert Van Eyck, Robert Campin, Dierick Bouts, Petrus Christus, Van der Weyden, Hans Memling, Gerard David, Hugo van der Goes, El Bosco,...) no tiene parangón en Europa, quizás tan sólo el inmediato Cinquecento italiano con figuras como Leonardo, Miguel Angel o Rafael de Urbino.Te ofrezco un grupo de imágenes, de detalles de grandes cuadros flamencos... ¿Serías capaz de decir la obra y el autor de cada uno de los detalles empezando por "la imagen de la semana"?

Un ejemplo.
Detalle del espejo en el "Matrimonio Arnolfini" de Jan van Eyck. 1434

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El salto a la pintura moderna...

2012-01-29T14:08:00.001+01:00

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Vamos a ver la pintura del siglo XV. ¡ Qué siglo este!. Cuantas novedades en el arte y, sobre todo, en la pintura. ¡Cuántos nombres asociados a la vanguardia, a la innovación, a la representación del Hombre y su realidad!!

EnseñArte nos ofrece un powerpoint en su justo término y excelente como para plantear el tema y para repasar.

PRIMITIVOS FLAMENCOS

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TomPerez nos ilustra con una de sus maravillosas presentaciones. La introducción sobre las innovaciones del estilo no tiene desperdicio.

La Escuela De Los Primitivos Lamencos

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Giotto, un adelantado a su época...

2012-01-26T17:18:00.002+01:00

Dice la leyenda -porque seguro que es leyenda- que Cimabue, el maestro florentino, paseaba por el campo cuando vio a un pastorcillo que pintaba ovejas con una tiza sobre una piedra lisa. Se acercó y vio un dibujo tan bien hecho, tan real que no dudo en convencer al padre del muchacho para llevarselo a su taller como aprendiz.

Sea o no sea Giotto di Bondone un autodidácta o un producto de la genética impertinente, lo cierto es que es un rayo de luz en el ambiente pictórico de la Italia del siglo XIV. Hasta ahora nos movíamos entre una pintura bizantinizante, con rasgos y hechuras antiguas, a veces, casi románicas donde destacaban el Duccio o el propio Cimabue.

Maestá de Cimabue, 1280

Maestá de Ambroggio Lorencetti, 1330

Lejos tampoco las cosas iban mejor: en Borgoña o en Bohemia, en sus cortes, o en la Barcelona comercial de esta época, los autores eran hombres refinados, decantados por el detalle, el color y la delicadeza propia de las miniaturas de los beatos mediavales. La pintura gótica llamada Internacional fracasó en la búsqueda del espacio y del realismo, igual que los italianos.

Giotto, el sólo, revoluciona el arte y nos ofrece todo un conjunto de soluciones que, apreciadas con cierto escepticismo en su tiempo, serán practicadas y seguidas durante el renacimiento, 100 años después de él.

¿Qué tiene de revolucionario?

Sobre todo que el Hombre, sus sentimientos y pasiones, se convierte en la intención fundamental de su pintura. Por eso, el realismo y la vitalidad empapan los temas religiosos hasta ahora tratados con el esquematismo y la majestad propia de lo divino.

Desarrollo de la escena o de las figuras dentro de un marco arquitectónico o de un paisaje con un cierto grado de perspectiva

Realismo en las figuras conseguido a base de grandes volúmenes corporales, donde aparece por primera vez complejos juegos de luces y sombras logrados con variaciones tonales.

Giotto alcanza expresiones en las figuras nunca antes vistas: dramatismo, conflicto de sentimientos, tono trágico, y lo logra no sólo a través de los rostros sino de las expresiones corporales.

El individuo, el Hombre vuelve a tomar papel fundamental en el Arte. Las figuras mantienen relaciones reales.

Abundantes recursos pictóricos y compositivos nuevos: figuras de perfil, en scorzo, de espaldas; superposición de figuras, perspectiva; composiciones organizadas alrededor de una línea o una figura,...

Por tanto, alejamiento definitivo de la tradición bizantina y del románico para crear un lenguaje nuevo que prefigura el Renacimiento.

Sluter, Van Eyck, Masaccio...quiniela ganadora

2012-01-23T22:17:00.000+01:00

Qué conjunción estelar, qué hilo tejido por las parcas, qué cruce del destino hizo que hacia 1400 se juntaran en diferentes partes de Europa tres artistas que marcaron un antes y un después en el arte occidental. Siempre ha habido momentos en los que artistas geniales han coincidido en el tiempo: Leonardo, Miguel Angel y Rafael; Rubens, Velázquez y Rembrandt o Cezanne, Van Gogh y Gauguin.

Pero estos que nos ocupan y van a ocupar en posteriores entradas marcarán el inicio de una tendencia que va a preocupar a los artistas de los siguientes siglos: representar la realidad, alejándose definitivamente de las creencias, planteamientos y modelos medievales.

Estos "modernos" son, en escultura, Claus Sluter que nos ha ocupado en clase esta semana y los pintores Jan van Eyck y Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai, llamado Masaccio.

Volúmenes corporales, realismo casi naturalista, perspectiva y tridimensionalidad o el uso de la luz para modelar son algunas de las aportaciones que rompen con la tradición medieval y ponen las bases del futuro Renacimiento.

La más famosa obra de Claus Sluter que ha llegado a nuestros días es el Pozo de Moisés (1395–1403), creado para el claustro de la Cartuja de Champmol. En principio, era un calvario monumental para el claustro, con seis figuras de profetas en la base de la fuente: Moisés, David, Jeremías, Zacarías, Daniel e Isaías y, sólo como fragmento, la Crucifixión. Parece que la obra se basó en la idea de la fuente de la vida (fons vitae). Las esculturas aparecen totalmente liberadas del marco, además de estar dotadas de un naturalismo extremo. Los tipos humanos son corpulentos, de volúmenes rotundos y gran monumentalidad. Esto se debe en parte a la forma de esculpir los ropajes, que tiene un caracter pesado y voluminoso con pliegues gruesos y profundos, muy peculiar del maestro. Es característica también la forma de captar las expresiones, convirtirtiendo las esculturas en auténticos retratos.
(tomado de wikipedia)

PD: el tandem Giotto-Nicola Pisano medio siglo antes también tenía tirón y a mi me mola...

La Cartuja de Miraflores, la Sixtina de la escultura gótica castellana

2012-01-21T21:18:00.003+01:00

Es difícil imaginarse que, tras las pareces de ese edificio tan simple de obra gótica, esté uno de los conjuntos escultóricos más sorprendentes del tardogótico castellano, el estilo isabelino.

Juan II de Castilla y la reina Isabel financian a las afueras de Burgos la reconstrucción de la cartuja de Santa María. Reunen allí a lo que podríamos considerar el grupo más impresionante de artistas que trabajan en ese momento en la península: Juan y Simón de Colonia para la construcción, Gil de Siloé para la talla del retablo central y los sepulcros reales, Diego de la Cruz para el estofado y el policromado y una pintura de Pedro Berruguete. Ahí es nada. Es más que probable que la reina quisiera honrar la memoria de su padre a la vez que despreciar el recuerdo de su hermano Enrique creando un conjunto funerario inigualable hasta entonces. Más de 1.500.000 de maravedies -una fortuna, os lo aseguro- costó el empeño personal de la Reina. A mi modesto entender, la talla y el entorno arquitectónico de la Capilla Real de Granada, sepulcro de los Reyes Católicos, es tan impresionante, si no más, que esta que tratamos.

Contemplando el retablo podemos entender algunas de las principales características del estilo arquitectónico-escultórico del estilo Isabelino.

Horror vacui sí pero siguiendo unos esquemas compositivos muy precisos, basados en un diseño geométrico. El retablo está dividido en dos rectángulos que siguen casi fielmente el número aureo. En el rectángulo superior hay un gran círculo, una rueda de ángeles que es tangente a los dos lados del rectágulo. Dentro, una crucifixión que es, en realidad, un triángulo inscrito: los brazos y el cuerpo de Cristo dividen la superficie en tres secciones iguales. Enmarcando al crucificado, cuatro círculos que representan escenas de la pasión y fuera del mismo, cuatro circulos tangentescon los evangelistas.

La profusión de decoración es otro rasgo del estilo. Uno se fija y en cada rincón, en cada transición entre una escena y otra, en cada espacio aparece una figura, un elemento decorativo vegetal o geométrico que hicieron, junto con su coste y tamaño, uno de los ejemplos más depurados del gusto decorativo de la época. Pináculos, doseletes, círculos vegetales, putis, emparrados, tracería gótica y, sobre todo, ese color azul turquesa perfectopara dar un toque diferente al estofado aureo.

La constante presencia de la Monarquía, mecenas e inspiradora de este estilo es patente en la obra como en casi todas las obras del estilo isabelino: destaca en la base del conjunto las figuras de Juan II y de la reina Isabel de Portugal y los árbloes genealógicos de ambos rellenando con delicadez la base del conjunto.

La presencia del realismo pero la ausencia de un total naturalismo sacrificado tanto por la intensidad de los conjuntos escultóricos y relieves como por las necesidades del espacio arquitectónico. Son figuras realistas, proporcionadas, pero les falta ese toque renacentista que en pocos años van a tener las esculturas de Berruguete o de Juan de Juni. Casi más parecen cercanas al Gótico Internacional, al gusto del norte de Europa y no tanto a las formas heredadas de Sluter y el estilo navarro-borgoñón. La factura general es magnífica pero en acabado de cada escultura tiene un punto tardomedieval que las aleja del realismo naturalista de las obras de años posteriores.

Un profundo simbolismo y detallismo a lo largo de todas las escenas. Caso a destacar el del pelícano que representa la muerte como redención pues el pelícano se pica y muere al dar su sangre a sus crias o la rueda de ángeles que representa la ostia sagrada que se hacen uno con el Salvador.

Un magnifico y mucho más detallado estudio lo podéis encontrar en Algargos, Arte e Historia, de Alfredo García o ya para entendidos en los cuadernos de restauración de Iberdrola.

Gil de Siloe y el retablo de la Cartuja de Miraflores, Burgos.

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El sepulcro de Juan II de Castilla y de su segunda esposa está realizado en alabastro. Tiene planta octogonal en forma de estrella de ocho puntas. Los vértices de la estrella de ocho puntas que da forma al sepulcro están adornados con figuras alegóricas, imágenes de santos, apóstoles y, en las esquinas mayores del sepulcro aparecen las imágenes sedentes de los cuatro evangelistas. Completan la abundante decoración del sepulcro, tanto en torno al lecho mortuorio como en el soporte de la estrella, una serie de escudos reales, figuras de animales, decoraciones vegetales y motivos arquitectónicos. El zócalo que separa el sepulcro del suelo está decorado con figuras de animales y motivos vegetales.

Me gustaría comantar algo sobre ambas figuras de los reyes.

La estatua yacente representa al rey Juan II de Castilla con su cabeza coronada descansando sobre dos almohadones, y vuelta ligeramente hacia el exterior. El rey está cubierto con un rico manto y adornado con numerosas joyas. La estatua yacente representa a la reina Isabel de Portugal con su cabeza coronada descansando sobre dos almohadones, y vuelta ligeramente hacia el exterior. La estatua yacente muestra a la reina más recostada que su esposo, y apoyando ligeramente el peso de su cuerpo sobre su brazo izquierdo. La reina viste ropa larga hasta los pies con sobretúnica, y el manto con el que se cubre está adornado con aljófares y pedrerías.

Ambas muestran la calidad escultórica de Gil de Siloé. Siloé conoce el gusto por la factura borgoñona que se ha impuesto en castilla desde inicios del siglo. Las figuras son tremendamente realistas y naturalistas. Son magníficos retratos de ambos monarcas con sus defectos y rasgos personales. En cambio, el tratamiento de los cuerpos, oculto por los ropajes, está más idealizado. Sus pliegues son poderosos, casi acartonados, algo irreales por su fuerte carácter escultórico, sobre todo, en el caso del Rey. Igualmente, nada hay en la factura de todo el sepulcro que desmerezca la factura de los monarcas: todo está reproducido y tallado con un esmero y una delicadera propia del orfebre más que del escultor.

Un reportaje fotográfico magnifico lo podeís encontrar en La muerte os sienta tan bien.

La restauración del conjunto en los años 2006 y 2007 permite ver esta maravilla con todo el esplendor del siglo XV.

Sepulcro del Infante Alfonso, hermano de Isabel de Castilla

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La imagen de la semana es...

2012-01-15T21:36:00.000+01:00

Cuando aparcas el coche en el parking subterráneo cercano y accedes a la plaza de la Catedral, lo primero que te impresiona es su tamaño y lo complejo de su estructura y decoración. Si el día es luminoso y despejado, el color biege amarillento y grisáceo de la fachada se recorta magnífico contra el cielo azul.

Cuando te vas acercando, lo siguiente que te sorprenden son esos inmensos gabletes que coronan su portada. Parece que señalen el Cielo y le dan un especial esplendor a la portada.

Más cerca, el asombro no tiene límites por cuanto no puedes dejar de mirar hacia arriba. Sus rectas líneas parecen perderse en el infinito azul que las rodea.

Pero, de repente, hay algo que llama la atención. Acostumbrado al pórtico de la Gloria -fueron muchos años viviendo en Santiago...- las figuras de las jambas emanan un encanto especial. Es el nuevo gusto gótico. Tras 800 años de esquematismo y antinaturalismo, vuelve el amor por la obra bien hecha, el gusto por el realismo y el detallismo, alejándose de es expresionismo y estilización anterior que, ala vista de estas imagenes, nos parece hasta cómico. El arte se vuelve a humanizar: el Hombres es la máxima creación de Dios y, como tal, debe de ser representado en su perfección.

Esa sonrisa...Lo cierto es que la figura transmite una buena nueva, la mejor de todos los tiempos, sin duda. María, a su lado, está inquieta y mudada: es el peso de la responsabilidad, la inquietud ante el futuro... La expresión cobra otra vez su importancia en la obra. A su lado, nuestra imagen de la semana, con una fantástica incurvación que es una curva praxiteliana perfecta. ¡Ahhh, el clasicismo ha vuelto!!! Sólo hay que ver la toga que lleva Isabel. Fantástica, digna de Augusto en el Ara Pacis. Esta claro que los reyes franceses no sólo recuperaron el derecho romano Imperial sino también el gusto por la obrade Arte completa.

¿Qué figura es nuestra imagen de la semana?

¿De qué dos conjuntos escultóricos estamos hablado?¿Cómo se llaman sus autores?

¿Dónde están ubicadas?. Cita el lugar, la obra, fecha.

Notre Dame de Paris

2012-01-12T22:06:00.000+01:00

La imagen de la semana era Notre-Dame de Paris.

Quizás la catedral gótica más famosa del mundo, no tanto por su arquitectura (no es ni la más estilizada, ni la más alta ni la arquitectónicamente mejor resuelta...) como por haber sido imagen de múltiples obras artísticas y literarias y ser icono de la propia ciudad e icono de Francia a su vez.

Se empezó a construir en el año 1163 y se terminó en el año 1345. Dedicada a la Virgen María (de ahí el nombre Notre-Dame, Nuestra Señora), se sitúa en la Isle de la Cité de París. Muchos alaban la perfección geométrica y formal de su fachada principal pero yo siempre he sido más partidario de la estilización, amplitud y luminosidad de la cabecera compuesta.

El Obispo Maurice de Sully se inspira en la girola y la cabecera de San Denis para crear una obra de prefectas proporciones y elegantes formas. Para el año 1182 ya se celebra misa en el coro. Es cierto que las restauraciones de Villet-le-duc la mejoran y embellecen más al romper con algunos esquemas originales.

Por dentro es, simplemente, decepciante si la comparamos con Reims o con León.

Los pilares en forma de columnas le dan una forma especial pero son más toscos y gruesos que los cruciformes.

La tribuna y su nave correspondiente deslucen la armonía del gótico clásico francés. No hay triforio y la tribuna hace mucho más voluminoso y pesado el alzado de la iglesia.

El claristorio es ridículo para las dimensiones de la nave. Seguramente los constructores creyeron que las ventanas de la tribuna sustituirían la luminosidad de un claristorio principal tan pequeño pero, aunque asi fuera, la disposición tripartita clásica se pierde irremisiblemente.

Las bóvedas son sexpartitas, un rasgo de arcaismo cuando probablemente el estilo ya estaba consolidado. La multiplicación de plementos también desluce la unidad de la bóveda.

En fin, no soy el más ferviente defensor de la catedral parisina pero la vista de su cabecera y transepto desde la otra orilla del Sena, al atardecer, son maravillosas e inigualables.

¡¡Malditas vacaciones!! ( III )

2012-01-02T12:30:00.002+01:00

Sí, sí...ya sé que pone III cuando, en realidad, es el ejercicio IV del trabajo de Navidad. ¿Cuál es el tres se preguntarán algunos? Pues un magnífico alzado gótico a describir sus diferentes partes que habrá que entregar en clase el primer día de vuelta de las vacaciones.

Ahora, seguimos con el románico. Bueno, más bien, analizando escultura. " Si vis pacem, para bellum" que en lenguaje iconográfico significa "Si quieres aprobar, tienes que practicar".

Practiquemos, pues, con la portada de San Pedro de Moissac.

Quiero, anhelo, necesito un comentario completo de la misma pero...

1. los que tengáis blog hacedlo en él.

2. los que no tengáis blog, enviadmelo por e-mail a la dirección de la asignatura (artecom.jimenez@gmail.com)

3. Por favor, en este caso y debido a su complejidad y extensión, no -pito y repito- lo hagáis en un comentario a esta entrada.

Eso sí, para los más perezosos y diletantes, recordad que el plazo máximo para hacer los ejercicios es el día 9 de nero, lunes, a las 9.00 horas de la mañana. Los hechos después, los corregiré pero no tendrán validez y serán un cero... a la izquierda en vuestra nota.

SAN PEDRO DE MOISSAC

Feliz Nochevieja 2011- Feliz Año Nuevo 2012

2011-12-29T17:03:00.002+01:00

Os deseos a todos -sobre todo, a mis alumnos- una noche de fin de año plagada de fiesta. No olvidéis todos los "tópicos" que hay que llevar, ponerse y tomar en esa noche señalada.

Gracias a TomPérez, os "regalo" un magnífico video musical que os alegrará las horas previas cuando uno esté preocupado por los últimos retoques.

Y, como él y sus alumnos, quién diga qué obras y autores salen parodiados... pues tendrá recompensa.

Feliz Año Nuevo
2012

La imagen de la semana es...

2011-12-28T09:00:00.000+01:00

Durante la vigencia de la Constitución Civil del Clero no tuvo culto cristiano y bajo los más duros momentos del gobierno de la Gironda y de la Montaña fue consagrada al Culto al Ser Supremo. Sufrió graves desperfectos, sobre todo, en su programa escultórico: los reyes de Judá de una de sus portadas fueron decapitados porque se pensaba que eran imágenes de reyes Capeto. La Virgen María fue sustituida por la Libertad, guía del Pueblo.

¿Podrías decirme qué iglesia es, de qué estilo y cuándo se hizo?

¿Viendo su interior hay algo que te llame la atención respecto a otras iglesias de su estilo?

¡¡Malditas vacaciones!! ( II )

2011-12-27T09:00:00.000+01:00

¡Malditas vacaciones...

Buf!! Ya hemos pasado el primer empellón de comidas, turrones y cenas/comidas familiares. Nos hace falta un descanso pero no alimenticio: ahora hay que alimentar el espíritu y el conocimiento.

Vamos con el segundo ejercicio de las vacaciones...

Se muestran una planta y el alzado interior de la nave central gótica frente una planta
románica y su alzado interior.

Establece todas las diferencias que puedas observar. Primero, compara las plantas. Luego, los alzados interiores: sé ordenado, no saltes de unas zonas a otras y ve analizando elementos sustentantes, sostenidos, empujes, tramos, muros, etc.

IMAGEN 1 AMIENS

IMAGEN 2 CONQUES

Nota: Cuidado. Las imágenes no están a escala. Amiens es más grande que Conques.

¡¡Malditas vacaciones!!! ( I )

2011-12-22T20:53:00.005+01:00

¡Malditas vacaciones!

15 días de comer y visitar a la familia, de reir porque hay que reir y de ir de fiesta....porque lo pide el cuerpo tras un largo trimestre.

En todo caso, 15 días sin trabajar son muchos días sin trabajar. Los días claves son de relax pero... ¿ y los días 27, 28 y 29 o los días 3 y 4? Suficiente tiempo como para estudiar si os ha quedado alguna y no habéis recuperado -caso de Historia del Arte- o para hacer ejercicios.

Bueno... Aquí va el primer ejercicio de las vacaciones. Recordad que os he enviado los mismos por e-mail a los correos que me disteis a principios de curso. Si alguno ha cambiado -por ejemplo, Victoria Bravo- hacédmelo saber en un coment de esta primera entrada.

EJERCICIO 1

Observa estas dos portadas, una románica y otra gótica, ¿podrías establecer todas las diferencias posibles entre ambas?. Procura ser ordenado, siguiendo el orden tímpano. arquivoltas, jambas, parteluz. Analiza también las diferencias no sólo de estructura, temas o compositiva sino también formal de las figuras.

Os recomiendo a la hora de comparar los temas de ambas o la forma de las figuras, consultar ambas portadas en wikipedia (Vezelay-Toledo)

Portada 1

Portada 2

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La imagen de la semana es ...

2011-12-15T22:14:00.005+01:00

¿Quién será el sonriente joven?
Desde luego a nadie le amarga un dulce y ser limpiado, aspirado y restaurado en sus colores y formas originales de hace 800 años hace poner cara de felicidad a cualquier escultura.

El personaje forma parte de la historia sagrada pero no es contemporáneo de Moises o Ramses II aunque su historia con Nabucodonosor II nos recuerda un poco a la mítica historia de Egipto. Dios le dio unas dotes adivinatorias que le auparon a puestos de importancia en la corte Babilónica, hace ahora 2600 años.

Pero el hecho más famoso de su existencia es su caída en desgracia entre los reyes babilónicos y sus visiones apocalípticas que auguraban cómo sería la instauración del Reino de Dios sobre la Tierra. No voy a contar cómo cayó en desgracia o cómo su fe le salvó de una muerte segura. Para ello, os ofrezco unas imágenes...

El personaje en una pintura paleocristiana y en una iluminación del Beato de Liebana

El mismo personaje en un capital visigodo y en una pintura de Rubens

Mis preguntas son...
¿Quién es el personaje y cuál es la historia que le hizo famoso?
¿Dónde está la obra de la imagen y quién fue su autor?
¿Podrías decir otros temas que aparezcan en ese mismo conjunto escultórico?

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QUE HUBIERA SIDO DEL ROMÁNICO SIN CLUNY...

2011-12-11T14:32:00.001+01:00

Decía Michelet, el gran historiador francés, escribiendo sobre la Revolución Francesa; " Llama, ¡¡ cómo debiste de ser cuando aun quemas todavía!!.

Pues bien, cuando yo veo la imagen del actual Monasterio de Cluny, de los restos que aun se levantan en la Borgoña, digo lo mismo que Michelet...Llama, ¡cómo debiste ser ...! Fue esa misma revolución la que acabó con el más puro ejemplo del románico pleno en Europa. Sus vientos de libertad avivaron las llamas del incendio que la destruyó y el fin de las tiranías, incluida la religiosa, llevó a su posterior desamortización.

Cluny fue fundación Real, hecha por los duques de Aquitania. Sus abades eran tan poderosos como el Papa de Roma y los monasterios dependientes de Cluny debían antes obediencia a la Orden y al Abad de la casa madre que al propio Papa. La orden en el siglo XII tenía más de 10.000 monjes y más de 2.000 de monasterios por toda Europa.

Aunque se fundó en el 910, el periodo de mayor esplendor corresponde a los siglos XII y XIII, momento en el cual se construye la iglesia abacial de Cluny III. Los costes de este proyecto acabaron con los recursos de la Orden que sufrió problemas internos gravísimos. Estos dieron lugar a la creación de la reforma Cisterciense, mucho más comedida en cuanto a boato y fastos en sus manifestaciones artísticas.

Planta general de la Abadía y planta de la Iglesia abacial con su alzado

La importancia de Cluny radica en que extendió por Europa, a través de sus monasterios menores, los principios de un estilo constructivo que luego hemos llamado Románico. Pilares cruciformes que sostienen muros con triforios ciegos y ventanas de gran tamaño. Todo ello sostiene bóvedas de cañón con arcos fajones. El conjunto se ve reforzado por potentes contrafuertes exteriores. Miles de iglesias de la alta Edad media repiten este esquema.

Alzado del transepto principal y del presbiterio
Reconstrucción 3D de deferentes zonas de la iglesia

Reconstrucción 3D del aspecto exterior en dos vistas diferentes

También destaca por su participación en las luchas entre el Papado y el Sacro Imperio, sus excelentes relaciones con el Reino de León le llevan a ser punto fundamental para entender la extensión del Camino de Santiago o finalmente, en este rápido repaso, fue clave para comprender la extensión tan rápida de la Reforma del Papa Gregorio Magno y modernizar la doctrina y ritos de la Iglesia romana.

La cercana abadía de Parai-le-Monial nos ofrece de forma real una reconstrucción de la secuencia constructiva de Cluny III. En ella podemos ver la cabecera cluniacense, los cimborrios, el tramo interno con pilares y pilastras clásicas y la decoración.

Vistas de la cabecera compuesta, de los pies y torres, de los arcos fromeros del
interior y del crucero, con especial atención al tramo y a la girola.

En el blog Algargos, Arte e Historia, hay una magnífica entrada con más material audiovisual si quieres ampliar el tema.
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La imagen de la semana es ...

2011-12-05T18:21:00.006+01:00

Arco de medio punto, piedra escuadrada y de buen sillar, arcos abocinados o rebajados, decoraciones vegetales y animales esquemáticas, capiteles troncopiramidales, decoración de bolas... Románico en su más pura esencia. Y muy cerca de aquí, de Coria. Estamos tan acostumbrados a ver arte románico en el norte de Extremadura que seguramente te será muy fácil decir de dónde es esta imagen del románico extremeño.

Algunos compañeros ya han respondido pero...
¿alguien sabe porqué es tan difícil encontrar arte Románico en Extremadura y solo en unas zonas muy concretas...?
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Ponemos las cosas en su sitio...

2011-12-05T18:03:00.002+01:00

El miércoles empezamos con el Arte Románico.
Nunca es tarde si la dicha es buena.
Para ello os dejo aquí varias presentaciones con diferentes visiones

Las primeras tienen que ver con el marco histórico del periodo.Facilitas, como si estuvieramos en la ESO

Sociedad Medieval Conceptos Generales

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Feudalismo

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Aunque en próximas entradas os iré ofreciendo perspectivas y visiones de diferentes elementos de la arquitectura románica, ahora os dejo aquí dos slideshare excepcionales realizados por dos grandes compañeros como son Tomás Pérez y Alfredo Rivero. Sus aportaciones son tan claras y están tan bien trabajadas que... ¿para qué más?

Arte RomáNico

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A Arquitectura RomáNica EspañOla 04 5

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Patrimonio de la Humanidad...

2011-11-26T16:09:00.005+01:00

Gracias a la página morosycristianos.com

"Sagrada para los amantes del Arte, tu eres la gloria de la Fe.
Tu has hecho de Andalucía un lugar sagrado como la Tierra Santa"

Mohammad Iqbal, poeta pakistaní.

La imagen de la semana ha sido la Mezquita de Córdoba, concretamente, una de las varias puertas que jalonan su muro este.

La pregunta era la siguiente:

De él se decía que era "el que hace vencer a la religión de Alá". Su nombre عبد الرحمن بن محمد. Era de estirpe real aunque no gobernante. Hijo de Muhammad y Muzna, era nieto del emir Abd Allah, séptimo emir. Curiosamente el emir prefirió a este joven para ser su sucesor antes que a sus propios hijos.

Los peligros a los que se tuvo que enfrentar al llegar al poder fueron muchos: los cristianos asturleoneses habían llevado su frontera "de facto" hasta el Duero, los famitimies en el norte de Africa (Ifriqiya) habían creado un califato independiente, los muladíes de origen cristiano eran un permanente foco de rebelión y en Bobastro, Omar ibn Hafsún, había creado un reino casi independiente, que controlaba toda Andalucía oriental.

En pocos años, sometió a los rebeldes y consolido su poder absoluto sobre todo el territorio, incluso castigando a los reinos cristianos del Norte en sucesivas razzias, de la que la más famosa fue la destrucción de Pamplona.

Pero, sin duda, lo más destacado es que convirtió su capital en la ciudad más poblada de Europa, con más de 200.000 habitantes, que disponían de mil seiscientas mezquitas, trescientas mil viviendas, ochenta mil tiendas e innumerables baños públicos. Dotó a la ciudad con cerca de setenta bibliotecas, fundó una universidad, una escuela de Medicina y otra de traductores del griego y del hebreo al árabe. Hizo ampliar su mezquita y ordenó construir una extraordinaria ciudad palatina, de la que hizo su residencia hasta su muerte.

Será su sucesor quien eleve la mezquita a la categoría de edificio emblemático del Islam.

Responde:

1. ¿Sabrías decir qué es la imagen de la semana?
2. ¿Podrías decir de qué edificio estamos hablando y quiénes lo construyeron?
3. ¿De qué califa estamos hablando?¿Quién era su hijo, el que mejoró la mezquita?
4. ¿ Qué construyó nuestro califa y qué mandó construir su hijo?
5. Hay una parte de la nueva mezquita que se construye con mosaicos, ¿Cómo se hizo?

Ponemos como ejemplo la respuesta de Inmaculada Clemente...

"La imagen de la semana es la fachada principal de la mezquita de Córdoba.
El edificio es la Mezquita de Córdoba y la construyeron Abderramán I, Hisham I, Abderramán II, Abderramán III, Alhakén II y Almanzor.
El califa es Abderramán III y su hijo es Alhakén II. El califa agrandó el patio, derribó el primer alminar y erigió uno nuevo que sería modelo para los alminares almohades y los campanarios mudéjares. Su hijo realizó la ampliación más bella y la decoración más rica, derribando el muro de la qibla y extendiendo el oratorioen doce crujías, dotándolo de una serie de lucernarios cubiertos con bellas cúpulas nervadas, y de una macsura con presencia de arcos polilobulados y entrecruzados, además de la construcción del mihrad, concebido por primera vez como una habitación octogonal.
Los mosaicos se realizaron con 320 quintales de teselas por artesanos bizantinos."

Entre mártires andaba el juego...

2011-11-26T13:20:00.006+01:00

La respuesta correcta era ...

BASÍLICA DE SANTA SABINA EN ROMA

La mayoría de vosotros no habéis tenido problema con las pistas dadas para adivinar el edificio y los principales hitos de la construcción de la iglesia.

Quizás el mayor problema ha sido identificar el origen romano de la edificación. Nos estamos refiriendo en qué edificio romano se ha basado la construcción de la basílica. Pues bien, el otro día se desveló en clase el pequeño misterio cuando repasabamos Santa Sofia y las basílicas bizantinas italñianas del siglo VI. Efectivamente, la basílica o palacio de justicia romano -además de otros usos comerciales y notariales- y su espacio longitudinal, dividido en naves y con ábside final cumple las expectativas y necesidades de la liturgia cristiana.

Os ofrecemos aquí alguna foto más del edificio y una descripción de las partes de una basílica paleocristiana. Recordad que aprenderse bien esta estructura es clave para el futuro desarrollo de la arquitectura cristiana europea.

Nave: nave central
Aisle: naves laterales
Apse: ábside
Arch: Arco triunfal
Clerestory: claristorio o ventanales

La planta de la basílica era longitudinal. Estaba precedida del atrio o patio cuadrangular [B] porticado, con una fuente en su centro para las abluciones, y de un nárthex o vestíbulo destinado a los catecúmenos [A]. La basílica constaba de un número impar de naves [G] – tres o cinco- de diferente altura y separadas por columnas con arcos de medio punto; la nave central, más ancha y alta que las laterales y con ventanales, se abría con un gran arco triunfal (septum) [C] sobre el transepto o nave transversal [E]. La techumbre era de madera. Las naves laterales sustentaban galerías reservadas para las mujeres- matroneum-. La cabecera, llamada ábside [F], era semicircular; adosado a la pared estaba el presbiterio[D], con asientos reservados para los sacerdotes, la cátedra del obispo estaba en el centro. En el centro del ábside se hallaba el ara o altar, que a veces se ocultaba con una cortina y tenía una cripta debajo que guardaba las reliquias de algún mártir.

¿Arte de los reinos germánicos...?No me hagas reir...

2011-11-22T19:16:00.003+01:00

Invadir y destruir en algunos casos o pactar y suplir al Imperio en otros, los pueblos germánicos siempre han tenido muy mala prensa en la historia. Los niños de la ESO se llevan la impresión de que esos tipos bigotudos, ataviados con pieles, magnificos jinetes eran hombres terribles y destructivos, toscos y brutales, incapaces de conservar o soportar la civilización romana.
ular a
Bueno, todo esto está bastante lejos de la realidad. Salvo las glorias arquitectónicas y musivarias bizantinas, es dificil encontrar en la propia Roma grandes construcciones del siglo V dc. Muchas ciudades a lo largo del Imperio occidental o bien habían sido abandonadas, o bien eran ya incapaces técnica y económicamente de sostener o reparar sus acueductos, fuentes, molinos, canalizaciones y edificios. Un estado de declive que, en muchos casos, llevó al abandono.

De ahí que no nos deba de extrañar el declive artístico y constructivo que sufrió Europa occidental entre los años 500 y 800. Un mundo ruralizado, de grandes villas fortificadas bajo la dominatio de terratenientes o potentes, cuyos campesinos o servi estaban ligados por pactos a ellos para poder ser protegidos y disponer de tierras. Un mundo de relaciones personales entre nobles y religiosos, de fideles, bucelarios, saiones y amicis, donde los reyes se mantenían en el poder no por un estructura administrativa de tipo imperial sino por relaciones personales entre ellos, basadas en la confianza y en el servicio de armas.

Nada que no se apuntara ya a finales del Imperio. Nada que no practicaran ya los pueblos germanos romanizados como eran los visigodos o los ostrogodos.

En fin, el problema era cómo subsistir y comó tener poder en un mundo atomizado de pequeños poderes locales. Lejos de su intención y su capacidad estaba construir grandes edificios o patrocinar las artes. Tan sólo la Iglesia y algunas dinastías de importancia tenían capacidad como para imitar de forma tosca y lejana las glorias imperiales.

Debía ser "divertido" vivir en las ciudades romanas de Occidente, ver como cada día caían y se desmoronaban muros y edificios completos, cómo se robaban materiales de construcción desmontado o destruyendo lo poco que quedaba, cómo se reparaba de forma miserable para no perderlo todo, cómo se usaban esculturas y mosaicos para rellenar muros o terraplenes. Como las zarzas se lo comían todo.

Aquello que se llegaba a construir se hacía con materiales de escaso coste y fácil acceso. Predominaban las construcciones de madera o de aparejo rústico de sillarejo o mampostería, usando como soportes los pilares o columnas toscas. Para cubrir, o techos planos o abovedamientos de cañón. Los arcos de ladrillo más facilmente soportable.

Destaca, sobre todos, el Mausoleo ostrogodo de Teodorico, en Rávena. Aproximadamente, del 520 dc. De planta circular y dos pisos, su bóveda es de una sola pieza por la dificultad de crear un cúpula anular como la del Panteón.

Algunas basílicas merovingias, de las que por su construcción en madera, apenas si conservamos sus criptas en piedra. Un buen ejemplo es Notre Dame du Jouarre, del siglo VII, en la que predominan los restos de origen tardorromano.

De los lombardos apenas sí nos quedan muros o partes integradas en conjuntos posteriores. Por ello, es dificil encontrar algun ejemplo puramente lombardo. Quizás lo mejor sean los restos de Santa Sofía en Benevento, iglesia aneja a un convento dependiente de la abadía de Montecassino, del 750.

Sin duda, los más prolíficos tanto en arquitectura como en artes suntuarias u orfebrería son los visigodos. Muy romanizados y cristianizados por ser tropas auxiliares romanas en el Bajo Danubio, llegaron a Hispania por un pacto con el Imperio para desplazar a suevos y vándalos. La creación del reino visigodo de Tolosa en la baja Galia y en Hispania fue el primer paso para la creación del reino definitivo en la península cuando los francos les desplazaron hacia el Sur. Con Recaredo y Leovigildo llegan un progreso cultural nunca después igualado hasta los reinos cristianos del siglo X y XI.

Tres son los elementos arquitectónicos característicos de los visigodos: uno, el muro de perfecta sillería, muy bien aparejada; dos, el arco de herradura, más abierto que el islámico y, tres, sus magníficas bóvedas de arista o cañón.
Todo el territorio está tachonado de peqeñas pero lujosas iglesias visigodas con planta basilical de tres naves o de planta de cruz griega. Todas disponen de varios absides, rectangulares, y de un pórtico de entrada. La decoración interior ya tiende al esquematismo, propio de la nueva cultura artística cristiana y de la ausencia de buenos artesanos.

Destacamos algunos ejemplos:

San Juan de Baños, en Palencia, construida por Recesvinto, con tres naves.

Quintanilla de las Viñas, en Burgos, de una sola nave.

Santa Comba de Bande, en Orense, con planta de cruz griega

San Pedro de la Nave, en Zamora, de cierta complejidad arquitectónica por sus arcos y una cámara sobre el altar.

Santa Lucía del Trampal, en Cáceres, de tres naves y cabecera compleja y muchos elementos constructivos rescatados de las cercanas ruinas romanas.

No podemos olvidar y poner un par de fotos que muestren las capacidad técnica visigoda en orfebrería. El tesoro de Guarrazar es un magnífico ejemplo.

Panteon de Agripa, necesitamos un repaso...

2011-11-19T17:58:00.006+01:00

Una vez corregidos los comentarios del Panteón de Agripa, realizados durante mi ausencia neoyorkina, creo, honestamente, que necesitais un repaso sobre la cuestión.

Quizás mejor que palabras sean imágenes. Unos videos y presentaciones que, probablemente, os hagan ver la luz sobre este extraordinario edificio de la ingeniería romana.

Antes de ver, una lectura rápida a wikipedia nos ilustra con lo principal... o si preferís el blog de Juan Diego Caballero, muy atinado como siempre o con toda suerte de esquemas y explicaciones en homocus.blogspot.com.

ArteHistoria siempre nos ilustra con sencillez y rapidez

Los anglosajones son la leche cuando se trata de explicar Arte

Algo más lento pero bien analizado por nuestros amigos de Redul

En HD... esto sí es una pasada...

En inglés también vale, ¿no? Impresionantes reconstrucciones que merecen la pena ver...

La página web VITRUM ofrece un curioso análisis de la obra
http://www.arqweb.com/vitrum/panteon.asp

Una curiosidad...¿y cuando llueve?

La imagen de la semana...

2011-11-17T13:26:00.002+01:00

Consagrado a una martir de Roma muy famosa, este edificio es uno de los mejor conservados de su tiempo y es muestra inigualable de las nuevas formas constructivas que adoptan los cristianos a partir de su conversión en religión oficial del Estrado Romano.

Viuda del senador Valentinus y matrona muy considerada en la región de la Umbria, se convirtió al catolicismo por influencia de una esclava personal. Acusada la esclava de bruja y hechicera, nuestra matrona romana intercedió por ella pero fue, al fin, ajusticiada. Nuestra protagonista tomó su cadaver y lo enterró en su mausoleo familiar.
En el año 125 dc. las autoridades romanas consideraron traición la actitud de nuestra matrona. Acusada de conspirar contra el Estado y de cristiana, fue martirizada hasta morir.

Varios siglos después, nuestra matrona fue canonizada y se convirtió en Santa. Sus restos fueron traídos a Roma en el 430 dc. para ser adorados y conservados en una nueva iglesia que se iba a construir en la colina del Aventino para sustituir el templo pagano de Juno.

Las preguntas son...

¿Quién era la Santa?

¿Cómo se llama el edificio que se construyó para albergar sus reliquias y quién lo mandó construir?¿Qué institución religiosa lo utiliza desde entonces como sede?
¿Puedes decir en qué edificio romano se inspira la nueva construcción?

Explica brevemente las diferentes partes del edificio y su nueva función. Si tienes blog puedes hacerlo con imágenes y así ganar algo más de nota.

Ara Pacis Augustae

2011-11-17T12:27:00.002+01:00

Pues, sí.
Como muchos habéis indicado la imagen de la semana pasada era el Ara Pacis. Construido por el Senado de Roma hacia el año 9 ac. para conmemorar las victorias de Augusto en Hispania y Galia, alabando la nueva Pax Augustae que se extendía por el Imperio Romano.
El edificio, especialmente simple, destaca por los magníficos altorrelieves que decoran sus paredes. Es, quizás, el más depurado ejemplo del relieve imperial de influencia clásica existente hasta ese momento. Más adelante, otras construcciones como las columnas de Trajano o Diocleciano o los relieves de los arcos de Septimio Severo o Constantino ofrecerán ejempolos más elaborados y complejos del relieve romano.

En el interior el friso está ocupado por guirnaldas y bucraneos. En el exterior los zócalos se recubren de roleos de acanto. Los frisos exteriores tienen distinta decoración según su ubicación: flanqueando las puertas cuatro alegorías, y en los muros laterales dos procesiones.

Las alegorías están relacionadas con la mítica fundación de Roma. De los cuatro originales solo dos se han conservado casi completos; uno de éstos representa a Eneas y el otro (el mejor conservado) a la Tierra, como una mujer con dos niños, flanqueada por los genios fertilizantes del Aire sobre un cisne y del Agua sobre un monstruo marino; todo ello acompañado de frutos y animales que hacen alusión a la prosperidad proporcionada por la Paz de Augusto.

La procesión de los frisos laterales representa a Augusto, su familia, amigos, magistrados y senadores, componiendo un magnífico conjunto de retratos que, no obstante, deja entrever una fuerte influencia de las Panateneas del Partenón, si bien los personajes procesionan en dos filas con más orden y disciplina que en el templo ático. Se combinan altorrelieves con medio y bajorrelieves, que contribuyen a crear sensación de profundidad.

Es esta parte del friso la que más me interesa destacar. Las figuras siguen la tradición romana del retrato realista. Los miembros de la familia imperial se pueden reconocer por sus rostros aunque sus cuerpos estén idealizados. Igualmente, el autor dota al friso de unos rasgos especiales que rompen con la monótona sucesión de figuras: las figuras se relacionan, hablan entre sí; hay diferentes planos o capas de figuras, dando mayor importancia a unas que a otras; hay figuras que se salen del marco tanto porque parecen de bulto redondo como porque hay partes de su cuerpo (pies y manos) que superan realmente el marco del friso.

Sin duda, y sin considerar la técnica de los escultores muy fiel al clasicismo, el Ara Pacis ofrece soluciones romanas a un estilo heredado de Grecia como son los grandes frisos de figuras.

Locus por Hispania...

2011-11-09T16:52:00.000+01:00

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No, no queridos lectores y estimados alumnos. No os dejéis engañar por el titulo de esta entrada. No estamos reivindicando las bondades o maldades de la serie de Antena 3 TV. No es nuestra misión ni nuestra intención (aunque haya que agradecerles que situen el lugar de nacimiento de Viriato entre Norba Caesarina -Caceres- y Cauria -Coria- y, por ende, nos coloquen en el mapa. Galba, el romano, incluso quiso destruirnos en la segunda temporada...¡cosas tiene la vida!). Ni siquiera reivindicamos que mi sobrino Carlos (¡Ánimo "gafitas" si alguien puede hacerlo, ese eres tú...!) sea el nuevo guionista jefe de la serie y haya decidido darle un "sesgo" más romano y menos ibérico a la serie.

No. Estamos locos por Hispania pero por la provincia romana. Ese "nuevo Mundo" arrebatado a los cartagineses y sometido a la romanizacion durante los siglos II y I antes de Cristo. Esas provincias que todo pretor quería administrar. Aun espero al docente o investigador que me explique cómo fue posible que una provincia tan rica, tan "romana", tan integrada en el Imperio no pudiera crear el núcleo de un pequeño imperio occidental al modo que lo logró Bizancio en Oriente.

Bueno. Otra vez nos alejamos de nuestra intencion e interes: la historia del Arte.

Hispania nos ofrece multiples ejemplos de una calidad excepcional de las diferentes tipologias de edificios que conforman la arquitectura romana. Extremadura, como parte de la provincia senatorial de la Lusitanica es una de las mejores muestras de ello.

Vuestro trabajo será, siguiendo la tipología explicada en clase, citar ejemplos de edificiaciones romanas no extremeñas -insisto, no extremeñas- de la península Ibérica (Nombre, fecha aproximada de construcción y lugar donde se encuentra...). Aquellos que tengáis un blog podéis acompañarlas de imágenes de esos edificios y construcciones.

He aquí un listado de Extremadura para ilustrar vuestra tarea...

Edificios públicos y de ocio

Foros

Detalle foro de Caparra. Siglo II dc.

Basílica

Basílica de Medina de las Torres. Contributa Iulia. Siglo I dc.

Templo

Templo de Diana. Mérida. Siglo I ac.

Teatro

Teatro de Mérida. Siglo II dc.

Anfiteatro

Anfiteatro de Mérida. Siglo I dc.

Circo

Circo de Mérida. Siglo II dc.

Termas

Termas de Alange. Siglos II y III dc.

Construcciones de utilidad pública

Murallas

Murallas de Coria. Puerta de Poniente. Siglo III dc.

Calzadas

Vía de la Plata a la altura de Caparra.

Puentes

Puente de Alcántara sobre el río Tajo. Siglo II dc.

Presas

Presa de Proserpina, alrededores de Mérida. Siglo Idc.

Acueductos

Acueducto de los Milagros. Mérida. Siglo I dc.

Construcciones conmemorativas

Columnas

Dístilo de Zalamea la Serena. Siglo IIdc.

Tumbas

Mausoleo, tumba monumental a las afueras de Mérida. Siglo I dc.

Arcos

Arco tetrápilo de Cáparra. Siglo I dc.

Edificios privados

Villas

Villa romana de Proserpina.

Domus

Casa del Anfiteatro. Mérida. Siglo II dc.

Hay webs muy interesantes en nuestras webs favoritas en el blogroll de nuestro blog.

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La imagen de la semana es...

2011-11-01T10:00:00.000+01:00

Imperator Caesar Augustus divi filius

Estas pocas palabras enmascaran la conversión de un hombre en la persona con más poder del Imperio Romano pero sin nombrarle rey o Emperador. Magnífico artificio de ingeniería política.

En enero de 27 a. C., el Senado otorgó a este hombre los títulos de "Augusto" y "Princeps".

Augusto, del latín augere (refiriéndose a un incremento), que pudiera ser traducido como «el ilustre», era un título religioso más que político. De acuerdo a las creencias religiosas en la Antigua Roma, el título simbolizaba un sello de autoridad sobre el pueblo y la clase política.

Por otra parte, Princeps, proveniente de la frase en latín primum caput («el primero»), originalmente estaba vinculado al senador más viejo o notable y cuyo nombre aparecía en primer lugar en la lista senatorial principal; en su caso ganaba en "auctoritas" o derecho a ser escuchado antes que cualquier senador en los asuntos públicos. Princeps también se usó como un título republicano concedido a todos aquellos que habían servido bien al Estado.

Aunque renunció salvo en dos ocasiones al cargo de cónsul, el Senado le concedió la "Tribuni militum consulari potestate", es decir, tenía los poderes ejecutivos de un cónsul y, además, la capacidad de mando de las legiones. Su legislatura era cum imperio, lo que significaba convertirse en el mando supremo de las legiones romanas. E, incluso, para controlar el ejército en provincias y a sus gobernadores consiguió también que le otorgaran el "imperium proconsulare maius".

Dos acciones más consolidaron su poder casi absoluto: una fue el nombramiento de Tribuno de la plebe, con todas sus potestades de proponer actos legales y su inmunidad frente al Senado y la concesión del cargo de Censor, con el cual podía manipular a su antojo las listas de elección del Senado y los Comicios.

Se proclamó asimismo como Imperator Caesar divi filius, «Comandante César, hijo del deificado». Con este título no solamente se jactaba de su parentesco con el divino y popular Julio César, sino que el uso de Imperator establecía un vínculo permanente a la tradición romana de la victoria y la milicia. El término Caesar sólo era un cognomen para una rama de la familia Julia, aunque ciertamente Augusto trasladó su significado a una nueva línea familiar, consolidando así el carácter hereditario de sus poderes y su origen casi divino, al estilo de las monarquías helenísticas.

La Recia, el Nórico, la Iliria, la Panonia, Siria, Judea, Galacia, la Partia, la renannia o Egipto. El número de los territorios conquistados o controlados por las legiones de este hombre es inacabable. Uno entre sus logros le llenaba de orgullo: someter a las tribus cántabras y astures de Hispania convirtiendo la península en un conjunto de provicnias completamente seguras y pacificadas.

Tal fue el éxito de estas campañas -y el intento de apagar o mitigar la derrota en Germania, en los bosques de teotoburgo- que el Senado le otorgó el triunfo. Para celebrarlo el César se aprestó a celebrar ofrendas y juegos a los dioses. Para ello, y con dinero de Aerarius -dinero público- el Senado mandó construir un altar conmemorativo de estas victorias y de estas celebraciones.

En él podemos ver uno de los ejemplos más depurados del relieve clásico romano.

¿Puedes decirme qué es el objeto o la construcción que aparece en el fragmento de la fotografía?

¿Dónde se encuentra y cuándo se hizo?

¿Cuál fue el fin de su construcción?

¿Pues describir su forma completa y el programa iconográfico (temas y acciones de las figuras) que aparece en él?

Se acerca el temido examen...

2011-10-23T21:14:00.001+02:00

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¿SERÍAS CAPAZ DE ADSCRIBIR CADA OBRA A UN PERIODO DE LA ESCULTURA GRIEGA (ARCAICO, CLÁSICO, HELENÍSTICO) Y EXPLICAR BREVEMENTE PORQUÉ HAS TOMADO ESA DECISIÓN?

1____________________________2

3____________________________4

5______________________________________6

7_______________________________________________8

9_________________________________10

11________________________12

EN EL BLOG DE CLASE PUEDES RESPONDER NOMBRE DE CADA OBRA, FECHA APROXIMADA Y AUTOR ASÍ COMO, POR SUPUESTO, PERIODO AL QUE PERTENECE.

EN TU BLOG PUEDES DAR LA RAZÓN O RAZONES QUE TE HAN LLEVADO A ADSCRIBIR CADA OBRA A UN PERIODO.

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La imagen de la semana es ...

2011-10-19T18:02:00.000+02:00

Bien sabían los griegos lo que era la belleza ideal del hombre. Probablemente estos "conocidos" de nuestro deporte sean los "alter ego" de nuestra imagen de la semana en la Grecia clásica. De Atenas a Argos, los principales escultores clásicos se preocuparon de buscar el ideal de belleza de su mundo: un magnífico realismo, inspirado en las proporciones corporales matemáticas perfectas y en una representación fiel de la biomecánica corporal del ser humano. Pero también una idealización, por cuanto representaban las figuras con un grado de perfección corporal que muy pocos mortales -sólo los atletas, auténticos héroes en Grecia como lo son hoy en nuestra sociedad- podían lograr. Esa idealización se mueve alrededor del "ethos", ese cáracter o, mejor traducido para este caso, esa acción o devenir en la que la figura vive y siente. Porque son figuras realistas e idealizadas pero son, ante todo, humanas.

En todo caso, ¿quién es la figura de la semana y quién fue su autor y cuándo? Me gustaría que relatáseis el proceso que habéis llevado hasta descubrir la verdad.

Una última pregunta, ¿sabes quiénes son ellos y porqué son famosos?

Elgin Marbles

2011-10-15T16:54:00.001+02:00

areté

Término griego que procede del comparativo del adjetivo agathós, «bueno», que asu vez procede de la raíz aga- («lo mejor»), que se apoya en la partículainseparable «ari-», indicadora de una idea de excelencia, que está en la basede aristos (el superlativo de distinguido y selecto, que en plural erautilizado para designar la nobleza o aristocracia). Significa, originariamente,«excelencia o perfección de las personas o las cosas». En este sentido, losgriegos de la época de Homero y de Hesíodo, y hasta el siglo IV a.C., hablabande la areté como de una fuerza o una capacidad: el vigor y la salud son laareté del cuerpo, la sagacidad, la inteligencia y la previsión son areté delespíritu. Posteriormente, y debido a la influencia de Aristóteles, este términoha pasado a traducirse habitualmente por virtud. Areté, en arte, significala perfección de formas, esa belleza inspirada en principios matemáticos perocubierta por una capa de humanidad. Areté es la excelencia de consiguió Fidiasde él mismo y de su equipo de escultores en el Partenon, superando a Policletoo a Mirón. Esa areté que ha fascinado a la civilización occidental hasta hoy endía: nadie ha sabido captar con mayor naturalidad la perfección física del serhumano sin renunciar al “ethos”, a la expresión del carácter.

Thomas Bruce, escocés, séptimo conde de Elgin y Kilcardine, paseabamuy habitualmente por las ruinas clásicas de Atenas. Su formación clásica de Eton y su larga experiencia cultural por las cortes europeas le hacían rechazar el fascinante mundo islámico y orientalizante de laSublime Puerta pero, en cambio, se veía atraído constantemente por la fuerza delos restos clásicos que el Sultán despreciaba. Aunque eran tiempos difíciles enplena guerra contra Napoleón, él intentaba acercarse a Atenas para disfrutar deesa pasión secreta: recrear el mundo clásico, sentirse heleno por momentos, alcanzarla areté que todo clasicista busca.

Dos noticias letenían consumido. Una, más mundana y real, era que Bonaparte había aparecido enParis, tras huir de Egipto, para tomar el poder absoluto en Francia. El ForeignOffice no estaba precisamente contento por la incapacidad mostrada por elSultán para contener los avances de Napoleón y barajaba la posibilidad deenviar una expedición militar para acabar con el ejército francés en Egipto. Nosalía bien parado de esta jugada. Probablemente, sería destinado a otro lugar ya una peor posición.

La segunda, ledesasosegaba. Había llegado a sus oídos que las autoridades turcas habíanpermitido a contratistas comprar enormes cantidades de mármol del Pentélico delas ruinas atenienses con la intención de quemarlas y producir cal. Eraincreíble. Él sabía que aun en el Partenon y en sus alrededores había cientos,miles de maravillosos restos de la decoración del templo, tirados, pateados ydespreciados. Algunos los había intentado comprar sin mucho éxito pero ahorasabía que tenía que hacer algo para que no se perdieran.

Su plan era audaz yno exento de peligro. Había enviado a Lord Palmer en Londres un requerimientopara hacerse con esos restos al igual que había ocurrido con la Piedra Rossetaen el Cairo y otros interesantes restos funerarios egipcios. Negativa porrespuesta. Londres ni siquiera le permitía solicitar un permiso para datar,catalogar y dibujar los restos de la Acropolis.

Pues bien, yo lossalvaré. Serán míos. Y así fue.

Contrató a undibujante y pintor italiano, Lusieri, para dar apariencia legal a su“investigación”. Sabía Bruce, duque de Elgin, que ese trabajo de catalogaciónya se había hecho durante el siglo XVII y todas las piezas estabanperfectamente descritas. Él siempre afirmó que ese estudio estaba perdido pero,en secreto, había recuperado dos copias del mismo, una en Paris y otra en elGran Bazar de Estambul. Nunca se lo dijo a nadie, ni a su esposa. Durante días,pateó y recorrió los restos del Partenon, siguiendo las indicaciones de lavieja investigación. Allí es donde preparó la gran mentira, la farsa que hapermitido a la humanidad conocer las más maravillosas esculturas de laantigüedad clásica.

Falsificó una cartadel asiento de la Sublime Puerta para iniciar obras de “excavación”. Fue fácilporque el voivode o gobernador turco de Atenas fue largamente recompensado. Lejosde eso fue pacientemente sacando de la acrópolis decenas de piezas. Las másgrandes lejos de la vista de los atenienses, muy celosos de sus templos. Parano levantar sospechas, las supuestas “obras arqueológicas” se extendierondurante una década. Las campañas napoleónicas por Europa le hicieron un favor:nadie se preocupaba de un filántropo inglés, medio loco que se dedicaba a pagarenormes sumas de dinero por dibujar y catalogar piedras. “Ingleses…” se decían.Hasta 70.000 libras esterlinas de la época –una fortuna- se gastó Lord Elgin.Pero, ya eran suyas y estaban en Porsmouth a buen recaudo. Quizás el peormomento fue cuando estuvo a punto de naufragar en el canal la goleta quellevaba gran parte del friso de las Panateneas. Sin embargo, al fin, todo habíaterminado felizmente.

Falso. En 1812 undescuido en las aduanas turcas desveló que las importaciones del Lord ingléseran antigüedades clásicas. El gobierno inglés, por orden directa de LordLiverpool, primer ministro, intentó recuperarlos por la fuerza. Se abría unlargo litigio legal sobre la propiedad de ese legado obtenido de formairregular en el extranjero. Finalmente, en 1816, sumido en una profundadepresión, Lord Elgin los cedió al British Museum –la guerra le obligó arechazar una fabulosa oferta de Bonaparte- y pasaron a ser propiedad del estadobritánico. El gobierno le pagó una cantidad irrisoria que le llevó a labancarrota.

Me imagino el rostro,la mirada fija, casi llorosa de Lord Elgin apoyado en su bastón, carcomido poruna artritis originada por la sífilis, viendo sacar de su palacio a las afuerasde Londres, cajas y cajas con sus “queridos” mármoles. Esto, y su divorcio deMary Nisbet, acabaron con su prometedora carrera como par del Imperio.

17 grandes figuras,entre ellas las 3 parcas, su más preciado tesoro, 75 metros de relieves delfriso de las Panateneas, decenas tablas de las metopas de los Centauros y losLapitas. Y hasta una kariatide del Erecteion.

Pocas veces el amoral arte, a la cultura clásica, se ha malinterpretado como expolio. Pero nuncaun “expolio” ha sido tan productivo para el genio y el conocimiento humano, porcuanto, diez años después en la guerra de Independencia griega la Acrópolisateniense fue asediada por los Turcos dos veces y decenas de restos fueronutilizados como parapetos y fortificación, perdiéndose para siempre.

Gracias Thomas Burke, Lord Elgin. Areté.

Si quieres conocermás de estas esculturas y relieves puedes consultar las siguientes páginas websobre el tema.

Rápido repaso al programa escultórico del Partenon

http://lavidanoimitaalarte.blogspot.com/2007/10/programa-escultrico-del-partenn.html

Sobre Lord Elgin y las esculturas del Partenon

http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/2924.htm

Otro somero estudio de las esculturas

http://arte.laguia2000.com/escultura/esculturas-del-partenon-de-atenas-ii

Magnifica página del british Museum sobre los Elgin Marbles

http://www.britishmuseum.org/explore/highlights/article_index/w/what_are_the_elgin_marbles.aspx

Iniciarte nos cuenta la verdadera historia de Thomas Bruce

http://artenoafonsox.blogspot.com/2008/10/escultura-grega-os-mrmores-do-partenn.html

Enseñ-árte nos ilustra, como siempre

http://aprendersociales.blogspot.com/2007/10/el-partenn.html

http://aprendersociales.blogspot.com/2010/10/fidias.html

http://aprendersociales.blogspot.com/2008/10/centauromaquia.html

2011-10-10T17:38:00.000+02:00

¿HAY ALGO MÁS EN GRECIA

QUE EL PARTENÓN?

En este mundo de lo multimedia, las redes sociales, las web 2.0 e internet en general, aparentemente tendríamos que conocer y saber casí sin límite. La experiencia nos dice que es todo lo contrario. Cuanto más saber tenemos al alcance, menos sabemos de todo (me refiero al común de los mortales, no a los hombres de ciencia).

Una de las típicas encuestas que uno hace cuando habla con alumnos y compañeros es "¿Conoces el Partenon?". " Claro -te responden ellos-. Está en Atenas". Y yo como maligno que soy, les repregunto. " ¿Y conoces algún templo griego más? ". Y hasta ahí llegamos. Tan sólo algunos versados llegan a citar Atenea Nike -gracias a la marca deportiva- y los menos políglotas no llegan a pronunciar el Erecteion aunque lo conozcan. Fuera de ahí, la Magna Grecia casí no existe y menos la Jonia.

Dejadme que hagamos un repaso por la arquitectura griega, planteando una mezcla de periodos artístico-históricos con una mezcla de estilos. La teoría la pongo yo, las imágenes, internet.

TEMPLOS DORICOS

Periodo Arcaico

Templo de Hera en Olimpia. Hacia 600 ac.

Templo de Artemisa en Corfu. Hacia el 600 ac.

Periodo Clasico

Templo de Hera en Paestum. Hacia 460 ac.

Templo de Zeus en Olimpia. Hacia 470 ac.

Partenon en Atenas. 447 ac.

Templo de Poseidon en el Cabo Sunion. 440 ac.

TEMPLOS JONICOS
Periodo Arcaico

Templo de Artemisa en Efeso. Hacia 55o ac. Reconstruido en el 350ac.

Templo de Apolo en Didimo. 494 ac.

Periodo Clasico

Erecteion. Atenas. 410 ac.

Atenea Nike. Atenas. 421 ac.

Telesterion de Eleusis. 330 ac.

Helenismo
Altar de Zeus en Pergamo. 150 ac.

TEMPLOS CORINTIOS
Helenismo

Templo de Zeus Olimpico en Atenas. 170 ac.

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La imagen de la semana es ...

2011-10-07T11:46:00.001+02:00

Pericles, el hombre más importante de Atenas y quizás de Grecia, nunca lo quiso. Ello llevó a que Calícrates, su arquitecto, tuviera que construirlo bastantes años más tarde que el resto de construcciones que le encargaron en la ciudad, ya en plenas guerras del Peloponeso contra Esparta. Tal era el disgusto del líder ateniense ante ese edificio que le reservó un espacio menor, un lugar casi imposible para edificar, lo que forzó al arquitecto a diseñarlo con un tamaño y una forma menor. Sin embargo, la historia lo ha encumbrado como un edificio de gran perfección.

Consagrado a la diosa de la sabiduría, patrona del Ática, la xoana de su interior era un figura alada pero áptera, sin alas, para que nunca pudiera huir de la ciudad y así la victoria fuera siempre ateniense.

¿ Qué obra es y cuádo se construyó?

¿ Puedes hacer el comentario formal de la misma?

Contextualizamos que nunca viene mal...

2011-10-06T20:11:00.002+02:00

Gracias a la plataforma web 2.0 Slideshare y a nuestros amigos José Angel Martínez, Matijoaquin y Jorge Vargas hacemos un breve e ilustrado repaso a los principales hitos de la civilización griega. merece la pena echar un ojo general y tomar algunas notas de civilizaciones preclásicas, cronologías y localizaciones...

EL MUNDO GRIEGO

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Anexo 2 Material De Apoyo Historia De Grecia 7 Basico 2009

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La imagen de la semana es...

2011-10-03T01:28:00.000+02:00

Entre los secretos más profundos de Egipto está este Faraón cuya vida ha trascendido más allá de su existencia porque quiso romper con los inmutables esquemas de Egipto. Coronado en Hermonthis y no en Karnak, como regía la tradición; casado con un extranjera a la que llamaban "la hermosa ha venido"; siempre rodeado de los sacerdotes del dios Sol de Heliópolis, despechando a los de Amón-Ra; preocupado por su nueva religión y su nueva capital, nadie le apreciaba realmente y tras su muerte casi todos los vestigios de su existencia fueron alterados o borrados.

¿Era un loco religioso poseido por el Dios Atón -dios Sol- con una espiritualidad diferente que le llevó a cuestionar y destruir el politeismo existente en Egipto desde hacía 2.000 años? o ¿era un hombre de Estado que quería devolver el poder absoluto perdido a los Faraones, acabando con el cada vez mayor poder de la casta sacerdotal?. Nunca lo sabremos con claridad.

Lo que sí sabemos es que ese viraje monoteista implicaba la creación de un nuevo patrón artístico. El fin de los viejos dioses traería consigo el fin de las rigideces, esquematismos e hieratismos anteriores. Un arte más vivido y naturalista para un monoteismo nuevo y más sentido.

¿Quién era él?¿Cuándo vivió? Creó una nueva capital alejada de Tebas y Menfis, de la que poco se conserva. ¿Cómo se llamaba?

¿Podrías citar algunos ejemplos artísticos de este nuevo estilo que sean significativos?

¿Qué obra es la imagen de la semana?¿Qué ves de diferente en ella frente a otros relieves egipcios?

Ipet Sut, "el lugar más venerado"

2011-09-30T00:44:00.000+02:00

TEMPLO DE AMON EN KARNAK

¡Venga!, con estas fotos y un poco de imaginacion podemos sentir el calor del desierto mitigado por la brisa que sube desde el Nilo. ¿ No notais ya el peso de la camara de fotos y de la mochila con la comida?¿No ois las explicaciones de los guias y los murmullos de sorpresa de la gente?

1. Primer pilono 2. Patio 3. Pabellón de Tahaka 4. Esfinges 5. Templo de Sethy II 6. Coloso de Ramsés II y Benanta 7. Pórtico de los bubastitas 8. Templo de Ramsés III 9. Colosos de Ramsés II
10. Segundo pilono 11. Sala hipóstila 12. Tercer pilono 13. Patio de Amenhotep III 14. Cuarto pilono
15. Quinto pilono 16. Vestíbulo de Thutmose III 17. Patio del santuario 18. Santuario de las barcas
19. Patio del Reino Medio 20. Santuario 21. Templo festivo de Thutmose III 22. Salas de Sokar
23. Salas solares 24. Jardín botánico 25. Santuario 26. Muro de los hititas 27. Patio del escondite
28. Edificios de Taharka del lago

Avenida de esfinges

Pilonos principales de acceso

Detalle del pilono derecho

Interior del patio porticado

Segundo pilono. Acceso a la Gran Sala hipostila

Gran Sala hipostila desde el tercer pilono

Gran Sala hipostila de Seti I

Celosias laterales de iluminacion______________ Columnas papiriformes abiertas

Columnas papiriformes de las naves central y laterales
Decoracion muros laterales
Obeliscos de Tutmosis III antes del cuarto pilono

Patio interior y capilla de la Barca

Capillas laterales al patio interior

Mas alla del sexto pilono y del patio final: la sala de Festivales y el Jardin Botanico

Muro de cierre del templo

Lago artificial exterior

Evolucion de su construccion en el tiempo

Espero que os haya gustado.
No dejeis de ir de verdad en algun momento de vuestra vida
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La he visto, estoy seguro...

2011-09-27T19:19:00.004+02:00

¿Qué?,

¿te sientes con fuerzas y preparado para hacer este test?

Todas son obras que hemos visto en clase pero aquí aparecen desde otra perspectiva.

Para acertar sólo tienes que decirme el nombre de la misma, el estilo artístico al que pertenecen y la época aproximada de realización

Os pongo un ejemplo...

Es el dolmen de corredor llamado Cueva de Menga, monumento megalítico de la Edad del Cobre, situado cerca de Antequera (Málaga). fue construido hacia el año 2500 ac.

Vamos con vuestras imágenes...

Imhotep, el primer arquitecto...

2011-09-23T16:37:00.000+02:00

No es fácil encontrar nombres propios en la Historia del Arte antiguo hasta la llegada de la Grecia clásica. Pero el gran visir Imhotep es una excepción. Yo lo considero el primer arquitecto que no constructor pues no sólo edifica sino que diseña y crea soluciones aun modernas.

Constructor de la tumba de Zoser en el complejo funerario de Saqqara, donde destaca la pirámide escalonada, Imhotep mostró su capacidad técnica en muchos aspectos. La magnifica estructura adintelada del templo funerario se refuerza con varias salas hipóstilas. No hay duda: con esta forma de construcción, Imhotep abre 3.000 años de arte egipcio y más de 2.000 años de arte occidental.
Aunque menos relevante para el arte del futuro, la estructura piramidal escalonada que crea el visir ofrece una sensacional solución arquitectónica para las tumbas reales.

Estamos ante 1500 metros de complejo amurallado, miles de toneladas de piedra tallada y construida con herramientas de cobre, con una armonía de lineas como ninguna de las demás construcciones del Imperio Antiguo puede superar, incluso la Gran Pirámide.

Esta claro que el visir-arquitecto era un visionario, un hombre adelantado a su época. Dejadme que os ponga unos ejemplos gráficos:

Es la primera vez que se utiliza la forma piramidal, aunque escalonada con dimensiones tan colosales.

Es la primera vez que se construye una sala dividida en naves separadas por columnas formando lo que se llama sala hipóstila que, más adelante, será la forma constructiva base para el arte griego y el romano.

Es la primera vez que alguien alterna columnas y pilares, creando incluso columnas acanaladas.

En los muros utiliza molduras de formas rectilíneas. A lo largo de todo el muro, opta por una solución estética que muchos copiarán: pequeños contrafuertes que rompen el carácter lineal del muro dándole forma y creando juegos de luces y sombras.

Me gustaría imaginarme a este hombre: seguramente menudo, enjuto pero de ojos vivos y brillantes. El poderío del faraón Zoser, su presencia de hombre-Dios, es fácil que eclipsara al visir ante la población. Pero es seguro que la clase alta le tendría un respeto reverencial. Era el Chaty, el que es la voluntad del amo, los oidos y los ojos del rey. No había en Egipto después del Faraón nadie con tanto poder...y en este caso, sabiduría.

Tesorero del rey del Bajo Egipto, Primer hombre después del rey del Alto Egipto, Administrador del Gran Palacio, Señor hereditario, Sumo sacerdote de Heliópolis, Imhotep el constructor, escultor, hacedor de vasijas de piedra... es el título que aparece en la base de una escultura de Zoser. Su inmenso poder estaba reforzado por sus conocimientos de matemáticas, astronomía, geometría e incluso, medicina.

Pica en el plano para hacerlo más grande

ENSEÑ-ARTE nos ofrece una estudio mucho más detallado
del complejo construido por Imhotep. ¡Consúltalo!.

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La imagen de la semana es...

2011-09-19T00:36:00.003+02:00

Mal asunto para empezar a trabajar

Definitivamente, no hay quien lo entienda...

Pero,...¿tenían los egipcios gruas y maquinaria pesada para construir sus tumbas y templos?

O, ¿Será que la foto que estas viendo es un truco o una artimaña para confundirte?

No, es real. Por eso, te preguntamos...

a. ¿Qué monumentos estás viendo en la imagen?¿Quién lo mando construir

y dónde?¿Qué función tenía?

b. ¿Qué es lo que está representando la foto?

EGIPCIOS, DE CARNE Y HUESO...

2011-09-17T22:24:00.004+02:00

RETOMAMOS UNA VIEJA Y LAUREADA ENTRADA DE HACE DOS AÑOS PARA ILUSTRAROS SOBRE ALGO TAN SUPUESTAMENTE SENSACIONAL COMO FUERON LAS PIRÁMIDES...

Sí, sí, de carne y hueso. Reales, genuinos, auténticos... Sus obras son tan colosales y su religión y vida de ultratumba tan misteriosas que las mentes apasionadas y de pensamiento ligero, rápidamente -y con poco tino- asocian lo egipcio con lo extraterrestre.

Hollywood aprovecha cualquier oportunidad y nos muestra el lado más novelero o de ciencia-ficción de la civilización egipcia. Y ahí tenemos al coronel O'neill - encarnado por el actor Kurt Russell- y sus científicos del proyecto StarGate dispuestos a desentrañar y resolver la paradoja de cómo fue posible que civilizaciones tan atrasadas construyeran semejantes obras.

La respuesta nada hollywoodiense es con tiempo, paciencia
y la ciencia aplicada.

Con tiempo: la Gran Pirámide de Jufu o Keops se tardó en construir 30 años. Nivelar, alinear el terreno y disponer el perímetro fue la primera obra. Mientras se levantaban las diferentes hiladas de piedra se construía el arranque de las galerías y cámaras funerarias. De forma paralela a la construcción del muro se levantaron varias rampas, al menos, una de subida y otra de bajada.

Lo cierto es que todo este trabajo se debe a la acción continuada durante todo el año de aproximadamente entre 3.000-7.000 obreros -17.000 aproximadamente si contamos la vigilancia e intendencia- y de hasta 100.000 en momentos álgidos cuando el Nilo estaba en su periodo de crecidas y el valle anegado.
Terminada la pirámide isósceles de 240 metros de lado por 146 metros de alto -112 metros tiene la Catedral de Amiens; hasta la construcción de la Torre Eiffel de Paris en 1889 (300 metros de alto) fue el edificio más grande del Mundo- se procedió a retirar las rampas y a recubrir la estructura irregular escalonada con planchas de caliza blanca pulida para dar su aspecto definitivo.

No hay prisa en un país, en una civilización en el estadio de la edad del cobre o calcolítico, donde aún gran parte del utillaje técnico era en piedra pulimentada. Lentejas, cerveza, datiles y mucha paciencia de los trabajadores al servicio del faraón-Dios Horus, llamado Jufu.

Con paciencia: la mayoría de las piedras utilizadas en el conjunto de la Gran Pirámide pertenecen a la meseta de Gizeh. Sólo las más duras y las más delicadas se traían de más allá de Assuan por río. El procedimiento de corte y desbastado era lento y tedioso. Primero se hacían orificios profundos en la roca y con sierras se creaba una linea de fractura. Luego usando la gelifractación o el aumento de volumen del agua helada por la fría noche del desierto, éstas se rompían. En otros casos se usaban cuñas para forzar la ruptura. Luego se pulían y tallaban hasta darle la forma de sillar.

Subirlas por las rampas requería de pericia y paciencia. Suponemos que había 3.000 trabajadores fijos de media. Si aceptamos como buena también esa cifra y suponemos que cada grupo de trabajo podía tener una media de 10 personas, nos quedan 300 grupos para subir unas 132 o 133 rocas al día. Aún suponiendo que en la pirámide hubiese el triple de bloques de los afirmados en los recientes estudios, es decir, si rondase los tres millones, cada grupo tendría como misión diaria, subir un sólo bloque a lo largo de sus 12 horas de trabajo correspondientes, en los veinte años de construcción. Visto así hasta parecen "vagos" los egipcios. Rampas de tierra con un entramado de juncos y papiros engrasados, con troncos transversales para encajar maderos de protección y todo un jego de poleas y palancas para subirlas. Alucinante pero simple. ¿ Dónde están ahí las magias cósmicas y la tecnología extraterrestre?

Teoría desarrollada por el arquitecto francés Jean-Pierre Houdin

Con ciencia aplicada: principio de la palanca, cálculo de pesos, medición de ángulos y mediatrices con varas al amanecer y al atardecer, niveles de agua, escuadras y plomadas,... Todo un mundo de supertecnologías. No nos sorprende que los arquitectos medievales con escuadra, cartabón, regla y plomadas construyeran Notre-Dame de Paris o la Catedral de León pero rechazamos como imposible que los egipcios con semejantes "armas" pudieran construir la Gran Pirámide. ¡ Qué ilusos somos!.¡ Cómo si sólo fuera el hombre actual capaz de hacer obras de ingeniería!. Mirad las Pirámides egipcias, la Muralla China, el anfiteatro Flavio o Coliseo, Santa Sofia de Bizancio o las grandes catedrales góticas europeas...

Más información en www.egiptomania.com/piramides/teorias/teoria.htm

Hemos presentado la teoría más aceptada hoy en día sobre la construcción. Con todo, aun hay incognitas que desvelar alrededor de la construcción y siguen, por ello, surgiendo nuevas teorías que tratan de explicar este prodigio técnico de las antiguos egipcios.

Quizás la parte más controvertida sea en el tipo de rampas, la inclinación y el diseño de las mismas. Houdin rechaza la gran rampa de casi tres kilómetros que con una leve inclinación permitiría subir piedras hasta los más de cien metros de altura. Houdin las sustituye por una rampa incial que salve el primer tercio de altura (43m.) y un conjunto de rampas divididas en tramos que van siguiendo las aristas del edificio.

Sin embargo, Rodríguez Varaona cree como podemos observar en la ilustración siguiente que las rampas eran de pequeño redorrido, con leísma inclinación y apoyadas sobre cada cara de la pirámide, con descansos para cambiar el sentido de la subida.

En fin, creo que nunca nos pondremos de acuerdo sino en que sea como fuere estos egipcios eran magníficos constructores, dificilmente igualables.

Nueva hipótesis de la construcción de las pirámides del valle de Gizeh

Por cierto, se me olvidaba...

Sólo un poder Real fuerte con unión al mundo de los dioses podía movilizar tales recursos y capacidades de la sociedad egipcia.
Hoy en día es el dinero lo que mueve las obras "faraónicas". Antes, sin embargo, era el absolutismo de los reyes y el sometimiento por las creencias de las religiones los únicos capaces de emprender obras semejantes.
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Bienvenidos al curso 2011-2012

2011-09-14T17:31:00.002+02:00

Hola,

Sed bienvenidos a la asignatura de Historia del Arte de 2º de Bahillerato.
Ya no somos novatos en este mundo de la Historia del Arte y en el de las nuevas tecnologías.

Vosotros tampoco sois novatos en el mundo de la enseñanza.

La Historia de Arte tiene que servir para daros una visión diferente de las manifestaciones artísticas. Aquí tratamos de que os acerquéis al Arte como profesionales del mismo: deberéis de aprender a analizar una obra de arte y tendréis que ser capaces de situar una manifestación artística en su debido momento histórico. Pero también vamos a intentar que os sorprendais y os maravilléis con esa capacidad innata humana de crear belleza y monumentalidad. Emoción, es la palabra clave.

Este blog y el resto de materiales multimedia y audiovisuales que os vamos a ofrecer os permiten trabajar y practicar la asignatura desde vuestra propia casa. Esto no quita para que en el aula haya trabajo personal, comunitario y explicaciones del profesor. Este año será la primera vez que sea obligatorio trabajar ciertos contenidos desde el ámbito de la web. La adopción del sistema de enseñanza de Bolonia por la Universidad os introducirá en el mundo de las nuevas tecnologías y las tutorías individualizadas. Aquí os ofrecemos un primer paso.

Nada más. Nos esperan las civilizaciones antiguas y el aprendizaje de cómo comentar una obra arquitectónica de cualquier periodo histórico.

Ha habido cambios en el temario y en la forma de afrontar la selectividad. Lo veremos en clase. Confio en que los excelentes resultados de años anteriores se mantengan con vosotros.

Empezamos.

Antonio López, un descubrimiento

2011-06-23T21:01:00.004+02:00

Seguro que mis alumnos no conocen a Antonio López. Pero como son tan "clásicos" que, como diría el Mozart de Milos Forman, casi "cagan" mármol, estoy plenamente seguro que va a ser uno de sus autores preferidos. Su hiperrealismo auna modernidad y tradición. Una muestra y unos enlaces a la exposición.

El Museo Thyssen-Bornemisza ofrece una magistral retrospectiva del autor durante este verano, que se va a convertir en un imprescindible para estas vacaciones.

1918-1945: la búsqueda de un nuevo orden

2011-06-11T20:07:00.005+02:00

Para acabar cayendo tras la Segunda Guerra Mundial en el más absoluto y genial desorden artístico que hayan visto los tiempos.

Los intentos de crear una linea argumental nueva dentro del arte se topan con el mantenimiento a algunas ideas que han calado ya en los artistas: la ruptura con el canón clásico permite crear dentro de un rango amplísimo de posibilidades; el fracaso de los movimientos "modernos", cerrados y maniatados por una idelogía artísitca irrenunciable; el ascenso del artista a la categoría de fenómeno social de masas, creando mitos y un nuevo grupo de "academicos" del arte encastillados en el lenguaje de las vanguardias.

Este periodo histórico, convulso por el ascenso de los fascismos y las dictaduras, del comunismo y la lucha obrera; por la llegada de las guerras, menores en China, Abisinia o España y mayores, como la Segunda Guerra Mundial, apenas aporta nada innovador al conjunto de la historia del Arte. Quizas tan solo dos cosas: la profundización en ideas y conceptos anteriores, caso de la abstracción -que tendrá su auge definitivo en EE.UU. y en la postguerra como el expresionismo abstracto- y el desarrollo del Surrealismo.

El Surrealismo se debe en gran parte a las ideas y planteamientos de André Breton. Siempre se sintió cerca del psicoanálisis -las teorías de Freud del subconsciente y los sueños fueron constantemente explotadas-, el marxismo, el ocultismo y los principios literarios y artísticos de Rimbaud o Lautréamont.
Aunque muchos consideran este movimiento y sus ideas herederos del Dadá, el Surrealismo de Breton tiene una clara organización como grupo y una construcción doctrinaria muy intensa, debida en gran parte a su creador pero también a figuras como Max Ernst o Jean Arp.

El optimismo surrealista contrastaba con la negación dadá, con su interés por la destrucción del arte. El surrealista lo que pretendía era la transformación total de la forma de pensar de la gente. Al romper los límites entre el mundo interior y el exterior, y cambiar la manera de percibir la realidad, estos artistas querían liberar el subconsciente, reconciliarlo con la conciencia y liberar a la humanidad de las cadenas de la lógica y la razón, las cuales habían llevado al mundo a la guerra y la dominación política.

El surrealismo, como idea o modelo, fue muy atrayente para muchos artistas. Muchos cayeron en el llamado surrealismo "orgánico" como Miró o Arp mientras que el más conocido fue, sin duda, el surrealismo "onírico" de Dalí, Magritte o Tanguy.

Max Ernst, Man Ray o Jean Arp, inicialmente

Ernst, Nadador ciego, cuadro clave en el movimiento

André Masson, Joan Miró o Yves Tanguy, en la siguiente generación

Y, a finales de los veinte y en los treinta ... Salvador Dalí, Magritte o Alberto Giacometti

Salvador Dalí, El gran Masturbador

El surrealismo se convirtió en un movimiento mundial en la década de los años 30, invadiendo la fotografía, el cine y las artes escénicas. Se convirtieron en un arte "popular" gracias a las grandes exposiciones de Bruselas, París o Nueva York. Al estallar la II guerra mundial, la mayoría de artistas emigraron a EE.UU. pero la fuerza de la abstracción o del existencialismo de Sartre acabaron con su importancia.

Vanguardias IV: Expresionismo, el camino hacia la madurez de las vanguardias

2011-06-08T20:04:00.005+02:00

El cubismo y el fauvismo no bucean en el potencial expresivo de los autores a través de sus obras.

El cubismo, incluso el sintético, crea formas pero no manifiesta ni las viviencias del alma, ni el sufrimiento del cuerpo, ni muestra ideología social o política alguna, ni critica la sociedad ni el arte.
Igual, en menor medida, le ocurre al fauvismo, más cercano a las nuevas ideas artísticas de Alemania, Holanda o Austria. Los fauvistas sí muestran cierta "audacia" visual, usando dibujos simples, formas exageradas o colores contrastados que muestran la libertad del pintor al crear. pero ahí se quedan.

Falta algo.

Algo que Van Gogh en su locura ya había trazado o que Vlaminck, el fauvista holandés, proponía en sus pinturas: la visión intensa, angustiosa a veces, espiritual otras, del mundo que nos rodea.

Estamos ante el expresionismo. Quizás sea uno de los estilos más prolíficos tanto por la cantidad de autores que lo siguen y la vasta obra que hacen como por su extensión en el tiempo. Podemos extender el expresionismo hasta su versión abstracta tras la II guerra mundial en los años 50 y 60 en Estados Unidos.

Hagamos un repaso de la ingente producción y sus diferentes estilos:

Múltiples autores se acercarona esta tendencia sin generar un grupo organizado a su alrededor; caso de E. Munch, en Noruega; Oskar Kokoschka, en Austria; Solana, en España o James Ensor en Bélgica.

Solana______________Munch
Kokoschka_______________Ensor

Sin embargo en el entorno alemán y de los países bajos sí se crearon corrientes de autores, unidos por un Manifiesto y con unos presupuestos pictóricos comunes. Son

Die Brüke (El Puente) con Kirchtner, Schmidt-Rotluff, Nolde, Henkel y Pchtein. El movimiento se creo entre 1906 y 1910.

"Con la fe puesta en el desarrollo y en una nueva generación de creadores y consumidores, hacemos un llamamiento a la juventud, y como juventud portadora del futuro, queremos procurarnos la libertad de vivir y actuar frente a las fuerzas tradicionales. Todo aquél que refleje en sus obras espontánea y verídicamente toda su fuerza creadora, es de los nuestros".

Manifiesto de fundación del movimiento artístico Die Brücke, 1905

Cinco mujeres en la calle de Kirchner, 1912_____________Autorretrato de Schmidt-Rotluff, 1906

Para ellos la pintura representa el plano fundamental de la experiencia sensible. El pintor transforma en obra de arte su propia experiencia personal ante la vida. La técnica pictórica queda, pues, supeditada a la expresión de los valores o inquietudes del artista. Se destruye todo canón que pudiera romper la manifestación de la inspiración inmediata.
Muestran, por tanto,...

una pincelada gruesa, rápida, que diluye las formas por su trazo y rapidez de ejecución

unos colores inspirados en el fauvismo pero de una gama cromática más oscura

No es una pintura hedonista, hermosa o brillante, más bien estridente, grosera y, a veces, dura.

Pero en esas mismas fechas surgió, en el mismo ambiente que Die Brüke, un movimiento que apostaba por un arte que expresara la fuerza interior del autor pero alejada de presupuestos políticos y sociales. Tan sólo expresión, incluso abstracta, de las diferentes armonías que vive, percibe o siente el artista dentro del mundo que le rodea.

Der Blaue Ritter (El caballo azul) se crea como rechazo a los presupuestos pictóricos y vitales de Die Brüke. Desde 1912 Kandinsky, Marc, Kubin y Münter formaron este estilo. El instito y el temperamento va a ser sustituido por una visión más filosófica y espiritual de la concepción artística. Coincidían con Diie Brüke en criticar a la sociedad y rechazaban las concepciones artísitcas anteriores pero su intención hacia la obra artística es diferente.

"Nuestro objetivo es mostar cómo, en la variedad de formas representadas, el deseo interno del artísta se realiza a sí mismo de múltipoles formas"
Kandinsky, prefacio exposición de Der Blaue Ritter, 1911

El Sueño, de F.Marc_______________________ Composición nº IV, de W. Kandinsky

Tendían a una purificación de los instintos más que a desencadenarlos sobre el lienzo; no buscaban un contacto físico con lo primordial -como Cezanne o los cubistas-, sino más bien un modo de captar la esencia espiritual de la realidad. Su formula es hacer vibrar la secreta esencia de la realidad en el alma, actuando sobre ella con la pura y misteriosa fuerza del color liberado de la figuración naturalista.
Así, estos autores apuestan por:

pintar con formas muy suaves y desvahidas, de pinceladas largas y muy sueltas

usar colores muy luminosos con transiciones suaves entre ellos

tener una cierta tendencia a la abstracción de las formas que, luego, desarrollará totalmente Kandinsky.

Sus presupuestos teóricos aparecen en la obra de Kandinsky "De lo espiritual en el Arte".

evadirse en sus temas de la critica social o de las representaciones tradicionales para acudir a temas cotidianos e intrascendentes que muestren toda la fuerza de sus colores y sus sentimientos

La Guerra Mundial cambiará todos estos presupuestos...su dureza, su irracionalidad, el sufrimiento que provocó durante y después de la misma, la crisis social y política que se desencadenó en Europa acabaron con este modelo de expresionismo.

El expresionismo es la madre de la abstracción, el tío del surrealismo y el abuelo del expresionismo abstracto de postguerra. Un movimiento muy poderoso, con una gran carga intelectual y filosófica, muy alejado de la comprensión popular y, por ello, también muy denostado.

Algunas webs a consultar...

http://ultimorender.com.ar/funkascript/expresionismo/solo_texto.htm
http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/expresionismo.php
Expresionismo, estilo a estilo

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Vanguardias III: "Dadá" o la ruptura total...

2011-06-08T19:38:00.000+02:00

Marcel Duchamp
Man Ray, Kurt Scwitters y Francis Picabia

Cuando estudié arte contemporáneo en la carrera, nuestro profesor nos enseñó varias láminas para ver nuestra reacción ante iconos del arte actual. Dos me llamaron la atención poderosamente: una fue una isla cubierta por un enorme lienzo blanco de Christo y otra, La fuente de Marcel Duchamp.

Siempre me sorprendieron y no gratamente los dadaistas. Ponían en solfa la racionalidad y parecían reirse de los principios más elementales de nuestra sociedad. Me parecían exasperantes y poco serios. "Juegos de ricos" decía yo.

Sin embargo, con el tiempo su trasgresión me ha parecido muy moderna. Incluso las actuales rupturas culturales parecen a la vista de los dadaistas pobres y poco creibles. Cuanto más mayor e imperfecto me veo, más me gusta su ruptura con lo establecido, su búsqueda de lo aleatorio, la belleza del caos.

Dadá se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo entendiendo por humanismo la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria.

Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general.

Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección.

Picabía, "Hera" y Man Ray "El violín de Ingres"

Por tanto en su rigor negativo también está contra el modernismo, es decir, el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. Sin embargo, la realidad es que cuando nace Dadá ya estaban afirmadas todas las tendencias y fue contra ellas pero terminó utilizando en su acción los hallazgos e innovaciones del cubismo, del futurismo y de la abstracción.

Como movimiento artístico surge en Europa y EE.UU. Apareció en Zurich, Suiza entre 1916 y 1922 con Tristan Tzara como su fundador. La energía de Dadá le vino, sobre todo, de los intelectuales no artistas o de aquellos artistas que sabían escribir con intensidad y buen hacer, caso de Arp, Van Doesburg, Picabia o Kurt Schwitters.

La primera guerra mundial también llevó a Nueva York a grupos de artistas y refugiados. Entre ellos hay que destacar a Duchamp, Picabia y Jean Crotti como europeos refugiados, junto con los estadounidenses Man Ray y Morton Scamberg.

Duchamp llegó de París a Nueva York con un regalo de los franceses para los estadounidenses que consistía en una bola de cristal con aire de París. Era el comienzo de los ready-mades (una rueda de bicicleta montada sobre un taburete, un botellero, un orinal, etc.), objetos sacados de la realidad y puestos en la esfera del arte por la simple acción y voluntad del artista. El deleite estético estaba fuera de sus intenciones y la elección de los objetos.

Estos refugiados se integraron con las corrientes vanguardistas que desde comienzos del siglo se estaban gestando en Harlem o en Greenwich Village. El pensamiento dadá caló con fuerza en estos ambientes culturales. Será aquí cuando se desarrolen algunos de los iconos del dadaismo como el Desnudo descendiendo una escalera, de Duchamp, calificada como obra maestra por André Breton.

MARCEL DUCHAMP

Rueda de bicicleta con taburete, Desnudo bajando la escalera, La fuente

El fin de la guerra y el ambiente de libertad generado por la República de Weimar dió lugar a un nuevo grupo dadá en Alemania, a partir de 1919. El movimiento dadá berlinés pasará a la historia por la incorporación de las nuevas técnicas artísticas de difusión de ideas entre las masas, principalmente el fotomontaje. Los dadaístas utilizaron la técnica del fotomontaje y del collage para plasmar la realidad que les circundaba, utilizando material visual sacado de los medios de comunicación.

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Vanguardías II: Las "fauves" del color

2011-06-01T17:37:00.005+02:00

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Vlaminck, Paisajes con árboles rojos, 1906____________________ Henri Matisse, Armonía en rojo, 1908

Paul Gaugin dijo a comienzos de 1888 a los miembros del grupo de Port-Aven: "¿Cómo veis este árbol?, mirando un rincón del bosque de Amour, " ¿Verde?. Entonces poned verde, el verde más bello de vuestra paleta. ¿Y esta sombra?, ¿más bien azul?. Entonces no tengáis reparo en pintarla con el azul más intenso posible...".

Les estaba descubriendo la esencia de su pensamiento: Cada obra que se hace no es real, es la transposición al lienzo de la sensación recibida. La idea de copiar la naturaleza quedaba apartada definitivamente del ideario del pintor. ¿ Por qué no traducir al lienzo esas mismas impresiones que tienen los poetas sobre las cosas, incluso exagerándolas hasta deformar colores y formas?. Estas ideas calan en dos grupos artísticos claramente diferenciados: los nabis, liderados por Bonnard y Denis, y los fauvistas, grupo organizado alrededor de Matisse.

Matisse, Braque, Vlaminck, Derain, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y Van Dongen formaron el grupo llamado Fauvista tras el Salón de Otoño de 1905. No eran un grupo cohesionado, no tenían un "Manifiesto". Era, más bien, un sentimiento de compartir un ansia de ruptura dentro del arte. El movimiento es efímero y algunos de sus presupuestos son tomados por otras vanguardias, como el expresionismo.

Matisse ante la creciente presencia del cubismo entre los pintores de vanguardia, afirmó:
" Nosotros queremos alcanzar un equilibrio interior mediante la simplificación de las ideas y las formas figurativas".¿ Qué quería decir?

Para ellos los cuadros no debían ser decoración, orden y composición sino tan sólo EXPRESIÓN. La pintura se convierte así en la forma de desencadenar sobre el lienzo el torrente de emociones y sentimientos que tiene el artista. Es la liberación del instinto y el temperamento, que se sobrepone sobre la forma y el realismo.
Matisse pone las bases del movimiento en su cuadro Lujo, calma, voluptuosidad, de 1904.

Lujo, calma y voluptuosidad, 1904________________________________________La alegría de vivir 1905

Vlaminck desprecia el cientifismo de momentos pasados ( perspectiva, proporción, teoría de los colores,...) y acude a las explicación de su pintura a través de palabras como audacia, provocación, libertad, barbarismo,etc. Técnicamente, se caracterizan por una gama de colores muy brillante y saturada, el empleo libre y subjetivo de los colores, decorativismo de la composición más que realismo y una pincelada más cercano al post-impresionismo que a otros movimientos. Es lo que se ha dado en llamar el Naturalismo subjetivo. No rompen con las formas tradicionales de pintar -no son cubistas- pero sí alteran los colores y la composición tradicional para alcanzar una expresión totalmente personal de lo representado.

Una de las obras clave fue el retrato de la mujer de Matisse ( Madamme Matisse o La raya verde ): de vibrantes colores poco naturalistas y con pinceladas potentes, densas de materia y rápidas, casi delirantes, esta obra fue una provocación por cuanto la representación real se reconocía perfectamente. La sustitución de la nariz por una raya verde o la sombra del rostro velada al amarillo marcan el estilo del autor.

Por otro lado, Derain pintó una serie de escenas del río Támesis, que rápidamente fueron puestas en comparación con las de Claude Monet. Mientras que los cuadros de Monet son estudios de luz y atmósfera, el fondo de la obra de Derain es la alegría del color. Se vuelve a la linea como refuerzo, con el color, de las formas pero se simplifican hasta hacerse casi sintéticas o esquemáticas.

http://www.liceus.com/cgi-bin/aco/ar/05/05028.asp
http://aprendersociales.blogspot.com/2007/05/la-pintura-fauvista.html
http://perspectivaerea.blogspot.com/2010/10/vanguardias-artisticas-ii-fauvismo.html

Sobre Matisse
http://brevehistoriadelarte.blogspot.com/2009/01/henri-matisse.html

Paseo virtual por el estilo
http://www.nga.gov/feature/artnation/fauve/beasts_1.shtm
http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/fauvismo.php

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Vanguardias I: Cézanne marco la pauta...

2011-05-30T20:04:00.003+02:00

Cierto. Entre 1900 y 1903 se consolida un mito, una referencia para futuras vanguardias. En 1900 tres de sus cuadros aparecen en la Exposición Universal de París; en 1901 es invitado al Salón de los Independientes; en 1902 se hace una exposición llamada "Homenaje a Cézanne" donde participan todos los grandes del momento y en 1903, el Salón de Otoño expone 33 obras que marcarán un hito en la historia del Arte. Su obra final y sus propias reflexiones sobre ella permitirán a vanguardias tan dispares como el cubismo o la abstracción crear sus principales supuestos pictóricos. Pero, sin duda, la más deudora de sus ideas es el Cubismo.

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Picasso___________________ Braque________________ Léger______________ Juan Gris

¿ Qué es el cubismo?

Pues son los primeros que comprenden e interpretan las lecciones sobre la esencia y el valor de los objetos representados que ya desarrolló Cézanne en sus "Jugadores de cartas" o en sus diferentes representaciones de la "Montaña de Santa Victoria". Picasso, Braque y Léger serán sus principales creadores.

Cézanne mostró el camino a los cubistas

Sin duda, la retrospectiva que se hizo en 1907 de la obra de este autor les impresionó vivamente. Si hay que poner fecha de inicio al Cubismo, casi todo el mundo pone 1906-7 y a las Demoiselles d'Avignon de Picasso. Nada parecido se ha hecho hasta ahora:

Se ha destruido la forma tradicional de representar a los objetos. Fin, pues, al figurativismo y al color real; la perspectiva se ha quebrado, y ella y las formas se han descompuesto y fragmentado en volúmenes escondidos unos y marcados otros. Lo que Picasso inició con este retrato de grupo lo completa y define a partir de 1909 en sus paisajes de Horta de Ebro. Braque, inmediatamente, sigue a Picasso. Léger hace lo mismo en 1910.

Así pues, la gran novedad del Cubismo no se centra como los Fauvistas en el color sino en el volumen y la estructura de los objetos y su representación en el espacio. Reaccionaron contra el impresionismo y contra el fauvismo... reaccionaban contra la espontaneidad cromática. De hecho, la monocromía preside sus cuadros en general mientras que los objetos se rompen en múltiples planos, analizando todas sus posibles formas espaciales.

En la línea de las nuevas tendencias filosóficas fenomenologistas ( Husserl ) los cubistas fijaban en la tela todas las posibles facetas del objeto en su variada e ininterrumpida sucesión de apariencias y signos. Trataban de superar el conocimiento relativo del objeto que ya habían trabajado los impresionistas para llegar al conocimiento absoluto del mismo. Hay dos momentos en el cubismo:

Cubismo analítico, a finales de 1909. Planos simples y anchos que rompen el objeto, lo desmenuzan, lo analizan en todas sus posibilidades. Monocromía.

Picasso, Chica con mandolina, 1910________________ Braque, Violín y palmatoria, 1910

Cubismo sintético, a finales de 1910. El elemento fundamental de este estilo es la recomposición libre de la imagen del objeto analizado y descompuesto anteriormente. No sujeto a las reglas de la imitación, el autor modelo y nos muestra su verdadera fisonomía esencial. Si Cézanne viviera hubiera besado y abrazado a Picasso llorando!. Juegan con los collages, con texturas y volúmenes que sobresalen el lienzo y le dan corporeidad.

Braque, Bodegón y copa, 1912_______________ Juan Gris, Paisaje con casas en Ceret, 1913

Retrato de Picasso por Juan Gris, 1914

Y Picasso, cuando llega la I Guerra Mundial, ¿ sigue siendo cubista?.
Quizás la etapa cubista, entre 1907 y 1914, sea la más apreciada el el mundo no profesional de la historia del arte; sin embargo, Picasso va mucho más allá... Es técnicamente un ecléctico y, artísticamente, está obsesionado con el Hombre y su destino...Pero esto será motivo para otro post más adelante.

Picasso cubista.
Por orden de izquierda a derecha...,
Retrato de Ambroise Vollard 1910, Bodegón trenzado de silla 1912 y Fábrica en Horta de Ebro 1909.

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Para completar y repasar....

http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/cubismo.php

http://www.monografias.com/trabajos14/picasso/picasso.shtml

http://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo

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http://www.palmexo.com/piston/cubismo.html

Al mal tiempo...buena cara

2011-05-22T22:36:00.001+02:00

A punto de acabar, unas risas con esta hilarante y magnífica recreación artística...

La imagen de la semana es...

2011-05-11T21:57:00.000+02:00

Empire State Building
Shreve, Lamb & Harmon, 1931
New York

Y mientras nuestros chicos creaban y desarrollaban el racionalismo arquitectónico, el futurismo, el neoplasticismo, el constructivismo, la Bauhaus y, finalmente, el Estilo Internacional...

¿Qué estaban haciendo los norteamericanos?
Pues ellos, a lo suyo: Rascacielos

Sólo la llegada de la guerra y el exilio de los grandes arquitectos e ingenieros europeos -el gran ejemplo es Mies van der Rohe- les hará acercarse a los postulados del Estilo Internacional.

Metropolitain Life Insurance Tower
Napoleon Le Brun 1909
New York

Woolworth Building
Case Gilbert 1913
New York

Chicago Tribune Tower
Raymond Hood 1925
Chicago

Equitable Building
Graham 1915
New York

Chrysler Building
William van Allen 1930
New York

McGraw-Hill Building
Raymond Hood 1931
New York
"Lo más cercano al Estilo Internacional que se hizo en Estados Unidos antes de la II Guerra Mundial"

Philadelphia Savings fund Society
George Howe 1932
Philadelphia

Más de lo mismo:
Escuela de Chicago revestida de historicismo.

Por cierto,
¿qué edificio es la Imagen de la semana?
Refiere alguna característica de su construcción y alguna anécdota de la misma.

"El último objetivo de toda actividad creativa es la construcción"

2011-05-11T00:37:00.003+02:00

Los profesores de la Bauhaus en la terraza superior del edificio de Dessau. De izquierda a derecha: Josef Albers, Hinnerk Scheper, Georg Muche, László Moholy-Nagy, Herbert Bayer, Joost Schmidt, Walter Gropius, Marcel Breuer, Vassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feininger, Gunta Stölzl and Oskar Schlemmer.

Todavía hoy en día habalar de la Bauhaus es sinónimo de modernización en el arte. Su mayor herencia -a pesar de que estemos en un tema de arquitectura- no ha sido en sus formas de construcción o edificios sino en la manera que mostraron de entender el Arte, más allá de su definición clásica.

Unieron Arte y artesanía, Arte y diseño industrial ("agradablemente estético, satisfactoriamente técnico, decían en la Escuela). Nada se les resistía: desde edificios a muebles, desde electrodomésticos a elementos decorativos. Es la concepción del Arte como un hecho unitario, buscando incluso la superación del hombre respecto a ideologías y formas anteriores de vida y pensamiento.

El Manifiesto y Programa de la Bauhaus desarrollado en 1919 formulaba ya las prioridades de la escuela y las de su director, Grophius. Su primer objetivo fue establecer la arquitectura como el elemento dominante en el diseño; el segundo trataba de romper la división tradicional entre arte y artesanía, elevando a esta a la categoría de la primera y, por fin, la conversión del diseño industrial en base del programa creativo de la escuela.
Por eso la escuela optó por desarrollar un currículo que cubriera todas las necesidades de una nueva generación de diseñadores industriales y arquitectos.

Los talleres de la Bauhaus se convirtieron en improvisados laboratorios de diseño, donde se fabricaron prototipos de objetos cotidianos, elevados a la categoría de objetos artísticos pero útiles. Cuero, acero tubular, cristal, ...Algunos de los objetos diseño Bauhaus, hoy ya son populares

De ahí que esta Escuela de Artes de Weimar, luego en Dessau y, finalmente por la presión nazi en EE.UU, reunieran entre sus docentes y asesores un plantel de ingenieros, artistas y pensadores sin igual en esa época: Grophius, Meyer y Mies van der Rohe como directores, El Lissitzky y Theo van Doesburg, creadores del neoplasticismo abstracto de "De Stijl" o Moholy-Nagy como teóricos del Curso principal de la Escuela; pintores como Paul Klee o Wasily Kandinsky, que enseñaron teoría del color o diseñadores como Marcel Breuer y Albers, contratados como profesores de taller.

En 1925 se abrió la nueva escuela en Dessau. Su edificio principal es un auténtico manifiesto de la arquitectura moderna:

Menos es más, es decir, simplicidad de formas y colores buscando armonías básicas.

Organización de los volúmenes y los espacios constructivos primando la función sobre la forma

Talleres y edificios de oficinas muestran paredes de muro cortina para que les llegue la mayor luz posible

Mientras la fachada de la residencia se constituía en un conjunto de espacios y balcones que rompían la simplicidad de la fachada.

Estructura del edificio forma parte de su belleza, por lo tanto observable desde el exterior.

Arquitectura arquitrabada basada en la composición tridimensional de la recta sobre un plano.

Los edificios como objetivo final; dentro de ello todo un enorme proceso de construcción creativa: Muebles de acero tubular, diseño de lamparas, mobiliario de cocina, luces y todo tipo de artefactos domésticos.

Es, en definitiva, la esencia del racionalismo. La forma sigue a la función.

En 1928 Grophius cede su puesto a Meyer como director. La pura concepción artística fue sustituida por la militancia política de los artistas y la standarización de la producción artística. Las protestas de la derecha alemana llevan a sustituir a Meyer por un menos comprometido Mies van der Rohe en 1930. En todo caso, la persecución nazi desde 1932 llevo a esta experiencia revolucionaria a su final definitivo en Europa.

De los principios arquitectónicos de la Bauhaus y de su diáspora, junto a las aportaciones de otros movimientos modernos surgirá tras el CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura moderna) de 1928 el "Estilo Internacional", base de la arquitectura hasta los años sesenta o setenta.

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Sullivan & Adler, grandes olvidados

2011-05-03T23:40:00.006+02:00

Frank Lloyd Wright, Peter Berens, Antoni Gaudí, Adolf Loos, Walter Grophius, Mies Van der Rohe, Le Corbusier, Thomas Rietveld, Vladimir Tatlin, Giuseppe Terragni, ... Es tal el despliegue de nombres que muestra la arquitectura europea de las dos primeras décadas del siglo XX que abruma a cualquiera. No sólo por las propuestas arquitectónicas sino por el grado de reflexión y de innovación que ofrecen en sus realizaciones. Nadie puede negar que entre estos nombres están los pilares, las bases de la arquitectura que vivimos y disfrutamos actualmente.

Igualmente, EE.UU despide el siglo con la escuela de Chicago pero la siguiente generación, ya trabajando en Nueva York, es de quitar el hipo: William van Allen, Philip Johnson, Harrison& Abramovitz, Eero Saarinen, Shreve, Lamb & Harmon o Raymond Hood muestran cómo los rascacielos de Chicago pueden ser ampliamente superados en altura, innovaciones técnicas o diseño.

Estas rutilantes estrellas del firmamento arquitectónico dejan en la sombra otros nombres que, por ser pioneros, PARECEN SER MENOS IMPORTANTES.

Louis Sullivan y Danmark Adler formaron la más innovadora y prestigiosa pareja de arquitectos norteamericana hasta su separación en 1895. Debió de ser una extraña pareja, no exenta de terribles discusiones y enfrentamientos. En realidad, Sullivan era el teórico de la arquitectura, el que planteaba y diseñaba las edificaciones, a veces sin tener muy en cuenta que sus acciones tenían repercusiones ingenieriles o estructurales de dificil solución. Adler era el contable, el hombre pragmático, el de los dineros, en lucha con los clientes y los números pero también un excelente ingeniero de estructuras que ya había destacado en la arquitectura del hierro. Adler siempre reconoció la mayor maestría en el diseño de Sullivan mientras que esté confiaba ciegamente en los cálculos de Adler.

Ambos diseñaron más de 180 edificios.

Aunque eran diseñadores de edificios comerciales, residenciales y de oficinas, el éxito les llegó con la construcción del Auditorium de Chicago, en 1886. Su excepcional acústica, el diseño del interior y sus ornamentos les llevó a la fama.

Cuando les plantearon enfrentarse a un rascacielos sus temores no vinieron por el lado de los cálculos estructurales, ni por las soluciones técnicas sino no por las dudas ante el diseño de una estructura tan colosal. Que fácil hubiera sido caer en la ornamentación historicista como hicieron Burnham & Roots o el propio Le Baron Jenney.

Sullivan fue lo suficientemente inteligente como para darse cuenta de que manejaba un icono cultural y económico de una ciudad y de una nación: los rascacielos. Estos edificios necesitaban una nueva estética que les alejara el historicismo imperante. Frank Lloyd Wright, su principal asistente, tuvo claro que el maestro estaba creando un estilo que, más adelante, se copiaría con la marca europea de Racionalismo.

El teorizó que todo rascacielos debe de tener tres grandes módulos de acción arquitectónica: uno, la visión a pie de calle, la visión pública donde el edificio debe de proveer a sus usuarios de espacios de reunión, de compras y las entradas al cuerpo principal del edificio; un segundo módulo que sería el de sus habitantes donde debe de ofrecer formas que permitan desarollar la vida o el trabajo de oficina lo mejor posible y, por fin, un tercer módulo arquitectónico, referido al equipamiento del edificio que debería de estar en el ático y oculto con formas que mejoraran el remate final de la obra. La fachada se convierte, pues, en el elemento donde aparecen las principales innovaciones puesto que lo estructural ya ha sido resuelto por los ingenieros. De ahi su ya famosa frase de "forms ever follow function". Hay que crear fachadas que se adapten tanto a la estructura como a las necesidades de los usuarios pero diseñando algo nuevo.

De todas sus obras, yo destacaría dos:
el Guarantee Building de Buffalo, NY, construido en 1894 y los Almacenes Carson, Pirie and Scott (en un principio Schlesinger-Meyer) de Chicago, terminados en 1904.

Aunque el Guarantee ofrece algunas soluciones estéticas magníficas -como se puede ver en las fotos superiores-, son los almacenes Carson, Pirie and Scott la culminación de una idea y un proyecto de vida.

Debemos destacar la inexistencia de muro siendo éste sustituido por ventanas, de forma apaisada, largas y divididas en tres vanos de cristal que particamente convierten a las fachadas en "muros cortina" como los que luego popularizará la Bauhaus alemana.

Las ventanas también crean un ritmo horizontal, impropio de los rascacielos, que contrasta con la torre central donde las ventanas son verticales y más estrechas. Este juego lo veremos en muchos edificios del "estilo internacional", desarrollado desde los años 30.

La inmacualda blancura del edificio es debida a la utilización en la fachada de piedra blanca de Georgia, dejando la terracota original -más cara- para los bordes de las ventanas y un pequeño remate en la cornisa. Este efecto culmina la desaparición de la ornamentación de los edificios, rompiendo definitivamente con el historicismo.

Al no ser un edificio especialmente alto, los pilares de hormigón que sostienen la estructura son especialmente delgados salvo los pilares maestros del entramado. Ello permite una diafanidad interior, muy adecuada para unos grandes almacenes pero que no era aun típica de esa época. Hasta la llegada de los rascacielos de nucleo central no habrá edificios de gran altura tan luminosos y abiertos como este.

En fin, recordemos a Sullivan cuando nuestros ojos solo tengan mirada para las maravillas del futurismo, del constructivismo, de la Bauhaus o del "estilo Internacional".

Algunos enlaces de interés sobre este tema...
Los almacenes Carson, vistos por EnseñArte
Carson, Pirie & Scott in English

Louis H. Sullivan construye en la Gran Manzana
Breve biografía de Sullivan en castellano
Magnífica biografía de Sullivan pero en inglés
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La imagen de la semana es...

2011-04-25T12:42:00.003+02:00

Casi todo estaba ya hecho en escultura.

Cómo superar el delicado pero enérgico cuerpo del David de Donatello, cómo luchar contra el cuerpo perfecto y el espíritu sereno del David de Miguel Angel, cómo superar las complicadas composiciones de la Aurora o la Noche en las tumbas mediceas, cómo hacer moverse a una figura después de haber visto trabajar a Benvenuto Cellini...

¿Cómo mejorar y superar esto?

Dando vida a las figuras.

La vida se consigue con gestos, con miradas, con acciones. Los personajes de su obra se vuelven concupiscentes, mortales... reales. Cuando tocan, agarran; cuando, miran, se sorprenden; cuando se mueven, se agitan... Contemplar una obra de este italiano genial es contemplar la vida hecha piedra y no a la inversa. Decía Buonarotti al ver acabado el Moisés "¡Habla!". Nuestro autor no necesitaba ese paso: sus figuras son tan reales que nos hablan con sus cuerpos y con sus expresiones. Quién no se ha visto conmovido por el rostro de Santa Teresa, quién no sufre al ver la transformación de Dafne, quién no ve en nuestra imagen de la semana puro placer carnal en esas manos y y esa carne desbocada...

Pero, ¿qué obra es? Pon en práctica todo los que has trabajado estas vacaciones...y dinos nombre, autor, fecha de realización y tema que se representa.
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